Francesco Parmigianino : Comment un artiste qui peignait la beauté irrationnelle a été ruiné par l'alchimie

2024 Auteur: Richard Flannagan | [email protected]. Dernière modifié: 2023-12-16 00:05

L'un des maîtres de la Renaissance italienne, Parmigianino est devenu célèbre pour sa capacité à peindre une beauté particulière et irrationnelle - déformée, complexe, souvent au-delà de la réalité. Il n'a vécu que trente-sept ans, incapable de surmonter l'âge critique d'un génie, mais des centaines d'années plus tard son art reste fascinant, audacieux et parfois effrayant.

Jeune artiste de Parme

Le nom sous lequel l'artiste est entré dans l'histoire lui a donné le nom de sa ville natale - Parme - comme, soit dit en passant, et le parmesan, inventé ici avant même la naissance de l'artiste. Et le surnom "Parmigianino" est resté dans cette forme diminutive, probablement parce que son propriétaire s'est montré tôt, surprenant par sa jeunesse et son habileté.

Le vrai nom de Parmigianino est Girolamo Francesco Maria Mazzola, il est né en 1503 dans la famille de l'artiste, mais a perdu ses parents tôt et a été élevé par ses frères paternels - Mikel et Pierre Hilario. Un de ses oncles, également artiste, attira son neveu pour exécuter de petites commandes, et très vite les capacités du jeune Parmigianino furent remarquées.

Il acheva le tableau "Le Baptême du Christ" à l'âge de seize ans, et à dix-sept il reçut une commande de fresques pour les chambres de Paola Gonzaga, une aristocrate italienne. Comme lignes directrices que Parmigianino s'est imposée, il y avait le travail de Giovanni Antonio Pordemon et Correggio, mais assez tôt l'artiste a formé son propre style pictural, et ce n'est pas un hasard si Parmigianino a suivi de près l'absence de répétitions et de clichés des toiles de ses contemporains dans ses œuvres, y compris nombre de maniéristes renforçant la position.

Ce mouvement est né, pour ainsi dire, en opposition aux canons existants apportés par Raphaël, Michel-Ange, dont les œuvres pour Parmigianino, d'ailleurs, étaient un objet d'admiration. Les maniéristes, avec leurs œuvres, ont essayé de provoquer la surprise, l'embarras, voire l'irritation chez le spectateur, malgré l'apparente observance des canons de base des beaux-arts.

Cette expansion des possibilités et des buts de l'art a trouvé ses fans, y compris des plus influents. Mais le principal changement dans le destin de Parmigianino eut lieu en 1524, lorsqu'il arriva à Rome avec ses oncles. Là, Parmigianino se familiarise avec les créations de génies déjà reconnus, tout en poursuivant ses propres études de peinture et de graphisme. Il a envoyé plusieurs de ses œuvres au pape Clément VII, dont "Autoportrait dans un miroir convexe", qui a été réalisé sur un hémisphère en bois et avait une caractéristique intéressante - l'artiste a représenté ce qu'il a vu dans le miroir, qui a déformé les objets en fonction de l'approche ou le retrait de sa surface. Clément VII, qui soutenait l'orientation laïque des œuvres d'art en général, s'intéressait aux œuvres originales de Parmigianino, ce qui ne pouvait qu'affecter la popularité de l'artiste.

Maniérisme de Parmigianino

C'était le style de Parmigianino - une violation de l'harmonie de la composition familière à la Renaissance, la destruction de la plausibilité des objets et des personnages visibles, la distorsion des proportions. Les artistes sont sortis au-delà des limites de la réalité ou de la lumière, ou des couleurs, ou de la perspective. Un trait caractéristique des portraits de Parmigianino est le regard envoûtant, souvent ambigu des personnages des peintures.

Parmigianino a travaillé seul et beaucoup dans l'atelier. On le connaît, comme d'autres maîtres de la Renaissance, par les travaux du biographe des artistes italiens Giorgio Vasari, contemporain de Parmigianino et de ses collègues de l'atelier. Il existe un cas connu où, plongé dans son travail sur le tableau "La vision de saint Jérôme", il n'a pas remarqué comment les militaires ont fait irruption dans l'atelier - les soldats de l'empereur romain germanique Charles V ont capturé Rome. Voyant l'artiste à l'œuvre, ils ne touchaient ni lui-même ni la toile.

Certes, bientôt Parmigianino devait encore partir, s'installer à Bologne. Il avait alors 24 ans. Le style de l'artiste dans la période "Bologne" de son travail se distingue par l'abstraction, en quête d'un idéal de beauté inaccessible. Plus tard, il retourna dans sa Parme natale.

Alchimie

Le début de la fascination de Parmigianino pour l'alchimie est associé à environ 1530. Au cours de ces années, l'artiste était fasciné par les eaux-fortes - les gravures sur métal, et il est difficile de dire avec certitude si c'était la raison de l'émergence de l'intérêt pour les transformations alchimiques, ou les expériences constantes avec les acides et les méthodes de gravure des plaques de métal étaient causé précisément par la proximité de cette passion soudaine.

Au XVIe siècle, l'alchimie était considérée comme une occupation tout à fait légitime, cependant, elle rassemblait autour d'elle un nombre important de sceptiques, ceux qui ne croyaient pas à la possibilité de transformer une substance en une autre et condamnaient le fanatisme avec lequel les alchimistes menaient leurs expériences. Selon Vasari, l'artiste a gaspillé son talent et sa vie en expériences. L'alchimie, la magie, les visions mystiques de l'univers sont devenues, selon les contemporains de Parmigianino, le sens principal de sa vie.

Malheureusement, les historiens modernes ont une quantité plutôt maigre de preuves des contemporains de Parmigianino sur sa vie. De la "Biographie des peintres, sculpteurs et architectes les plus célèbres" Vasari, il est connu que "à la fin Francesco, toujours emporté par cette alchimie de la sienne, est passé, comme tous les autres qui étaient autrefois obsédés par elle, d'un élégant et agréable l'homme en barbu, aux cheveux longs et ébouriffés, presque sauvage, pas du tout ce qu'il était avant."

En 1531, Parmigianino reçut une commande de l'église Santa Maria della Strecata. Il devait décorer l'intérieur du temple de fresques. Le travail s'est avéré pénible - et au lieu des dix-huit mois stipulés par le contrat, Parmigianino a passé plusieurs années à travailler sur les murs du temple, et en 1539, il a finalement été arrêté pour avoir enfreint les termes de l'ordre. Après un certain temps, il est sorti de prison et s'est enfui de sa ville natale.

Parmigianino est mort en 1540 dans la ville de Casalmaggiore, apparemment d'un empoisonnement à la vapeur de mercure, qu'il a activement utilisé dans ses expériences sur les transformations alchimiques. Selon sa volonté, l'artiste a été enterré sans vêtements, plaçant une croix sur sa poitrine.

En examinant les peintures et les fresques de Parmigianino, on est tenté de voir partout des traces de sa passion pour l'alchimie: "Madonna with a Long Neck" se rapporterait à la forme traditionnelle d'un récipient utilisé dans les expériences alchimiques. Actéon, un personnage de la mythologie grecque antique, qui a attrapé Diana en train de se baigner, est représenté au moment de sa transformation en cerf - et les transformations étaient l'essence et le but principal de l'alchimie.

Les tableaux de Parmigianino sont toujours suffisamment provocateurs pour le spectateur habitué à l'harmonie impeccable des compositions de Raphaël. Soit dit en passant, la seule œuvre de l'italien, où les lois de la perspective sont exactement observées, est peut-être "Vierge à l'enfant avec saint Jean-Baptiste et Marie-Madeleine", à la création de laquelle Parmigianino s'est inspiré du tableau de Raphaël "Madonna dans le pré". Des doigts trop longs, des proportions perturbées du corps humain et parfois le corps d'un animal, comme dans le tableau "La conversion de Saul", avec une représentation précise et véridique d'autres détails de la composition, créent un sentiment d'irréalité lors de l'examen la peinture - apparemment, cette évasion du monde réel était le motif principal de la vie et de l'œuvre de Parmigianino.

Le tableau "Madone au long cou", la commande pour laquelle Parmigianino a reçu cinq ans avant sa mort, n'a jamais été achevé par l'artiste. Elle est restée dans l'atelier jusqu'au moment de sa mort. On pense que le maître n'était pas pressé de terminer ce travail, signe que tout dans le monde peut être amélioré à l'infini, comme ce tableau.

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