Les performances les plus extravagantes : Jouer d'un instrument brûlant, dialoguer avec un lièvre et autres

2024 Auteur: Richard Flannagan | [email protected]. Dernière modifié: 2023-12-16 00:05

Il est possible que des performances non extravagantes n'existent pas, car l'idée même de ce type d'art est de violer le cadre - l'espace pictural de l'image, la frontière personnelle d'une personne et, en fin de compte, trouver le limite de la rationalité. Très probablement, pour les spectateurs qui ne sont pas familiers avec l'art d'avant-garde et conceptuel, beaucoup de ces performances sembleront trop exotiques, mais on ne peut pas être éloigné de ces performances, elles attirent toujours l'attention et les font sympathiser, ce qui, en fin de compte, est le but de toute créativité.

Concert "avec un scintillement"

En juillet 2019, une performance extraordinaire a eu lieu sur les rives du golfe de Finlande: un musicien aveugle a interprété une œuvre de Max Richter sur un piano en feu. Danila Bolshakov dirige l'orchestre des musiciens aveugles depuis plusieurs années, et la vidéo enregistrée lors d'un concert aussi inhabituel était censée être la première vidéo de sa nouvelle chaîne YouTube. Le musicien lui-même a expliqué le sens de la performance comme suit:. Lorsqu'on lui a demandé comment s'était déroulée la performance, il a répondu brièvement:

Malgré toute l'excentricité, cette idée est loin des performances devenues des classiques de l'art d'avant-garde aujourd'hui. Les performances des luminaires semblent beaucoup plus sophistiquées.

Prendre soin de la nature

L'artiste allemand Joseph Beuys, l'un des principaux théoriciens du postmodernisme, a choqué le public au milieu du XXe siècle par la symbolique complexe de ses œuvres. Le thème principal de son travail était la relation entre l'homme de l'ère technogénique et la nature mourante. Par exemple, lors d'une représentation dans une galerie d'art en 1965, l'artiste s'est couvert la tête de miel et de feuille d'or et a expliqué à un lièvre mort la signification de certaines peintures modernes.

Et en 1974, Boyce s'est envolé pour New York pour réaliser la plus célèbre de ses « actions » (bien que le mot « folie » soit plus utile que jamais ici). Pendant trois jours, le maître postmoderne a vécu en isolement complet dans la même pièce qu'un coyote sauvage, enveloppé dans une couverture de feutre. L'animal a montré un intérêt modéré pour lui, surtout lorsque l'artiste a essayé de lui montrer quelques figures symboliques (par exemple, un triangle). À la fin du temps imparti, Boyce a serré le coyote dans ses bras et s'est envolé pour rentrer chez lui. Pendant tout le trajet entre l'aéroport et la chambre, il l'a fait sur une civière et dans une voiture ambulance pour que son pied ne touche pas le sol américain: - l'artiste a alors expliqué cette originalité. Cette action est la plus marquante de son œuvre et s'intitule "J'aime l'Amérique et l'Amérique m'aime".

Couper l'excès de la petite amie de John Lennon

Contrairement à l'art statique, la performance est une petite performance, souvent interactive. Elle implique un certain processus dont les résultats sont difficiles à programmer immédiatement. Ainsi, Yoko Ono a exploré les profondeurs du subconscient humain, créant en même temps les canons de l'art conceptuel. Comment exprimer une pensée sans la mettre en forme physique ? Si vous êtes très en colère contre l'humanité, vous pouvez, par exemple, donner la liberté à une personne, montrant ainsi ses limites. Dans sa célèbre performance "Cut a Piece", l'artiste est montée sur scène dans sa plus belle robe et a invité le public à s'approcher d'elle un par un pour lui couper un morceau de ses vêtements. Yoko a réalisé une telle action à plusieurs reprises - dans les années 1960, dans différents pays, cela a provoqué une réaction ambiguë des téléspectateurs, de bienveillante à agressive. En 2003, Yoko Ono a répété cette performance à Paris comme un appel à la paix, commémorant les événements du 11 septembre 2001. Dans une interview, l'artiste âgée a expliqué sa performance comme suit:

Le lourd fardeau de l'art

Un thème similaire a été développé dans son travail par une femme qui, pour ses nombreuses années de fidélité à ses principes artistiques, était appelée la « grand-mère de la performance ». L'artiste serbe Marina Abramovic a presque toujours fait participer des observateurs à l'action, se concentrant sur "la confrontation de la douleur, du sang et des limites physiques du corps". Par exemple, en 2010, Marina a réalisé une performance de 3 mois. Pendant 7 à 10 heures par jour, une femme s'est assise absolument immobile à une table dans une immense salle et a permis à tous ceux qui voulaient s'asseoir en face et la regarder. Une "exposition" aussi inhabituelle a attiré des foules de gens au Museum of Modern Art de Manhattan. Parmi les participants qui "jouaient aux lunettes" figuraient des célébrités: Matthew Barney, Bjork et Lady Gaga.

Cependant, l'action la plus célèbre de Marina était "Rythm 0". En 1974, Abramovich a placé 72 objets sur la table que les gens pouvaient utiliser de n'importe quelle manière et leur a fourni son corps passif pour toute action. Cela s'est avéré être le test le plus difficile pour l'artiste d'avant-garde:

Découvrez comment l'artiste serbe continue de choquer le public dans la revue: La vie et la mort de Marina Abramovich - une nouvelle représentation dans l'ancien théâtre.