7 femmes surréalistes talentueuses qui pourraient être de dignes rivales de Frida Kahlo

2024 Auteur: Richard Flannagan | [email protected]. Dernière modifié: 2023-12-16 00:05

Le surréalisme n'était pas seulement un mouvement artistique, mais aussi un désir de liberté, englobant tous les aspects de la vie. Comme le disait Meret Oppenheim, les femmes surréalistes vivaient et travaillaient avec un « désir conscient d'être libres ». Comme leurs homologues masculins, les femmes surréalistes étaient également des militantes politiques, des militantes des droits des femmes et des combattantes révolutionnaires. Ils ont vécu des vies extraordinaires en tant qu'individus libres, inventant leur propre beauté et dignité, exprimant une énergie, un attrait et un humour immédiats, et il n'est pas surprenant que certains d'entre eux aient dépassé non seulement les artistes masculins, mais aussi la légendaire Frida Kahlo, dont les peintures ont été utilisées pendant de nombreuses années, immensément populaire dans le monde entier.

Lorsque Violetta Nozières, dix-huit ans, a avoué avoir empoisonné son père le 21 août 1933, la presse française a explosé d'indignation contre elle. Selon l'opinion publique, Violetta était une "fille frivole", montrant des tendances caractéristiques des femmes "émancipées" nouvellement créées, menant une vie dissolue, contrairement à ses pairs qui travaillent dur. Peu importe que les accusations soient vraies, en tout cas, la presse a décidé de faire d'elle un bouc émissaire.

Et pourtant, il y avait encore une voix solitaire de désaccord: les surréalistes ont montré leur soutien à la créativité collective, choisissant Violetta comme leur Ange Noir, une muse qui les inspirerait à lutter continuellement contre la mentalité bourgeoise et ses mythes sur l'ordre public, la logique et raison. Le système qui a conduit à l'inégalité sociale de l'ère post-industrielle et à l'horreur de la Première Guerre mondiale était, selon les surréalistes, irrémédiablement défectueux. Pour le vaincre, il fallait non seulement une révolution politique, mais aussi culturelle.

Ainsi, l'émancipation des femmes était fondamentale pour le renversement du capitalisme et du patriarcat, en commençant par un défi à la perception bourgeoise des femmes comme intrinsèquement bonnes, altruistes, soumises, ignorantes, pieuses et obéissantes.

Poésie. Liberté. Amour. La révolution. Le surréalisme n'est pas une évasion fantasque, mais une prise de conscience élargie. L'absence de limites et de censure a fourni un endroit sûr pour discuter et traiter le traumatisme collectif de la Première Guerre mondiale, et a également fourni un débouché pour les besoins créatifs des femmes.

Bien qu'elles soient accueillies et impliquées activement dans le mouvement, la compréhension surréaliste des femmes est encore très profondément enracinée dans les stéréotypes d'idéalisation. Les femmes étaient soit perçues comme des muses et des objets d'inspiration, soit suscitaient l'admiration comme des figures infantiles douées d'une imagination débordante en raison de leur naïveté et de leur prédisposition à l'hystérie.

C'est à travers le travail des femmes surréalistes que les identités féminines ont véritablement eu la chance de s'épanouir, solidement ancrées dans le monde de l'art, en s'appropriant le mythe de la muse pour exprimer leur plein potentiel de créatrices actives. connus principalement pour leurs relations, souvent sentimentales, avec des artistes masculins. Ce n'est que récemment que leur travail a été analysé de manière indépendante et a reçu l'attention qu'il mérite.

1. Valentin Hugo

Valentina Hugo est née en 1887 et a reçu une formation académique en tant qu'artiste qui a étudié à l'École des Beaux-Arts de Paris. Ayant grandi dans une famille éclairée et progressiste, elle a suivi les traces de son père en devenant illustratrice et dessinatrice. Connue pour son travail avec le ballet russe, elle a développé des liens professionnels forts avec Jean Cocteau. Par l'intermédiaire de Cocteau, Hugo rencontre son futur mari Jean Hugo, arrière-petit-fils de Victor Hugo, et André Breton, le fondateur du mouvement surréaliste, en 1917.

Grâce à cette amitié, elle se rapproche de plus en plus du groupe d'artistes nouvellement formé, qui comprend Max Ernst, Paul Eluard, Pablo Picasso et Salvador Dali. Pendant ce temps, elle rejoint le Bureau of Surrealist Studies et expose son travail dans des salons surréalistes en 1933 et dans l'exposition Fantastic Art, Dada, Surrealism au Museum of Modern Art en 1936.

Suicidaire par ses collègues surréalistes René Crevel et le départ de Tristan Tzara et Éluard, elle quitte à jamais le groupe surréaliste. En 1943, sa parole a été incluse dans l'exposition Peggy Guggenheim de 31 femmes. Sa première exposition rétrospective a lieu à Troyes, en France, en 1977, dix ans après sa mort.

2. Meret Oppenheim

Meret Oppenheim est née à Berlin en 1913 mais a déménagé en Suisse au début de la Première Guerre mondiale. Sa mère et sa grand-mère, qui ont grandi dans une famille aisée, étaient des suffragettes. Grand-mère a été l'une des premières femmes à étudier la peinture. Chez elle à Karon, Meret a rencontré de nombreux intellectuels et artistes, tels que les peintres dadaïstes Hugo Ball et Emmy Hennings, ainsi que l'écrivain Hermann Hesse, qui a épousé sa tante (et a ensuite divorcé).

Son père, médecin, était un ami proche de Carl Jung et assistait souvent à ses conférences: il initia Meret à la psychologie analytique et l'encouragea à tenir un journal de ses rêves dès son plus jeune âge. Grâce à cette connaissance, Meret était peut-être le seul surréaliste qui avait une autorité en psychanalyse. Curieusement, elle était aussi l'une des rares surréalistes à préférer Jung à Freud.

En 1932, elle s'installe à Paris pour poursuivre sa carrière artistique, prenant contact avec le surréalisme à travers le sculpteur suisse Alberto Giacometti. Elle se lie rapidement d'amitié avec le reste du groupe, qui comprend à l'époque Man Ray, Jean Arp, Marcel Duchamp, Dali, Ernst et René Magritte.

Assis dans un café parisien avec Picasso et Dora Maar en 1936, Picasso a remarqué un bracelet doublé de fourrure inhabituel conçu pour la maison d'Elsa Schiaparelli au poignet d'Oppenheim. Dans une version explicite des événements, Picasso a commenté combien de choses qu'il appréciait pourraient être améliorées avec un morceau de fourrure, ce à quoi Oppenheim a répondu: « Même cette tasse et cette soucoupe ?

Le résultat de cette plaisanterie enjouée fut l'objet surréaliste le plus célèbre d'Oppenheim, Déjeuner en Fourrure, qui fut acheté par Alfred Barr pour le tout nouveau Musée d'Art Moderne. Considérée comme « la quintessence d'un objet surréaliste », la coupe fourrée est devenue la première œuvre de l'artiste dans la collection permanente du musée. Alors que son travail a été accueilli avec enthousiasme par ses collègues masculins, elle a toujours du mal à s'imposer comme une artiste par ses propres mérites et à éviter d'être une muse et un objet d'inspiration.

Sa nature indépendante, son émancipation et sa rébellion font d'elle aux yeux de ses collègues masculins une incarnation fétichisée de la femme-enfant. Cette lutte pour l'identité, l'impact de l'antisémitisme sur les pratiques de son père et la diaspora surréaliste pendant la Seconde Guerre mondiale ont forcé Meret à retourner en Suisse. Ici, elle est tombée dans une profonde dépression et a disparu des yeux du public pendant près de vingt ans.

Travaillant activement tout au long des années 1960 et 1970, elle finit par prendre ses distances avec le mouvement, rejetant les références au surréalisme de l'époque de Breton. Sympathique pour le féminisme, cependant, elle n'a jamais trahi sa conviction jungienne qu'il n'y a pas de différence entre les hommes et les femmes, refusant fermement de participer à des expositions « uniquement pour les femmes ».

Sa mission dans la vie était de briser les conventions et les stéréotypes de genre, de transcender complètement la division entre les sexes et de retrouver une liberté d'expression totale., - elle a dit.

3. Valentin Penrose

L'une des artistes surréalistes les plus critiques et les plus irrévérencieuses, Valentina Penrose a consacré une grande partie de sa vie à détruire la perception bourgeoise des femmes comme étant à l'origine des femmes et des filles bonnes, altruistes, adorant leur mari, soumises, ignorantes, pieuses, travailleuses et obéissantes.

L'une des premières femmes à rejoindre le mouvement, Penrose était fascinée par les exemples de femmes peu orthodoxes et menait elle-même une vie non conventionnelle. Née en 1978 sous le nom de Valentina Bouet, elle épouse en 1925 l'historien et poète Roland Penrose, prenant son nom de famille. Elle a déménagé avec son mari en Espagne en 1936 pour rejoindre les milices ouvrières en défense de la révolution. Son intérêt pour le mysticisme et la philosophie orientale la conduisit à plusieurs reprises en Inde, où elle étudia le sanskrit et la philosophie orientale. Valentina s'est particulièrement intéressée au tantrisme, dans lequel elle a découvert une alternative précieuse à l'obsession surréaliste de l'attirance « génitale », influencée par la psychanalyse de Freud.

Elle croyait que la vision surréaliste des femmes comme une « autre moitié » nécessaire n'a finalement pas réussi à libérer les femmes de leurs rôles bourgeois et les a empêchées de trouver une voie indépendante. Son intérêt croissant pour l'occultisme et l'ésotérisme a fini par semer la discorde entre elle et son mari, ce qui a conduit à un divorce en 1935. L'année suivante, elle a de nouveau voyagé en Inde avec son amie et amante Alice Paalen. Mais après la séparation des deux femmes, le lesbianisme est devenu un thème récurrent dans le travail de Penrose, souvent centré sur les personnages Emily et Rubia. Son roman collage de 1951, Feminine Gifts, est considéré comme un livre surréaliste archétypal. Représentant les aventures de deux amants voyageant à travers des mondes fantastiques, le livre est un recueil fragmenté de poésie bilingue et de collages juxtaposés, organisés sans succession et avec un niveau de complexité accru.

Défiant toujours le stéréotype de la femme idéale, elle publie en 1962 son œuvre la plus célèbre, la biographie romantique de la tueuse en série Erzbieta Bathory, La Comtesse sanglante. Le roman, qui suit un monstre gothique lesbien, a nécessité des années de recherches en France, en Grande-Bretagne, en Hongrie et en Autriche. Toujours fermée à son ex-mari, elle a passé les dernières années de sa vie dans sa ferme avec sa seconde épouse, le photographe américain Lee. Miller, aussi connue comme Lady Penrose.

4. Claude Caon

Claude Caon a créé de nombreux personnages différents pour éviter la discrimination et les préjugés, à commencer par le choix d'un pseudonyme, un nom neutre qu'elle a porté pendant la majeure partie de sa vie. Kaon est un exemple symbolique d'un artiste qui, tout en restant presque inconnu à son époque, a gagné en popularité et en reconnaissance ces dernières années, étant l'une des plus célèbres parmi les femmes surréalistes. Souvent considérée comme le précurseur de l'art féministe postmoderne, son art du genre et la définition élargie de la féminité qu'elle a proposée sont devenus des précédents fondamentaux dans le discours postmoderne et le féminisme de la deuxième vague.

Caon entre en contact avec les surréalistes par le biais de l'association Écrivains et artistes révolutionnaires, où elle rencontre Breton en 1931. Dans les années suivantes, elle expose régulièrement avec le groupe: sa célèbre photographie de Sheila Legg debout à Trafalgar Square paraît dans de nombreux magazines et publications. Malgré la position révolutionnaire, les communistes considèrent l'homosexualité comme un luxe que seule l'élite dissolue peut s'offrir.

Claude vivait avec sa demi-sœur et partenaire de toujours, Suzanne Malherbe, qui a également adopté le pseudonyme masculin de Marcel Moore. L'inégalité des salaires a délibérément privé les femmes de la possibilité d'être autosuffisantes, elles ont donc dû compter sur le soutien économique du père Kaon pour survivre. Sans public externe, l'art de Kaon a été principalement créé dans un environnement familial, offrant un regard non filtré sur leur expérimentation artistique. À l'aide de masques et de miroirs, Claude a contemplé la nature de l'identité et sa pluralité, créant un précédent pour les artistes postmodernes comme Cindy Sherman.

Avec ses photographies, Claude a rejeté et transcendé les mythes modernistes (et surréalistes) sur la féminité essentielle et la femme idéale, mettant en avant l'idée postmoderne que le genre et l'attractivité sont en fait construits et exécutés, et que la réalité n'est pas simplement apprise par l'expérience, mais définie par le discours. Lors de l'invasion allemande, Claude et Marseille sont arrêtés pour leurs efforts antifascistes et condamnés à mort. Bien qu'ils aient vécu jusqu'au jour de la libération, la santé de Claude ne s'est jamais complètement rétablie et elle est finalement décédée à l'âge de soixante ans en 1954. Marcel lui a survécu pendant plusieurs années, après quoi, en 1972, elle s'est suicidée.

5. Maria Cherminova (Toyen)

Née Maria Cherminova, mieux connue sous le nom de Toyen, faisait partie du surréalisme tchèque, travaillant aux côtés du poète surréaliste Jindřich Štyrski. Comme Kaon, Toyen a également adopté un pseudonyme neutre. Personnage ambigu, Toyen a complètement défié les conventions de genre, portant à la fois des vêtements masculins et féminins et adoptant des pronoms des deux sexes. Bien qu'elle soit sceptique à l'égard du surréalisme français, son travail coïncide en grande partie avec le mouvement breton et, dans les années 1930, l'artiste est devenue un membre à part entière du surréalisme. Toujours transgressive, l'intérêt de Toyen pour l'humour noir et l'érotisme l'a cimentée dans la tradition surréaliste de l'art hypersexuel et irrévérencieux, influencé par les œuvres du marquis de Sade.

En 1909, Apollinaire trouva l'un des rares manuscrits de Sade à la Bibliothèque nationale de Paris. Profondément impressionné, il le décrit comme « l'esprit le plus libre qui ait jamais vécu » dans son essai L'œuvre du marquis de Sade, contribuant à une résurgence de la popularité de de Sade parmi les peintres surréalistes. De Sade, au nom duquel le sadisme et le sadisme sont originaires, a passé la majeure partie de sa vie en prison ou dans des hôpitaux psychiatriques pour ses écrits combinant discours philosophique, pornographie, blasphème et fantasmes érotiques de violence. Malgré une censure sévère, ses livres ont influencé les cercles intellectuels européens au cours des trois derniers siècles.

Comme les bohèmes avant eux, les surréalistes étaient intrigués par ses histoires, s'identifiant à la personnalité révolutionnaire et provocatrice de de Sade et admirant ses attaques contradictoires contre le goût et la raideur bourgeois. Mêlant violence et attirance, l'attitude sadique devient un moyen de libérer des pulsions innées cachées dans l'inconscient: - lire le Premier Manifeste du Surréalisme. Toyen a rendu hommage à l'écrivain libertin avec une série d'illustrations érotiques pour la traduction tchèque de Justine de Shtyrsky.

L'aspect politique jamais présent de l'art de Toyen s'est cependant accentué à mesure que la situation politique en Europe se détériorait: la série Tyr révèle le caractère destructeur de la guerre à travers l'iconographie des jeux pour enfants. Installée à Paris en 1948 après la prise de pouvoir communiste en Tchécoslovaquie, Toyen est restée active jusqu'à sa mort en 1980, continuant à travailler avec le poète et anarchiste Benjamin Pere et l'artiste tchèque Jindrich Heisler.

6. Itel Kohun

Séparés pendant la Seconde Guerre mondiale, les surréalistes de la deuxième génération ont eu tendance à s'éloigner du courant dominant, développant leurs propres directions de recherche. Les artistes féminines ont repris l'idée surréaliste de la femme mythique et l'ont transformée en une image puissante d'une sorcière et d'un être qui contrôle ses pouvoirs transformateurs et générateurs. Femme-enfant, qui a inspiré la première génération de femmes surréalistes, est désormais une femme-sorcière, maîtresse de son propre pouvoir créateur.

Alors que les artistes masculins semblaient avoir besoin d'un médium externe, souvent un corps féminin, comme médium pour leur subconscient, les artistes féminines n'avaient pas de telles barrières, utilisant leur propre corps comme base de leur quête. I-altérité, l'alter ego à travers lequel les femmes artistes ont exploré leur moi intérieur, n'était pas le sexe opposé, mais la nature elle-même, souvent représentée à travers des animaux et des créatures fantastiques.

Pour leur génération, survivant à deux guerres mondiales, à une dépression économique et à une révolution ratée, la magie et le primitivisme étaient libérateurs. Pour les artistes, la magie était un moyen de changement, unissant et arrêtant le développement de l'art et de la science, une alternative indispensable à la religion et au positivisme qui ont conduit aux atrocités de la guerre. Enfin, pour les femmes, l'occultisme est devenu un moyen de renverser les idéologies patriarcales et d'autonomiser la femme.

Il n'est pas surprenant qu'Itel Kohun se soit intéressé à l'occultisme à l'âge de dix-sept ans après avoir lu Crowley's Abbey of Thelema. Formée à la Slade School of Art, elle s'installe à Paris en 1931. Cependant, c'est en Grande-Bretagne que sa carrière décolle réellement: après avoir organisé de nombreuses expositions personnelles, elle devient à la fin des années 1930 l'une des figures marquantes du surréalisme britannique. Son affiliation avec le mouvement fut de courte durée et elle le quitta au bout d'un an, lorsqu'elle fut forcée de choisir entre le surréalisme et l'occultisme.

Alors qu'elle continue à se définir comme une artiste surréaliste, rompre les liens formels avec le mouvement lui permet de développer une esthétique et une poésie plus personnelles. À sa manière, elle a utilisé de nombreuses techniques surréalistes telles que le frottage, la décalomanie, le collage, et a également développé ses propres jeux inspirants tels que le parsemage et la graphomanie entoptique. Dirigeant la force obscure, Itel a reconnu chez les femmes le potentiel de création, de salut et de résurrection, qui les a reliées à la nature et à l'espace.

Son travail, établissant des parallèles entre la conservation de la nature et l'émancipation des femmes, a créé un précédent puissant pour le développement ultérieur de l'écoféminisme. La recherche de la déesse perdue était une réunion des femmes avec la Nature et la redécouverte de leur propre pouvoir, un voyage menant au retour du savoir et du pouvoir.

7. Léonora Carrington

L'une des femmes surréalistes les plus anciennes et les plus prolifiques, Leonora Carrington était une artiste britannique qui a fui au Mexique pendant la diaspora surréaliste. Elle est née en 1917 d'un riche fabricant de textile britannique et d'une mère irlandaise. En raison de son comportement rebelle, elle a été expulsée d'au moins deux écoles. Plus jeune de plus de vingt ans que la plupart des surréalistes, Carrington entre en contact avec le mouvement exclusivement par le biais d'expositions et de publications.

En 1937, elle rencontre Max Ernst lors d'une soirée à Londres. Ils se sont immédiatement rapprochés et ont déménagé ensemble dans le sud de la France, où il s'est rapidement séparé de sa femme. A cette époque, l'une de ses œuvres les plus célèbres, "Autoportrait", a été écrite. Avec le déclenchement de la Seconde Guerre mondiale, Ernst a été interné en tant qu'« étranger indésirable », mais a été libéré grâce à l'intercession d'Eluard. Fraîchement arrêté par la Gestapo, il s'évade de justesse d'un camp d'internement, le poussant à se réfugier aux États-Unis, où il émigre avec l'aide de Peggy Guggenheim et Varian Fry.

Ne sachant rien du sort d'Ernst, Leonora vendit sa maison et s'enfuit en Espagne neutre. Dévastée, elle a fait une dépression nerveuse à l'ambassade britannique à Madrid. Hospitalisée, elle a été traitée avec une thérapie de choc et des médicaments lourds qui l'ont fait halluciner et s'évanouir. Après un traitement, la femme s'est enfuie à Lisbonne, puis au Mexique. Là, elle épousa l'ambassadeur mexicain Renato Deluc et vécut avec lui jusqu'à sa mort en 2011. Sa quête de la spiritualité féminine était basée sur l'essai de Groves de 1948, La déesse blanche, qui a suscité un regain d'intérêt pour la mythologie païenne. pour les femmes surréalistes, c'était le mythe des origines matriarcales de l'humanité. Inspirées par cette nouvelle mythologie, les femmes surréalistes de la Seconde Vague ont imaginé des sociétés égalitaires fantastiques où les humains et la nature vivaient en harmonie: une vision du futur créée par les femmes.

L'art est tellement multiforme qu'il est parfois difficile de décider ce que l'on aime et d'attirer l'attention. La peinture numérique n'a pas fait exception., qui, étonnamment, soulève de nombreuses questions, provoquant des sensations et des impressions doubles. De plus, très peu de gens savent comment cette œuvre est devenue une partie du grand art, pour laquelle aujourd'hui de nombreux fans de cette tendance sont prêts à débourser une jolie somme.