"Divine Comédie" à travers le regard des artistes et sculpteurs d'autrefois : Botticelli, Blake, Rodin, etc

2024 Auteur: Richard Flannagan | [email protected]. Dernière modifié: 2023-12-16 00:05

La Divine Comédie est une œuvre italienne de Dante Alighieri, qui est la plus réelle source d'inspiration pour les créateurs du monde entier. Le symbolisme caché, la charge sémantique et la philosophie de cette œuvre de la Renaissance ont incité les génies créatifs bien connus non seulement à s'y intéresser, mais aussi à jouer les images présentées dans le texte dans leur propre style.

La Divine Comédie et son manuscrit original, ainsi que toutes les copies ultérieures, ont toujours été considérés et continuent d'être considérés comme le trésor le plus précieux, le cœur du monde littéraire, en particulier de la poésie dans le genre épique. L'intrigue qui tourne autour du protagoniste du même nom est en grande partie autobiographique, à l'exception des éléments surnaturels présents tout au long de l'histoire.

L'épopée, comme les œuvres d'Homère, Sophocle (dramaturge), Ovide et Virgile, qui ont eu une grande influence sur les Italiens des XIIIe-XIVe siècles, fait un excellent travail de mélange des idéologies religieuses et politiques, et surtout, l'amour, ou ce que l'auteur considère comme l'amour divin. Les descriptions de Dante fournissent des images poignantes qui ouvrent l'imagination et inspirent les hommes et les femmes à de nombreuses merveilles de l'hyperréalisme.

Le travail d'Alighieri est le summum de l'émotion humaine qui explore les profondeurs de ce qu'est la connexion humaine, et avec cela, Dante apporte l'expressionnisme à la poésie et à l'art, une fonction qui non seulement influencera les artistes du monde entier au cours des siècles et à travers une multitude de formats de médias, mais aussi créer un glissement sans précédent de l'art vers lui-même.

La première partie de ce poème de Dante, et probablement le plus populaire (parmi les artistes également) est "L'Enfer", une histoire sur ses voyages à travers les neuf cercles de l'Enfer pour réunir / sauver son amour - Béatrice. Les voyages de Dante visent à inverser ce processus et à éliminer les obstacles qui l'éloignent de Dieu, ce qui ne peut être réalisé qu'en s'abandonnant à l'âme de Béatrice et à ses capacités. Cela suggère que devenir fou au nom de l'amour vaut l'immortalité que cela peut apporter.

Dante lui-même est passé de tristement célèbre à célèbre pour ses travaux et ses doutes sur l'Église catholique. L'exil et la solitude qui s'en sont suivis ont été parmi les premiers catalyseurs de La Divine Comédie. Il a également servi d'excellent lien entre Dante et les artistes, qui, avec beaucoup de zèle et d'intérêt, ont représenté des passages entiers de l'œuvre légendaire dans leurs œuvres.

Bien que La Divine Comédie ait été illustrée à l'origine par Dante lui-même, les artistes se sont sentis obligés de représenter leur propre imagerie à partir du texte saisissant. L'un des premiers artistes importants à assumer cette tâche était Luca Signorelli, un peintre de la Renaissance des XVe et XVIe siècles connu pour sa capacité à prévoir la forme humaine. Malgré le fait que l'œuvre de Luca ne soit pas une copie exacte de la scène peinte de Dante, l'artiste a laissé un brouillon intitulé Inferno XVI. La scène représente des sodomites, hommes et femmes, mais surtout des hommes, avec un accent sur les trois guelfes qui vont tous de pair, mentionnés par Dante dans Canto XVI, où le protagoniste et son guide Virgile se tiennent au-dessus, regardant la décimation.

Au fil du temps, La Divine Comédie est devenue de plus en plus populaire et standard dans le monde des privilégiés et des éduqués. Beaucoup ont essayé d'illustrer des cartes qui correspondaient au scénario, mais cette mode a ensuite été atténuée par une approche plus psychologique des personnages du texte. Tout a commencé au XVIIIe siècle avec le célèbre artiste et fondateur de la Royal Academy of Arts d'Angleterre, Joshua Reynolds. Il peint un portrait de groupe intitulé Ugolin et ses enfants, une scène qui intéresse particulièrement les artistes visuels en raison de son caractère grotesque. L'histoire d'Ugolin est l'histoire d'un traître politique à qui le neuvième cercle de l'enfer est réservé. En fait, Ugolino est l'un des derniers survivants des guerres, où il a été capturé et emprisonné. En prison, il se ronge les mains et ses enfants, pensant qu'il meurt de faim, lui offrent leurs corps à consommer.

Cette œuvre est une pièce exceptionnelle, apportant une nouvelle rhétorique à une histoire qui a maintenant des centaines d'années, et met en valeur son style néoclassique avec la plus haute dignité, même avec les actions méprisables qui ont été montrées.

Un autre artiste anglais de l'académie royale, Henry Fuseli (Heinrich Fuseli), laisse un contraste frappant avec Reynolds quelques décennies plus tard dans sa représentation d'Ugolino et de ses fils mourant de faim dans une tour. La gravure dépeint l'antagoniste comme une créature plus pitoyable.

Le travail d'Henry a influencé le multi-talentueux William Blake, qui a également pris Ugolino comme sujet de sa peinture Ugolino et ses fils dans une cellule. Blake, dont les images sombres peuvent être vues dans d'autres œuvres, apporte une nouvelle légèreté à ce thème. Deux anges survolent les personnages, apportant un éclat radieux à la chambre froide dans laquelle ils sont retenus. Cette image est étonnamment différente, et il règne un certain calme avant l'événement principal de cannibalisme qui est sur le point de se produire. Blake utilise très probablement cela pour se concentrer sur le sacrifice que les enfants sont sur le point de faire dans un acte de piété filiale, et travaille pour capturer leur innocence et leur salut à travers les anges. Blake apporte l'idée que ces enfants ne seront pas forcés d'expier les péchés de leur père, et leur mort dans ce scénario sera la chose honorable et la meilleure qui puisse leur arriver.

Pendant ce temps, à la même période du XIXe siècle, les artistes français s'inspiraient des manuscrits liturgiques de Dante. Jean Auguste Dominique Ingres a abordé les images d'infidélité et d'adultère à travers son tableau Gianciotto Attrape Paolo et Francesca. Le contexte qui tourne autour du triangle amoureux est que Francesca séduit son amant, Giancotto, le frère de Paolo. Dante le voit lors de ses voyages à travers l'enfer, et Ingres capture le point culminant lorsque Giancotto apprend la trahison de sa femme. Giancotto entre, l'épée à la main, et voit son frère presser ses lèvres contre la mariée vêtue de couleurs vives de son frère. Ingres prend une magnifique perspective, avec l'épéiste sortant de derrière la tapisserie, tandis que les amoureux ne sont pas conscients et profitent du moment dans un bonheur extatique.

Le Contemporain français d'Ingres, Eugène Delacroix, a abordé le thème du voyage du pèlerin sur l'eau avec Virgile dans la barque de Dante.

Le récit qu'il présente est celui de Dante et Virgile naviguant avec Phlegia sur un lac semblable au fleuve grec Styx, en route vers la ville infernale de Dis. Le romantique Delacroix, continuant dans le format d'une composition pyramidale, utilise la palette de la même manière pour diriger le regard et créer un mélodrame. Le portrait psychologique de La Divine Comédie se prolonge avec cette œuvre. Les morts dépeignent un réalisme envoûtant, tout en restant en harmonie avec la nature grotesque qu'ils portent. Virgil et son compagnon semblent extrêmement nerveux alors qu'ils passent devant ceux qui ont passé toute leur vie en tant que paria.

Un autre Dante, Dante Gabriel Rossetti, artiste de la Confrérie préraphaélite ainsi qu'écrivain et traducteur, a également confondu l'épopée fictive avec son symbolisme. Rossetti s'est familiarisé avec le travail de son homonyme et a traduit le poème en anglais. Quelques années plus tard, l'artiste a commencé à travailler sur un portrait symbolisant sa propre bien-aimée, appelée "Bienheureuse Béatrice". Cette pièce est gracieusement encadrée sous la forme d'un diptyque, Béatrice, représentée de bonne humeur, semblait satisfaite ou résignée à sa mort, tandis que l'amant, abandonné par elle, était très alarmé.

Le baiser est un thème qui réapparaît au cours de l'histoire de l'art, mais ce thème particulier est attribué aux amants adultères Paolo et Francesca. Dans son travail du marbre, Auguste Rodin laissait présager une fin fatale pour un couple passionné. Inconsciemment surveillés, ils se donnent complètement l'un à l'autre, avec un dévouement imprudent, décidant ainsi de leur sort avec un acte aussi téméraire.

Hell's Gate était un projet de maître qui a pris de nombreuses années et a été reporté indéfiniment. Rodin a sculpté des centaines de figures représentant divers personnages du voyage de Dante à travers l'enfer, qui s'est terminé par un spectacle à couper le souffle.

Ces exemples ne sont que quelques-uns des nombreux qui s'inspirent artistiquement du grand conteur Dante, et chaque année, de plus en plus de nouvelles œuvres apparaissent d'artistes du monde entier. La Divine Comédie dépeint les émotions humaines de telle manière que les beaux-arts ne peuvent essayer de capturer qu'une image à la fois, tout en donnant une vie plus vive à notre imagination. Ces artistes montrent les complexités causées par le texte intemporel qui façonne notre compréhension de l'art en général dans tant d'ensembles différents, et en créant leurs propres mondes, Dante a contribué à façonner le nôtre.

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