Comment les peintures d'artistes célèbres sont devenues une partie de la mode, façonnant un nouveau style du XXe siècle

2024 Auteur: Richard Flannagan | [email protected]. Dernière modifié: 2023-12-16 00:05

Les liens entre l'art et la mode définissent des moments précis de l'histoire. Ces deux médiums reflètent les changements sociaux, économiques et politiques des années folles aux années quatre-vingt vibrantes. Voici quatre exemples d'artistes et de créateurs de mode qui, par leur travail, ont contribué à façonner une nouvelle perspective sur l'art et la mode du 20e siècle.

1. Halston & Warhol: la confrérie de la mode

L'amitié entre Roy Halston et Andy Warhol a défini le monde artistique. Roy et Andy étaient tous deux des leaders qui ont ouvert la voie à la célébrité de l'artiste / designer. Ils ont supprimé la stigmatisation prétentieuse du monde de l'art et ont apporté la mode et le style aux masses. Warhol a utilisé plusieurs fois la sérigraphie pour créer les images. Bien qu'il n'ait certainement pas inventé le procédé, il a révolutionné l'idée de la production de masse.

Roy a utilisé des tissus et des motifs simples et élégants mais glamour avec son utilisation de paillettes, d'ultras et de soie. Il a été l'un des premiers à rendre la mode américaine accessible et désirable. Tous deux ont laissé leur marque définitive sur l'art et le style tout au long des années 1960, 70 et 80, qui se poursuit encore aujourd'hui.

Roy et Andy ont travaillé ensemble sur de nombreux projets différents. Warhol a créé des campagnes publicitaires mettant en vedette les vêtements de Halston et même Halston lui-même. À son tour, Halston a utilisé l'imprimé floral Warhol dans certaines de ses collections de vêtements, des robes de soirée aux ensembles de loisirs.

Roy a utilisé des motifs simples dans ses vêtements, ce qui les a rendus très réussis. Ils étaient confortables à porter, mais avaient aussi une touche de luxe grâce aux tissus, aux couleurs et aux imprimés. Warhol a également simplifié ses matériaux et son processus. Cela facilitait la reproduction de ses œuvres et les rendait plus vendables.

Le succès commercial a eu ses propres défis pour les deux artistes. Halston a été le premier à s'associer à la chaîne de magasins JCPenney en 1982, ce qui a affecté la qualité de sa marque. Warhol a également été critiqué, son travail étant perçu comme superficiel. Cependant, les deux ont modernisé leur utilisation de la vente au détail et du marketing dans leurs espaces respectifs pour créer des marques destinées aux ventes de masse.

Roy et Andy étaient des visiteurs fréquents du Studio 54. Ils ont organisé des fêtes, conçu et produit des œuvres pour des célébrités telles que Liza Minnelli, Bianca Jagger et Elizabeth Taylor. Tout cela se reflète dans leur travail alors qu'ils ont inspiré et défini l'ère disco des années 1970.

Halston était connu pour créer des tenues de soirée pailletées. Roy a posé les paillettes horizontalement sur le tissu, créant un effet chatoyant du matériau qu'il a utilisé pour créer des tenues luxueuses appréciées par de nombreuses femmes glamour.

La Warhol Diamond Dust Shoe Series illustre également la vie nocturne du Studio 54 et les célébrités qui y vivent. La poussière de diamant est ce qu'il a utilisé sur des pochoirs ou des peintures, créant un élément supplémentaire de profondeur pour la pièce. Et ses chaussures étaient à l'origine l'idée de la campagne publicitaire de Halston. En tout cas, ces deux-là ont apporté une énorme contribution à la mode, laissant une marque indélébile derrière eux. En effet, encore aujourd'hui, de nombreux designers modernes s'inspirent des idées d'Andy et Roy, créant de magnifiques collections aux échos du passé.

2. Sonia Delaunay: Quand l'art devient mode

Sonia Delaunay a non seulement révolutionné une nouvelle forme de cubisme, mais a également introduit le lien entre l'art et la mode. Delaunay et son mari ont tous deux été des pionniers de l'orphisme et ont expérimenté diverses formes d'abstraction dans l'art. Elle a été la première du genre à utiliser son propre style artistique et à entrer dans le monde de la mode en utilisant ses créations textiles, ses imprimés ou ses motifs originaux. On se souvient plus d'elle pour son art et sa relation avec son mari que pour sa mode. Son style a joué un rôle majeur dans les années 1920, et son catalogue de vêtements est plus connu pour ses photographies et ses références à son art que pour les vêtements eux-mêmes. Pour Sonya, il y avait et il n'y a pas de frontière entre l'art et la mode. Pour elle, ils ne font qu'un.

Elle a commencé son entreprise de mode dans les années 1920, créant des vêtements pour des clients et concevant des tissus pour des fabricants. Sonya a appelé son label Simultaneous et est allée encore plus loin avec l'utilisation de couleurs et de motifs sur divers sujets. La simultanéité jouait un rôle important dans son travail, et sa technique inhabituelle faisait penser à une courtepointe en patchwork ou à des textiles d'Europe de l'Est: les couleurs se superposaient les unes aux autres, et les motifs étaient utilisés pour créer harmonie et rythme. Ses thèmes communs incluent les carrés / rectangles, les triangles et les lignes diagonales ou les sphères - qui se chevauchent tous dans ses différentes conceptions.

Delaunay était une jeune femme à l'époque édouardienne, lorsque les corsets et le conformisme étaient la norme. Cela a changé dans les années 1920, lorsque les femmes ont commencé à porter des jupes au-dessus du genou et des vêtements amples et ajustés. Cet aspect se retrouve dans les créations de Delaunay et elle était passionnée par la création de vêtements adaptés aux besoins des femmes. Sonya a développé des maillots de bain qui permettent aux femmes de se sentir plus à l'aise, même lorsqu'elles font du sport et nagent. Elle a mis ses empreintes sur des manteaux, des chaussures, des chapeaux et même des voitures, utilisant n'importe quelle surface comme toile. Ses créations créent une liberté de mouvement et d'expression à travers la couleur et la forme.

Tout au long de sa carrière, elle s'est constamment essayée à quelque chose de nouveau et, par conséquent, s'est tournée vers le cinéma et le théâtre. Sonia a conçu les costumes du Petit Parisien de René Le Somptier, tandis que son mari a réalisé les décors du film. Elle aimait les formes géométriques, les combinant et les mélangeant habilement les unes avec les autres, créant des motifs bizarres et des lignes brisées qui sont devenues sa marque de fabrique.

3. Collaboration entre Elsa Schiaparelli et Salvador Dali

L'avant-garde de l'art surréaliste est combinée avec le leader de la mode surréaliste. Salvador Dali et la créatrice de mode Elsa Schiaparelli ont collaboré et se sont inspirés tout au long de leur carrière. Ils ont créé des looks emblématiques tels que Lobster Dress, The Shoe Hat et The Tear Dress qui ont choqué et inspiré le public à la fois dans l'art et la mode. Dali et Schiaparelli ont ouvert la voie à une future collaboration entre les créateurs de mode et les artistes, comblant le fossé entre ce qui est considéré comme l'art vestimentaire et la mode. Dali a utilisé les homards comme thème récurrent dans son travail et s'est intéressé à leur anatomie.

La robe "Omar" est une œuvre commune d'Elsa et Dali, et leur création a suscité de nombreuses controverses non seulement le jour de ses débuts, mais aussi après. Tout d'abord, il a un corsage transparent et une jupe en organza blanc. La tenue insolite a littéralement fait exploser le monde de la mode, provoquant de nombreuses polémiques à ce sujet. L'utilisation de drap blanc contraste également avec la couleur rouge du homard. Le blanc peut être considéré comme vierge ou symbolisant la pureté par rapport au rouge, ce qui peut signifier détente, puissance ou danger.

Les squelettes sont un autre thème de l'art surréaliste et ont été utilisés dans d'autres collaborations entre Dali et Schiaparelli. La robe Skeleton était la première du genre. Elsa a utilisé une technique appelée trapunto, où deux couches de tissu sont cousues ensemble, créant un contour où le molleton est inséré, créant ainsi un effet en relief. Cette technique crée une surface texturée sur un tissu plat, donnant l'illusion que des os humains dépassent de la robe. Cela a causé un scandale car la robe était faite d'un matériau élastique qui adhérait à la peau. Les fantasmes des peintures et des dessins de Dali ont été incarnés dans le monde irréel des tenues de Schiaparelli, qui font encore aujourd'hui une impression indélébile sur les spectateurs et les créateurs.

4. Yves Saint Laurent: le choc de l'art et de l'inspiration

Où est la frontière entre l'imitation et l'appréciation ? Les critiques, le public, les artistes et les designers ont eu du mal à déterminer où cette ligne s'étend. Cependant, lorsqu'il s'agissait d'Yves Saint Laurent, ses intentions n'étaient rien de plus que la flatterie et l'admiration pour les artistes et les peintures qu'il utilisait comme inspiration. En regardant son vaste portefeuille, Saint Laurent s'est inspiré des cultures et de l'art du monde entier, qu'il a intégrés avec succès dans ses vêtements.

Même si Yves n'a jamais rencontré les artistes qui l'ont inspiré, cela ne l'a pas empêché de créer des œuvres d'art en signe de respect pour eux. Laurent s'est inspiré d'artistes tels que Matisse, Mondrian, Van Gogh, Georges Braque et Picasso. Il était collectionneur d'art et collectionnait des tableaux de Picasso et Matisse, qu'il accrochait chez lui.

Yves a pris certains des motifs artistiques et les a transformés en de superbes vêtements qui rendent hommage à certains de ses artistes préférés. Les années 1960 ont été une période de révolution et de commercialisme, une nouvelle ère de la mode et de l'art. Les projets de Saint Laurent ont connu un succès commercial lorsqu'il a commencé à s'inspirer du pop art et de l'abstraction. En 1965, il crée vingt-six robes inspirées des peintures abstraites de Piet Mondrian. Les robes incarnaient l'utilisation par Mondrian de formes simplistes et de couleurs primaires audacieuses. Yves a utilisé une technique dans laquelle aucune couture n'était visible entre les couches de tissu, ce qui donnait l'impression que les vêtements étaient une pièce entière. Saint Laurent a pris l'art de Mondrian des années 1920 et l'a rendu portable par rapport aux années 1960.

Les robes à la mode sont des exemples classiques du style des années 1960. Ils étaient similaires aux vêtements des années 1920 qui étaient moins contraints et avaient des manches et des ourlets qui exposaient de grandes plaques de peau. Les silhouettes carrées de Saint Laurent ont permis aux femmes de se sentir légères et libres. Cela l'a également conduit à s'inspirer d'artistes pop art tels que Tom Wesselman et Andy Warhol. Il a créé une ligne de designs inspirés du pop art qui présentaient des silhouettes et des découpes sur ses vêtements. Il s'agissait de surmonter les limites de ce qu'est l'abstraction dans l'art et la commercialisation du design. Laurent a réuni ces deux idées pour créer des vêtements pour femmes libres et attrayants pour les femmes modernes.

Les vestes Vincent Van Gogh de Saint Laurent sont un exemple de la façon dont Yves a combiné l'inspiration d'un artiste avec ses propres talents de créateur. Comme ses autres vêtements, les thèmes liés à l'artiste n'ont pas été copiés et collés sur les vêtements de Saint Laurent. Au lieu de cela, il a choisi de les utiliser comme source d'inspiration et de créer des pièces qui reflètent son propre style. La veste est un exemple du style des années 80, qui est brodé de tournesols dans le style pittoresque de Van Gogh.

Laurent a collaboré avec la Maison Lesage, leader de la broderie haute couture. La veste "Tournesols" est brodée de perles tubulaires. Les fleurs sont remplies de différentes nuances d'étincelles oranges et jaunes. Cela crée une texture multidimensionnelle similaire à la technique de Van Gogh consistant à appliquer de la peinture épaisse sur la toile. On estime qu'il s'agit de l'un des articles de haute couture les plus chers jamais fabriqués et vendus chez Christie's pour près de quatre cent mille euros. Saint Laurent a ouvert la voie au port du vêtement comme une œuvre d'art en soi, indépendamment de la mode et de l'époque.

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