5 chefs-d'œuvre exceptionnels à ne pas manquer au Louvre

2024 Auteur: Richard Flannagan | [email protected]. Dernière modifié: 2023-12-16 00:05

Longtemps, le Louvre fut loin de servir de musée, mais fut une respectable résidence royale, qui n'acquit qu'en 1793 l'importance et la vue que l'on a l'habitude de voir aujourd'hui. Le musée a été créé afin d'exposer tous les chefs-d'œuvre inscrits sur la liste des objets d'art de l'époque de la Révolution française. Au moment de son ouverture, le musée exposait environ cinq cents pièces. Aujourd'hui, sa collection s'est considérablement enrichie et il n'est pas du tout surprenant que le Louvre soit considéré comme le plus grand musée du monde. Examinons donc de plus près quelques-unes des œuvres les plus marquantes qui ont l'honneur d'être exposées dans ce lieu mythique.

1. Les femmes sabines

L'auteur de cette image était l'artiste français Jacques-Louis David, qui travaillait dans le genre néoclassique et était considéré comme le plus grand créateur de son style. Cette œuvre a été créée en 1799, et a révélé l'un des thèmes les plus populaires de l'époque. L'artiste a décidé de transmettre sur sa toile l'un des mythes les plus populaires de Rome. Donc, nous parlons des femmes Sabines et de la tragédie qui leur est arrivée. Selon le mythe, après la fondation de la grande et antique Rome, ses habitants masculins sont allés à la recherche de femmes dont ils avaient l'intention de faire leurs épouses, créant ainsi de telles familles convoitées. Cependant, ils ne sont pas parvenus à un accord avec les Sabins - résidents des colonies voisines. Cela les a incités à kidnapper bientôt de jeunes et belles filles, ce qui, en fait, est représenté sur la photo. Une scène similaire a souvent été décrite par les artistes autour du XVe siècle. Sur la même toile, Jacques-Louis montre comment une Sabine intervient au cours de la bataille pour réconcilier les deux belligérants. Une dame nommée Gersilia, qui était l'épouse de Romulus et la fille de Titus Tatius, se retrouve au centre de la toile avec ses propres enfants entre père et mari. Le thème de ce tableau était très important pour l'époque, car un tel acte des Sabines montrait que l'amour est bien plus important que les conflits, devenus monnaie courante pendant la Révolution française.

2. Un esclave mourant

Au Louvre, en plus des peintures, on trouve aussi des sculptures. Et les représentants les plus célèbres de cette forme d'art sont les créations de Michel-Ange. Ainsi, le musée présente deux de ses œuvres sur le thème de l'esclavage, à savoir - "Mourir" et "Esclave rebelle". Ces œuvres ont été réalisées vers 1513 afin de décorer le futur tombeau du pape Jules II. Cependant, pendant sa faiblesse et sa maladie prolongées, qui ont rattrapé l'auteur en 1544-1546, il était dans la maison d'un des Florentins, à savoir, Roberto Strozzi. Il n'est donc pas du tout surprenant que ces deux statues lui aient été transférées, en signe de gratitude pour l'aide et les soins prodigués. Après que Roberto ait été expulsé d'Italie, il a déménagé avec sa famille en France, où ces deux chefs-d'œuvre ont émigré avec lui. En 1793, ils font partie de la Collection nationale française, qui regroupe les plus belles œuvres d'art du monde entier. Les historiens modernes et les historiens de l'art pensent que la sculpture d'un esclave mourant symbolise le moment de la mort, à savoir le moment même où le corps perd sa force et il ne reste qu'une coquille sans vie. Cependant, il existe d'autres opinions qui se contredisent.

3. Grande Odalisque

Jean-Auguste-Dominique Ingres est un éminent créateur du XIXe siècle devenu célèbre dans le genre du portrait. Le terme français "odalisque" a une histoire d'origine assez compliquée. On pense qu'il est dérivé du mot turc "odalık", qui signifiait une femme de ménage ou une femme de chambre. Dans l'interprétation moderne, le terme est utilisé pour désigner respectivement un esclave et une prêtresse de l'amour. Ce tableau a été commandé pour elle-même par nul autre que la sœur de Napoléon lui-même - Caroline Bonaparte-Murat, qui a régné à Naples. Apparemment, l'artiste s'est inspiré du célèbre Titien et de sa création "Vénus d'Urbino". Cependant, contrairement à ce chef-d'œuvre, le tableau de Jean-Auguste, selon les recherches, comporte un certain nombre d'erreurs. Par exemple, il manque de précision anatomique et ses proportions sont loin des vraies proportions humaines. Ainsi, une odalisque a une colonne vertébrale incurvée et une ligne pelvienne, et l'un de ses bras est sensiblement plus court que l'autre. C'est à cause du manque de précision de l'anatomie que la peinture a fait l'objet de critiques insensées. Cependant, aujourd'hui, il est loué uniquement pour cela, estimant que de telles "inexactitudes" ont leur propre signification symbolique et cachée. Par exemple, de nombreux historiens de l'art pensent que de telles formes de l'os pelvien, qui étaient beaucoup plus longues que les vraies, notent que les odalisques existaient principalement pour satisfaire les besoins sexuels des sultans.

4. Mort de Sardanapale

L'auteur de ce tableau est Eugène Delacroix, dont le nom était très significatif au plus fort du XIXe siècle. Il a travaillé dans le genre romantique et a également été considéré comme l'un des auteurs les plus éminents de son époque. Si vous croyez l'écrivain grec Ctésias, alors Sardanapale est une personne réelle qui était considérée comme la dernière personne au pouvoir en Assyrie. Cependant, les historiens modernes soutiennent que ce n'est que de la fiction et que Sardanapale n'a jamais été sur le trône assyrien. Cependant, cela n'a pas empêché Eugène de dépeindre de manière romantique le moment de sa mort, lorsque le roi, incroyablement sûr de lui et dominateur, finit par mourir au cours d'une orgie. Ce tableau est le plus célèbre des ensembles sur un thème similaire, et il dépeint Sardanapale comme un observateur extérieur qui contemple calmement comment ses biens sont lentement détruits et transformés en poussière. La toile met aussi en scène des femmes, quelqu'un nu, et quelqu'un au contraire, en vêtements, qui résiste aux hommes. Entre autres choses, l'image était connue pour son style d'écriture - des couleurs vives et des traits larges, et présentait également une sorte de défi au néoclassicisme de l'époque.

5. Victoire ailée de Samothrace

Cette statue hellénistique est en fait la marque de fabrique du Louvre, et est également considérée à bien des égards comme la sculpture la plus célèbre du monde entier. Malheureusement, les informations sur son auteur ne sont pas parvenues à ce jour, mais on sait qu'elle représente la déesse de la victoire - Nika. Samothrace est une île située au nord de la mer Égée. Cette sculpture était auparavant située dans le Sanctuaire des Grands Dieux sur cette île, étant incluse dans tout un complexe de statues de temple. L'œuvre elle-même est présentée sous la forme d'une femme en habits volants, qui descend du ciel vers une foule triomphante. Hélas, beaucoup de ses détails, y compris la tête et les bras, ont été perdus dans le temps. Les scientifiques pensent que la main droite de la déesse a été portée à sa bouche, symbolisant ainsi un cri de victoire. On ne sait pas non plus à quel événement la création de ce chef-d'œuvre a été programmée. Les érudits sont tiraillés entre la bataille de Salamine (306 av. J.-C.) et la bataille d'Actium (31 av. J.-C.). A noter également que le critique d'art H. Janson a qualifié cette sculpture de chef-d'œuvre exceptionnel de l'hellénisme.

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