Robes célèbres en peinture, par lesquelles on peut juger de la mode de l'époque

2024 Auteur: Richard Flannagan | [email protected]. Dernière modifié: 2023-12-16 00:05

Depuis des temps immémoriaux, l'art et la mode se sont mutuellement influencés, obligeant les critiques et les fashionistas à suivre de près les nouvelles tendances se remplaçant à la hâte. Et tandis que certains évaluaient le tableau en termes de caractéristiques techniques, d'autres couraient chez les tailleurs afin d'obtenir bientôt une robe exactement comme celle des héroïnes représentées sur les toiles.

1. Renaissance

La Renaissance est une période de renouveau culturel et artistique alors que le classicisme fait un retour révolutionnaire dans les sociétés européennes. Cependant, cette période a également vu des changements importants dans la mode. Découvrez comment les robes célèbres dans les peintures ont influencé la mode à la Renaissance.

"Portrait du couple Arnolfini" de Jan van Eyck est l'un des principaux éléments de l'étude du tissu dans la peinture de portrait. Le vêtement en laine vert émeraude de la femme et ses manches doublées d'hermine témoignent de son statut familial, car seuls les riches pouvaient se permettre ce type de tissu. La laine, la soie, le velours et la fourrure étaient rares et plus chers à produire que le coton ou le lin, et étaient un symbole de statut et de richesse. L'une des questions les plus controversées entourant la peinture est de savoir si la femme représentée (vraisemblablement la femme d'Arnolfini) est enceinte. Les jupes Renaissance étaient si luxuriantes et lourdes que les femmes les soulevaient pour faciliter leurs déplacements.

Les plis sinueux ajoutés de la robe montrent également une tendance à représenter les femmes avec un ventre prononcé, car cela faisait allusion à la conception d'enfants pendant le mariage. Un autre exemple en est Les Très Riches Heures du Duc de Berry des frères Limburg. Dans les deux images, les femmes sont représentées avec des ventres plus arrondis. Le Magnifique Livre d'Heures du Duc de Berry met en scène un mariage, et il est comparable au portrait d'Arnolfini, puisque les deux femmes projettent une image de maternité en prévision de la grossesse. Sans regarder la peinture d'un point de vue moderne, on peut la voir comme un enregistrement de ce que les femmes portaient et de ce qu'il était important que les gens montrent aux autres.

2. Les périodes baroque et rococo

Les périodes baroque et rococo se caractérisent par un décor exquis, une décadence et une espièglerie. Ces tendances se sont manifestées non seulement dans l'art, mais aussi dans la mode à travers des ornements complexes et des robes luxueuses. Jetez un œil à certaines des célèbres robes inspirées de l'art.

L'attention d'un artiste inconnu aux détails et à la tenue vestimentaire est ce qui fait d'Elizabeth Clark Frick (Mme John Frick) et de Little Mary un record important des puritains de la Nouvelle-Angleterre. Dans ce look, Elizabeth porte des tissus et des accessoires américains raffinés des années 1600. Son col en dentelle blanche indique la dentelle européenne populaire chez les femmes aristocratiques. Un jupon en velours brodé d'or est visible sous sa robe, et des rubans ornent les manches. De plus, une femme a des bijoux: un collier de perles, une bague en or et un bracelet en grenat, qui à leur tour parlent de statut et de prospérité. Ce tableau offre une perspective unique sur la vie puritaine d'Elizabeth et de sa famille.

Il convient également de noter que l'artiste a magistralement réussi à mélanger des images de richesse dans un cadre modeste. La peinture met clairement en valeur la richesse d'Elizabeth, mettant en valeur ses plus beaux vêtements et bijoux. Cela reflète également la richesse de son mari, John Frick, qui pouvait se permettre de satisfaire tous les caprices de sa femme en lui achetant divers types de tenues et de bijoux. De plus, l'image symbolise leur attitude puritaine de gratitude envers Dieu, car sans sa bénédiction, ils n'auraient pas pu avoir un tel luxe.

La balançoire de Jean-Honoré Fragonard est un exemple du style rococo dans les cercles aristocratiques français. Le tableau a été commandé en privé lorsqu'un courtisan français a demandé à l'artiste de peindre son propre portrait et celui de sa maîtresse. Malgré le fait que le tableau ait été conservé à huis clos, il révèle le luxe, la frivolité et le caractère secret de la cour royale française.

La robe rose pastel se démarque parmi le jardin luxuriant et est le centre d'attention. Jean a peint la robe avec des coups de pinceau lâches qui imitent les jupes larges et le corsage à volants de sa robe. Son pinceau lâche correspond à l'intrigue de cette scène de jardin idyllique remplie d'images séduisantes et fantaisistes.

Sa peinture met également en valeur les tendances établies dans la cour française de la mode. Le rococo a transcendé la mode, l'art et l'architecture pour créer quelque chose d'uniquement français. La mode rococo comprenait les tissus les plus luxueux, y compris des soies, des velours, de la dentelle et des motifs floraux de couleur pastel, ainsi qu'une quantité excessive d'arcs, de pierres précieuses, de fioritures et d'embellissements ornementaux pour créer un look sur lequel les courtisans et les invités se blottiraient. ont la tête. Le style définissait la différence entre les pauvres et les riches, car l'aristocratie pouvait se permettre le luxe d'étoffes et d'ornements exquis. Pour les femmes portant ces tenues d'inspiration rococo, le tableau est la quintessence de la cour royale française avant la révolution.

3. Robes célèbres dans les peintures du XIXe siècle

Le 19ème siècle a vu un changement artistique du néoclassicisme au début du modernisme, cédant la place aux styles et aux écoles de pensée. Ce siècle a également vu un changement de mode. Lisez la suite pour voir comment les peintures ont influencé l'émergence de robes célèbres et de styles nettement plus modernes qu'auparavant.

Art for Art s'est associé à Symphony in White No. 1 de James Abbott McNeill Whistler, qui avait l'intention de donner à la peinture un sens spirituel. Les critiques, cependant, n'ont pas vu tout cela, puisque le tableau représentait la maîtresse de l'artiste, vêtue d'une robe blanche légère. Du coup, ce portrait est devenu scandaleux. Au cours des années 1800, les vêtements pour femmes comprenaient souvent un jupon à crinoline en acier. Les femmes portaient également des corsets parmi une variété d'autres articles de lingerie afin de pouvoir créer des jupes plus larges.

« La femme en blanc » est tout le contraire de ce qui était à la mode et en vue à cette époque. La robe du personnage principal représenté sur la photo était une sorte de sous-vêtement qu'un mari ou un amant pouvait voir, car on croyait que ces vêtements étaient très faciles à enlever. Pour Whistler, sa muse devait faire partie d'une scène agréable à l'œil. Il a dépeint Hiffernan telle qu'il la voyait, et pour les téléspectateurs de l'époque, l'image était à la fois déroutante et un peu indécente. Cependant, avec l'avènement de 1900, une telle robe est devenue la norme à porter au quotidien.

James Tissot a créé de nombreuses peintures représentant la mode féminine à la fin des années 1800. Il était en avance sur la mode européenne et est bien connu pour peindre ses sujets en tenant compte des dernières tendances de la mode. La mode féminine a commencé à changer chez les jeunes femmes à Paris et à Londres à la fin des années 1800. Les jupes larges et lourdes de leurs prédécesseurs victoriens ont été remplacées par des jupes plus étroites avec des plis gonflés dans le dos.

Dans le tableau "Miss Lloyd", l'héroïne est vêtue d'une robe telle qu'elle était portée dans la société à cette époque, soulignant la taille étroite et la silhouette en sablier. "Portrait de Kathleen Newton" (son compagnon d'alors) est tout le contraire de l'image de Miss Lloyd. L'artiste a dépeint une femme en robe comme si elle rayonnait de langueur et de séduction. Cependant, les deux femmes ont leur propre charme et mystère qui les entourent. La robe elle-même symbolise les différences dans la culture populaire à l'époque. Une image est traditionnelle et conventionnelle, tandis que l'autre est franchement intime et scandaleuse pour les téléspectateurs des années 1800.

John Singer Sargent a créé l'image d'une femme qui, bien qu'inacceptable pour son époque, est devenue l'une de ses peintures les plus reconnaissables et les plus vénérées. Il s'agit d'un portrait de Madame Virginie Gautreau, une beauté américaine mêlée à la haute société française. Cela provoqua un tel scandale que John lui-même dut quitter Paris pour Londres.

Son corset est extrêmement pointu vers le bas-ventre. Un col en V profond et pointu et des bretelles perlées couvrent à peine les épaules et exposent ce qui était considéré comme des parties intimes d'une femme, inappropriées pour une exposition publique. Après que Sargent a présenté le tableau au Salon de Paris de 1884, cela a provoqué l'indignation des critiques et des spectateurs, car il n'est pas approprié pour une femme mariée de la classe supérieure d'être sous une forme aussi provocante. Il semblait au public du Salon que l'héroïne du tableau portait des sous-vêtements et non une robe. Et la réputation de Gautreau aux yeux des gens a commencé à tomber à zéro, car beaucoup la considéraient comme une personne obscène. Finalement, Sargent a retiré son nom du portrait, le renommant "Madame X".

4. Robes célèbres dans les peintures du XXe siècle

L'art du XXe siècle s'est concentré sur l'abstraction et l'expression, subissant des changements importants avec de nouveaux styles et thèmes. Elle a également conduit à l'exploration de nouvelles formes et synthèses de la mode et de l'art. On voit ici les célèbres robes figurant dans les peintures du XXe siècle.

La robe dorée d'Adele Bloch-Bauer se démarque des autres tenues de la haute société de son époque. Plutôt que de représenter une femme de la classe supérieure se relaxant dans un jardin ou lisant sur un canapé, Klimt transforme Adele en une figure d'un autre monde. Sa robe est une silhouette tourbillonnante remplie de triangles, d'yeux, de rectangles et d'iconographie. Il n'y a aucun signe de corsets droits ou de couches de vêtements. Moderne contient des thèmes de la nature et des images mythiques. Cela s'applique également à la mode bohème, que Gustav lui-même portait et utilisait dans diverses autres peintures.

Il a souvent peint des dessins créés par la créatrice de mode Emily Flege. Elle n'est pas aussi connue dans le monde de la mode que ses contemporaines ou prédécesseurs, mais elle a bien réussi à créer de la mode pour les femmes de son temps. Parfois, il s'agissait d'une collaboration, car Gustav utilisait ses célèbres robes dans plusieurs de ses autres peintures.

Tamara Lempicka a créé des portraits qui ont exploré la féminité et l'indépendance dans les années 1920. L'artiste Art déco s'est fait connaître pour ses portraits de célébrités qui ont exploré la forme stylisée et polie du cubisme qui est devenue sa marque de fabrique. Ira Perrault (une amie proche et probablement la maîtresse de Lempicki) est considérée comme une manifestation littérale de la musique dans La Musicienne. Ce qui distingue l'image, c'est sa représentation d'une robe bleue. La technique de projection d'ombre dure de Tamara avec sa riche palette de couleurs donne du mouvement à la robe de sorte qu'elle semble flotter dans l'air. L'ourlet court de la robe et les plis fluides rappellent encore la mode des années 1920 qui a été un tournant dans la mode féminine. Les femmes portaient des robes qui exposaient leurs jambes et leurs bras, et des jupes plissées qui facilitaient la danse.

Tamara a été inspirée et étudiée par les maîtres de la Renaissance et a utilisé des thèmes similaires avec une approche moderne. Traditionnellement, le bleu peut être vu sur les robes de la Vierge Marie dans les peintures médiévales ou de la Renaissance. Le bleu outremer était rare et était utilisé pour des peintures importantes.

Des tissus mexicains colorés et faits à la main sont tissés dans le travail de Frida Kahlo. Elle a adopté ces vêtements dans le cadre de son héritage et les a portés dans de nombreux autoportraits et photographies. Les célèbres robes présentées dans Les Deux Fridas symbolisent ses liens avec les deux côtés de son héritage européen et mexicain.

Frida à gauche reflète son éducation dans une famille de la classe moyenne supérieure. Son père était originaire d'Allemagne et la vie domestique en tant qu'enfant contenait des coutumes occidentales. La dentelle blanche de la robe symbolise le style populaire dans la mode européenne. Cette version occidentalisée contraste avec le désir de la droite Frida d'embrasser son héritage mexicain en portant une robe traditionnelle. Ces vêtements sont quelque chose que son mari Diego Rivera a encouragé, en particulier dans leur lutte pour changer leur pays. La robe montrait sa fierté de porter des vêtements locaux et traditionnels du Mexique.

Les vêtements de Kahlo sont un aspect important de sa vie et de son travail. Après avoir contracté la polio dans son enfance et qu'une jambe est devenue plus courte que l'autre, les jupes colorées sont devenues un moyen pour elle de cacher sa jambe de manière à la protéger des regards. La garde-robe de l'artiste comprenait des robes en tehuana, des chemisiers huipil, du rebozo, des coiffes florales et des bijoux anciens. Ces vêtements pour Kahlo sont une illustration de son amour, de sa douleur et de sa souffrance, qu'elle a inclus dans son travail.

Sur, comment le kimono a changé au cours des siècles et quel rôle il a joué dans l'art et la mode moderne, lisez l'article suivant.