Pourquoi croit-on qu'un bon artiste doit être pauvre et malheureux

2024 Auteur: Richard Flannagan | [email protected]. Dernière modifié: 2023-12-16 00:05

Les artistes contemporains ont réussi à démystifier le mythe selon lequel ils doivent certainement avoir l'air excentrique, portant un vieux béret sur leurs cheveux longs et un gilet. La plupart des créateurs sont élégants et même impressionnants. Mais ils n'ont pas réussi à faire face à tous les stéréotypes. Par exemple, il existe encore une croyance selon laquelle un artiste talentueux devrait être pauvre. Et certainement souffrir. Qu'il s'agisse d'un amour malheureux, de mauvaises habitudes ou simplement des circonstances de la vie, la pauvreté ne devrait pas être le seul vice. D'où vient-elle et les artistes et autres créateurs sont-ils vraiment pauvres et malheureux ?

Si l'on se tourne immédiatement vers les faits, alors l'UNESCO, par exemple, a déterminé le délai entre la peinture d'un tableau et sa reconnaissance mondiale (bien sûr, en général, à condition qu'il soit reconnu) à 50 ans. Un temps énorme, si nous le considérons dans le contexte de la vie humaine, et non de l'histoire du monde. N'est-ce pas pour cela que la plupart des artistes, sans être reconnus de leur vivant, sont morts dans la pauvreté ? Cela signifie que ce stéréotype n'est rien de plus qu'une observation de la vie, une sagesse populaire.

De plus, ce principe convient non seulement aux artistes et à leurs créations, mais à tout créateur et innovateur. Que ce soit une personne créative, un mathématicien ou un programmeur. La société et l'économie de marché n'acceptent pas immédiatement quelque chose de conceptuellement nouveau. Bien sûr, si nous parlons d'artistes, alors si ce créateur décore ce qui est vendu maintenant, alors il peut gagner de l'argent, mais cela vaut la peine d'annoncer l'innovation, alors tout le monde se pincera les lèvres avec scepticisme. Par conséquent, il y a une grande différence selon qu'un artiste travaille pour les âges ou pour le marché. Cependant, il existe des exemples qui prouvent que l'un n'interfère pas avec l'autre.

Mais il n'en reste pas moins que les créations ingénieuses sont faites d'après le travail ordinaire, et celui-ci ne se distingue nullement par la sublimité. Cependant, tous les créateurs ne sont pas si sages, en règle générale, possédant une nature complexe et impulsive, ils n'ont pas accepté de tels compromis, qui les ont voués à une pauvre existence.

Les pauvres et les amoureux du dollar

Salvador Dali s'est qualifié de "Dollar Lover", décrivant ainsi ses propres ambitions. Il a fait de son nom une marque de son vivant et l'a utilisé activement. Bien sûr, sans son talent, l'attention n'aurait pas été attirée sur lui, mais il faudrait rendre hommage au niveau de battage médiatique dont il s'est entouré, ferait l'envie des célébrités modernes. Quelle est son histoire avec sa femme Gala. Après tout, le reste des hommes trouverait honteux de divulguer de tels détails sur leur vie de famille, mais Dali a volontiers dit à tout le monde, y compris dans une interview, que sa femme vit avec des amants dans un château voisin et que lui-même ne vient que vers elle. sur convocation.

Et cette histoire qui s'est généralisée ? Dites, Dali, en payant pour le dîner dans un restaurant, a fait un petit dessin au verso. Un chèque restaurant coûtait plus cher que le déjeuner lui-même, il n'a donc jamais été encaissé. Pour l'artiste, cela ne valait rien.

Malgré le fait qu'il n'a jamais travaillé pour de bas salaires, il a toujours reçu un grand nombre de commandes. Cela a souvent conduit au fait qu'il a réduit son propre marché, réduisant le coût du travail individuel. Cependant, au lieu de prendre du temps, il a commencé à travailler encore plus dur, inondant littéralement le marché de peintures, de croquis, d'illustrations, de projets de meubles.

Alors que d'autres célébrités n'avaient même pas pensé à tourner dans la publicité, Dali avait déjà recommandé d'acheter une certaine marque de chocolat sur les écrans. Ensuite, il y a eu une publicité pour une marque de voiture, une compagnie aérienne et même un chewing-gum. Cependant, un véritable scandale à la douane a révélé l'attitude de Dali envers l'argent - il l'aimait beaucoup.

Un revenu tangible lui a été apporté par le graphisme, dont il a confirmé l'authenticité par sa propre signature. Mais, il s'est avéré qu'il n'allait pas dessiner chacun séparément. Ils étaient imprimés sur une plaque métallique, et des feuilles vierges signées au mètre étaient préparées à l'avance. Ce sont eux à hauteur de 40 mille exemplaires qui ont été retrouvés à la douane. Les feuilles étaient bon marché, mais Dali les a signées très rapidement. En moyenne, il pouvait signer jusqu'à 70 000 dollars de l'heure.

Au début du XXe siècle, la communauté des artistes était tacitement divisée entre ceux qui travaillaient (ou du moins cherchaient) à travailler aussi productif financièrement que Salvador Dali, et ceux qui honoraient exclusivement des génies mendiants non reconnus comme Vincent van Gogh. De son vivant, pour une somme plus ou moins convenable de 400 francs, il vendit son unique ouvrage "Vignobles rouges". Toutes les autres œuvres ont été évaluées après sa mort. Non seulement il ne parvenait pas à gagner, il ne pouvait même pas se procurer une existence décente.

Sa famille l'a toujours condamné, la société ne comprenait pas et n'acceptait pas, et la seule chose qui le réconfortait était la peinture. Il a travaillé très dur, bien que cela ne puisse pas être appelé travail, car il n'a jamais reçu de paiement pour les peintures. Est-il possible d'accepter en paiement la gloire posthume et l'éternité dans la mémoire des descendants ?

Van Gogh a écrit que s'il avait pu gagner au moins mille francs par an, il aurait commencé à peindre à plein régime et avec encore plus de plaisir, mais cela ne s'est pas produit et le brillant artiste est parti avec du ressentiment et un talent méconnu.

Une image idéalisée d'un artiste affamé

Pour être franc jusqu'au bout, les artistes eux-mêmes n'ont pas été les seuls à idéaliser l'image du génie méconnu. Franz Kafka dans son histoire "La faim" décrit un homme qui avait une attitude très particulière envers l'art (cependant, comme Kafka lui-même) et toute l'essence de son expression personnelle était dans une grève de la faim. Maintenant, cela s'appellerait une performance, mais apparemment à cette époque, ils n'étaient pas vraiment perçus, car les gens regardaient, regardaient l'artiste mourir de faim, puis portaient son corps avec un tas de paille.

Kafka démontre assez ironiquement son attitude à l'égard de l'union « artiste-argent », estimant qu'un vrai génie et créateur doit souffrir, « mourir de faim » pour sa vision de l'art. Et s'il gagne bien, est bien nourri, est prospère et est en harmonie avec le gouvernement actuel, alors il est un serviteur des capitalistes. Le vrai génie est toujours inconnu de son vivant et, de préférence, mendiant.

Knut Hamsun dans son roman "Hunger" a également contribué à créer la même image, décrivant l'écrivain avec des hallucinations de la faim. Hemingway croyait également qu'un écrivain devait avoir faim pour mieux penser à l'éternel, afin d'être un cran au-dessus de ses lecteurs dînés. Cependant, l'écrivain lui-même se détendait glorieusement dans les stations balnéaires et vivait heureux pour toujours, ne recherchant pas du tout un style de vie ascétique.

Peut-être que la pauvreté délie dans une certaine mesure les mains des créateurs de tableaux et pas seulement. Un artiste, méconnu de tous, créera à la manière qui lui est proche, sans chercher à impressionner les critiques, sans tenir compte des souhaits des futurs acheteurs et bien plus encore. Il a la possibilité d'expérimenter sans revenir sur l'avis de ses collègues, il n'a pas peur que le public n'approuve (elle n'approuve plus), il se lance dans la compréhension de sujets profonds et de valeurs éternelles. N'est-ce pas la condition préalable à la création d'un chef-d'œuvre ?

D'autres perçoivent la pauvreté comme une liberté, car si un artiste se donne tout entier à la peinture, sans se soucier du travail banal et routinier sur le marché, alors il a beaucoup plus de temps pour les expérimentations et la peinture elle-même. Pablo Picasso disait que « l'inspiration existe et vient pendant le travail ». C'est-à-dire que vous ne devriez pas vous allonger sur le canapé en attendant l'arrivée de la muse, qui conduira par la main à la toile et vous permettra de dessiner un chef-d'œuvre valant des millions.

Le musicien de rock Nick Cave a dit que l'inspiration n'existe pas du tout. Appelant travail de créativité, il n'a nullement diminué le rôle du talent. Mais le talent seul ne suffit pas, il faut de la persévérance et du travail. Beaucoup de travail. Ce n'est qu'alors que des choses brillantes se produisent. Par conséquent, la recommandation « pour créer l'éternité après le travail » est plutôt une formulation théorique, pratiquement irréalisable dans la réalité.

Souffrance et peur pour l'artiste

La seule chose que tout le monde, sans exception, attend de toute œuvre d'art - des émotions. Joie, délice, horreur, dégoût, peur - ce n'est pas important, l'essentiel est que l'énergie émane de l'image, sinon, pourquoi tout cela? Un artiste qui a dormi, a pris un petit déjeuner copieux et savoureux, dont la maison est pleine, sa femme bien-aimée est occupée à dîner et des enfants (nécessairement en bonne santé et hétérosexuels) peuvent remplir la maison (certainement lumineuse et spacieuse, construite pour leurs propres frais) avec leurs voix et leurs rires, créent soudainement un chef-d'œuvre qui bouleverserait l'âme des autres ? Douteux.

De nombreux artistes accumulent délibérément des émotions négatives: peur, colère, ressentiment, ils contribuent à donner à leur travail le niveau d'énergie et de netteté nécessaire. Cependant, ces problèmes n'avaient rien à voir avec leur talent, mais provenaient plutôt de leur statut social et de leur mode de vie. Le même van Gogh souffrait de troubles mentaux depuis son enfance et la souffrance faisait partie de sa vie.

Souvent, les génies ont des troubles mentaux. Ces derniers, bien qu'en fait ils détruisent la personnalité, dans les meilleures périodes, peuvent devenir la cause et la base de la création de chefs-d'œuvre ou de découvertes scientifiques. Mais est-ce un paiement suffisant pour des années de souffrance, de tourments, d'anxiété et de dépression ? Schizophrénie, troubles bipolaires, anxiété, dépression - tout cela peut et pousse une personne vers l'expression à travers l'art, mais rend la vie, à la fois de la personne elle-même et de ses proches, tout simplement insupportable. Souvent, la vie des génies se terminait par un suicide - une autre preuve que la souffrance était insupportable.

Artel d'art russe

En 1963, pas moins de 14 artistes ont quitté l'Académie des Arts de Russie. Et en plus, avec un scandale. Ils n'ont pas eu la possibilité de choisir les sujets des tableaux qui devaient être soumis au concours. Tant d'artistes, qui se sont connus et se sont soudainement libérés de leur occupation principale, ont décidé de fonder leur propre communauté. Ils se sont unis dans un artel et ont essayé de gagner de l'argent avec ce qu'ils savaient faire - en peignant des tableaux, y compris sur commande.

Ils ont même fait une sorte d'annonce dans les journaux avec une indication de la liste des services qu'ils fournissent et de leur coût. L'éventail des prestations était très diversifié, artistes et iconostases, portraits et tableaux peints. Et tout cela avec des peintures à l'huile, des aquarelles et des pastels. Des services de tutorat étaient également offerts.

La vie dans un artel coûtait à l'artiste environ 25 roubles par mois, et la recherche collective de commandes était une très bonne idée et rapportait un bon profit. Par exemple, le prix des portraits a commencé à partir de 75 roubles et plus. Pour la plupart, le prix dépendait de l'expérience et du talent de l'artiste, de son nom et non de la taille de la toile.

De nombreux artistes, dont les toiles font partie des chefs-d'œuvre du monde et sont maintenant évalués à une fortune, ont en fait été créés par des maîtres qui créent de l'art pour l'art. Leur conscience, qui ne rentre pas dans le cadre de la normalité, et donc la non-reconnaissance de leur talent au cours de la vie, est devenue pour beaucoup la raison pour laquelle leurs noms ont été immortalisés dans les annales de l'histoire. Les descendants, comme s'ils se sentaient coupables devant le génie, cultivent son talent, voient l'étincelle de Dieu dans ses créations, et l'histoire tragique de sa pauvreté et de ses privations ne fait que compléter le tableau d'ensemble.

Souvent, les génies, en plus d'un caractère complexe et de bizarreries, possédaient également des déviations mentales. Certains génies de l'URSS, qui ont laissé leur empreinte dans la science et l'art, sont plus susceptibles de le devoir à leur schizophrénie, qui permet de penser hors du cadre..