Ce qui à l'époque est devenu célèbre pour le Caravage, Rembrandt, Velazquez et d'autres artistes baroques

2024 Auteur: Richard Flannagan | [email protected]. Dernière modifié: 2023-12-16 00:05

L'histoire de la peinture a plusieurs siècles, ainsi que des styles, des formes et des directions. Cependant, le plus célèbre et le plus populaire d'entre eux était et reste le baroque. Les peintres et les créateurs de cette époque ont été émerveillés par leurs idées innovantes, ont créé de nouvelles directions et ont travaillé dans des styles intéressants et uniques. Qui sont-ils, les meilleurs représentants de cette époque dans le monde de l'art, et que sait-on d'eux ?

1. Le Caravage

Nous n'apprendrons peut-être jamais pleinement le secret des peintures les plus étonnantes de l'époque baroque, mais un regard sur l'histoire du Caravage révèle certains de ses secrets. Sa vie était tragique au point d'être impossible. Il est devenu orphelin tôt, ayant perdu la plupart de sa famille à l'âge de dix ans lors d'une épidémie de peste. Et après avoir assisté à l'exécution brutale d'une jeune femme noble en 1599, il a commencé à peindre des femmes vengeresses coupant la tête des hommes.

Michel-Ange est devenu le peintre le plus célèbre de Rome en 1600 et a donné naissance au style baroque ainsi qu'à la technique du clair-obscur. Mais, quand il n'écrivait pas, il s'entourait de voleurs, de filles de petite vertu, d'ivrognes, de fêtes et de bagarres.

Nul besoin d'être un expert des symboles et des codes de l'art de la Renaissance pour remarquer la violence des peintures du Caravage. Il détient peut-être le record du nombre de têtes coupées, et son travail religieux a suscité la colère de l'Église catholique parce qu'il a utilisé la confusion comme modèle pour la Vierge Marie.

Le Caravage savait qu'il était un artiste extraordinaire et n'hésitait pas à critiquer ses rivaux. Son contemporain Giovanni Baglione a dit:.

Vers 1600 à Rome, l'Église catholique était la source la plus importante de mécénat pour des artistes comme le Caravage. Il n'hésite pas à repousser les limites de l'art, même si cela heurte les sentiments de l'Église. L'un des mouvements les plus controversés de l'artiste a été l'utilisation de modèles issus des couches les plus pauvres de la population de Rome, y compris des voleurs, des vagabonds et des prostituées.

En 1601, Michel-Ange a perdu sa commande de créer l'image de la Vierge Marie pour l'église de Santa Maria della Scala à Rome en raison du fait qu'il a utilisé le célèbre confus comme modèle pour l'image de Notre-Dame. Mais le tableau, qui a choqué les catholiques à Rome, a trouvé grâce en dehors de l'Italie. Plus tard, il a été acquis par le roi anglais Charles Ier, puis est entré dans la collection royale française.

Ses peintures religieuses audacieuses et franches étaient hautement souhaitables, mais aussi très différentes des styles antérieurs de représentation de saints. Il a apprécié la cruauté du martyre en peignant plusieurs scènes différentes de crucifixion. Certains n'aimaient pas la façon dont l'artiste dépeint les saints à la lumière naturelle et humaine. D'autres considéraient son travail comme méchant et vulgaire.

Et lorsqu'en 1606, le Caravage tua un homme, il fut contraint de fuir Rome. Le pape a imposé une condamnation à mort sur sa tête, et le Caravage est mort quatre ans plus tard sans recevoir de grâce papale.

2. Rembrandt

Rembrandt était le plus grand peintre hollandais de son temps et l'une des figures les plus importantes de l'art européen. Les nombreux autoportraits qu'il a peints tout au long de sa vie sont une sorte d'autobiographie visuelle.

Il est né le 15 juillet 1606 à Leyde, fils d'un propriétaire de moulin. En 1621, il commença ses études avec un artiste local, et en 1624-1625 il était à Amsterdam, étudiant avec Peter Lastman, qui avait visité l'Italie et présentait maintenant le jeune artiste aux tendances internationales.

Tout au long de sa vie, il s'est cherché, essayant à chaque fois de nouvelles techniques et de nouveaux styles. Sa carrière montait rapidement en flèche, puis roulait en tartares, laissant derrière lui une série de problèmes et d'ennuis, y compris la faillite avec confiscation des biens. Mais malgré la séquence noire dans la vie, il a continué à recevoir des ordres. Rembrandt s'intéressait au dessin et à la gravure, ainsi qu'à la peinture, et ses estampes étaient mondialement connues de son vivant.

Tout au long de sa carrière, il a attiré des étudiants qui lui ont également servi d'assistants. Leur œuvre était parfois très difficile à distinguer de celle de Rembrandt lui-même, puisqu'ils l'imitaient tous à fond.

3. Bernin

Le Bernin a dominé le monde de l'art romain du XVIIe siècle, florissant sous le patronage de ses cardinaux et papes et remettant en question les traditions artistiques modernes. Ses projets sculpturaux et architecturaux révèlent une interprétation innovante des intrigues, l'utilisation des formes et la combinaison des médias. Ouvrant la voie aux futurs artistes, il a contribué à créer un vocabulaire dramatique et éloquent du style baroque.

L'un de ses chefs-d'œuvre, l'Extase de sainte Thérèse (en marbre multicolore), est une figure mystique physiquement secouée par une vision miraculeuse. Appelé en France par le roi Louis XIV pour travailler au palais du Louvre, le Bernin quitte Rome pour une courte période. Bien que ses plans architecturaux soient rejetés, il achève néanmoins le portrait-buste de Louis XIV (Château, Versailles), une représentation majestueuse d'un monarque dans un costume dramatiquement flottant, et rentre chez lui.

Sous le pape Urbain VIII, Bernini a reçu la première de plusieurs commandes pour la basilique Saint-Pierre - un énorme baldaquin en marbre, bronze et doré qui se trouvait au-dessus de l'autel papal. Peu de temps après, il entreprend de créer un monument à Urbain VIII, œuvre qui détermine l'iconographie des futurs monuments funéraires pontificaux.

Dans les œuvres ultérieures de Pierre le Grand, placées dans une abside pour entourer l'ancien trône qui aurait appartenu à saint Pierre, la lumière naturelle est amplifiée par des rayons dorés dispersés, créant un cadre divin, et la pièce sacrée attire immédiatement l'attention du spectateur. Le dernier travail du Bernin pour l'église Saint-Pierre, commencé sous le pape Alexandre VII, était le projet d'une gigantesque place menant à l'église. Il a lui-même comparé l'espace ovale, délimité par deux colonnades autoportantes, à une église mère étendant ses bras pour embrasser les croyants.

Il a également démontré ses capacités en tant qu'architecte dans l'église de Sant'Andrea Al Quirinale, et ses compétences en ingénierie l'ont aidé à créer les fontaines.

4. Vélasquez

L'œuvre de Velázquez est largement considérée comme la représentation la plus parfaite du baroque espagnol. Là où l'accent se déplace des caractéristiques de la Renaissance de la lumière vive et d'une perspective mathématique, le baroque privilégie l'essence de l'humanité, montrant les choses telles qu'elles devraient être vues. Le développement du clair-obscur a signifié que l'ombre est devenue tout aussi importante que la lumière, dans laquelle les choses peuvent être caché, mis en évidence, contrasté ou affiché. Cet effet a souvent été utilisé par Velazquez.

Sa première formation en tant qu'élève de Pacheco lui a donné une base dans le réalisme italien, qui est devenu la caractéristique principale de son art. Au fur et à mesure que son style artistique devenait plus autonome, il penchait davantage vers une vision naturaliste des choses, par exemple, dans "Epiphany", il recrée cette scène célèbre avec des membres de sa propre famille par opposition aux traditionnels Marie et Jésus. Cela sert à universaliser la scène, la rendant pertinente pour chaque famille.

Au cours des voyages de Velazquez en Italie, il a été fortement influencé par les grands maîtres de Venise, et cela était particulièrement visible dans son utilisation de la couleur. Les célèbres « Maids of Honor » et « Surrender of Delirium » en sont de bons exemples. Ce dernier tableau s'est retrouvé dans la salle du trône du roi Philippe IV, où ses victoires militaires étaient célébrées. L'image est si touchante que Velazquez s'est concentré sur le sentiment humain plutôt que sur l'effusion de sang et l'agression de la guerre. Le visage du commandant espagnol Spinola déborde de compassion alors que le fort hollandais se rend finalement après un siège de quatre mois.

Il s'est inclus dans plusieurs de ses peintures, surtout les plus tardives. Cela souligne le lien inextricable de l'artiste avec son travail, et laisse également entendre que Velazquez se considérait comme une figure plutôt exaltée, et non comme un artiste modeste.

Il a travaillé à la cour royale, créant des portraits du roi et de sa famille, et son choix de peindre des bouffons de cour et des nains a contribué à une étude plus approfondie de la forme humaine. "The Midget Sitting on the Floor" est un bon exemple de la façon dont Velazquez a prouvé que tout le monde est digne d'être dessiné.

5. Rubens

Rubens est né à Siegen, en Allemagne, en Westphalie. Son père, Jan Rubens, avocat et échevin d'Anvers, a fui les Pays-Bas espagnols (la Belgique actuelle) en 1568 avec sa femme Maria Pipelinx et ses quatre enfants pour éviter la persécution religieuse pour ses croyances calvinistes.

Après la mort de Jan en 1587, la famille retourna à Anvers, où le jeune Pierre Paul, élevé dans la foi catholique romaine de sa mère, reçut une éducation classique. Son éducation artistique commence en 1591 par un apprentissage chez Tobias Verhecht, parent et peintre paysagiste au talent modeste. Un an plus tard, il a déménagé dans l'atelier d'Adam Van North, où il est resté pendant quatre ans jusqu'à ce qu'il devienne l'apprenti du principal artiste anversois Otto van Veen, doyen de la Guilde des artistes de Saint-Luc.

La plupart des œuvres de jeunesse de Rubens ont disparu ou sont restées non identifiées. En 1598, Rubens est admis à la corporation des artistes d'Anvers. Il continua probablement à travailler dans l'atelier de Van Veen avant de partir pour l'Italie en mai 1600. À Venise, il a absorbé l'éclat et l'expressivité dramatique des chefs-d'œuvre de la Renaissance du Titien, du Tintoret et de Véronèse. Engagé par Vincenzo I Gonzaga, duc de Mantoue, Rubens se rend à Mantoue, où sa tâche principale est de faire des copies de peintures de la Renaissance, principalement des portraits de beautés de la cour.

En octobre de la même année, Paul accompagne le duc à Florence pour assister au mariage de la sœur de Gonzague Marie de Médicis avec le roi Henri IV de France, une scène que Rubens recréera un quart de siècle plus tard pour la reine. À la fin de la première année, il avait déjà parcouru l'Italie avec un carnet de croquis à la main. Des copies de peintures de la Renaissance réalisées par lui donnent un riche aperçu des réalisations de l'art italien au XVIe siècle.

En août 1601, Rubens arrive à Rome. Là, le nouveau style baroque proclamé par Annibale Carracci et Le Caravage, Michel-Ange et Raphaël fut rapidement adopté par Rubens. Sa première grande œuvre romaine impliquait trois grands tableaux pour la chapelle de la crypte de Sainte-Hélène dans la basilique de Santa Croce.

Rubens s'est plaint d'être l'homme le plus occupé et le plus blasé du monde, mais a continué à assumer des tâches importantes pour l'église. Son Adoration des mages pour l'abbaye Saint-Michel était couronnée de trois sculptures monumentales de sa propre conception.

De plus, l'artiste n'a pas négligé les mécènes et les commandes privées. Il incarne avec brio son médecin et ami Louis Nonnius, sa future belle-fille Suzanne Fourment et ses fils Albert et Nicolas. Son paysage avec Philémon et Bavkid révèle dans une veine poétique sa vision héroïque et catastrophique de la nature. Et l'infante Isabelle commanda à Rubens un vaste cycle de tapisseries "Le Triomphe de l'Eucharistie", qui est une manifestation sans précédent de l'illusionnisme baroque.

Que pouvons-nous dire, mais l'art a été, est et sera inestimable depuis des siècles. Et il n'est pas du tout surprenant que le monde regorge de gens qui sont prêts à mettre tel ou tel tableau dans leur collection (le plus souvent par des moyens illégaux). Quelqu'un commet un crime pour de l'argent, et quelqu'un essaie simplement d'amuser sa fierté, prend les photos sous le nez des gardes, ne laissant aucune trace.