9 chefs-d'œuvre d'artistes brillants qui ont inspiré de grands créateurs de mode et créé des collections uniques

2024 Auteur: Richard Flannagan | [email protected]. Dernière modifié: 2023-12-16 00:05

Tout au long de l'histoire, la mode et l'art sont allés de pair pour créer une belle combinaison. De nombreux créateurs de mode ont emprunté des idées aux mouvements artistiques pour leurs collections, ce qui a permis d'interpréter la mode comme une forme d'art servant principalement à exprimer des idées et des visions. Influencés par cela, certains créateurs de mode de renommée internationale ont créé des collections exceptionnelles basées sur les mouvements artistiques du 20e siècle.

1. Madeleine Vionne

Née dans le centre-nord de la France en 1876, Madame Madeleine Vionne était connue comme « la déesse du style et la reine de la couture ». Lors de son séjour à Rome, elle était fascinée par l'art et la culture des civilisations grecque et romaine, et s'inspirait des déesses et des statues antiques. Sur la base de ces œuvres d'art, elle a façonné l'esthétique de son style et combiné des éléments de la sculpture et de l'architecture grecques pour donner une nouvelle dimension au corps féminin. Avec son habileté dans le drapé et les robes obliques, Madeleine a révolutionné la mode moderne. Elle a souvent consulté des œuvres d'art telles que La Victoire ailée de Samothrace pour ses collections d'art.

Les similitudes entre le chef-d'œuvre de l'art hellénistique et la muse de Vionne sont frappantes. Le drapé profond du tissu dans le style du chiton grec crée des stries verticales de lumière qui coulent le long de la silhouette. La sculpture a été créée en hommage à Nike, la déesse grecque de la victoire, et est admirée pour sa représentation réaliste du mouvement. Le drapé fluide du design Vionnet rappelle le mouvement du tissu flottant qui adhère au corps de Nike. Les robes peuvent être comme des êtres vivants avec une âme, comme un corps. Comme la Victoire ailée de Samothrace, Madeleine a créé des robes qui réveillent l'essence humaine cachée au plus profond de soi. Le classicisme, à la fois philosophie esthétique et philosophie du design, a donné à Vionne l'opportunité de transmettre sa vision dans une harmonie géométrique.

Elle était également fascinée par les mouvements artistiques contemporains tels que le cubisme. Madeleine a commencé à incorporer des formes géométriques dans ses créations et a adopté une autre méthode de coupe appelée coupe en biseau. Bien sûr, Vionne n'a jamais prétendu avoir inventé la coupe oblique, mais n'a fait qu'étendre son utilisation. Alors que les femmes faisaient de grands progrès dans la lutte pour leurs droits au début du XXe siècle, Madeleine a défendu leur liberté en abolissant le corset victorien de longue durée de la tenue quotidienne des femmes. Ainsi, elle est devenue un symbole de la libération des femmes de la contrainte du bustier et a plutôt sorti de nouveaux tissus plus légers qui coulaient littéralement sur le corps des femmes.

2. Pierpaolo Piccioli

Pierpaolo Piccioli est le designer en chef de Valentino et est très attiré par les œuvres religieuses du Moyen Âge. Le point de départ de son inspiration est le moment de transition du Moyen Âge à la Renaissance du Nord. Il a collaboré avec Zandra Rhodes et, ensemble, ils ont développé une collection inspirante au printemps 2017. Piccioli voulait relier la culture punk de la fin des années 70 à l'humanisme et à l'art médiéval. Il est donc revenu à ses racines et à la Renaissance, s'inspirant du tableau de Hieronymus Bosch Le Jardin des délices.

Le célèbre peintre hollandais était l'un des représentants les plus éminents de la Renaissance du Nord au XVIe siècle. Dans le "Jardin des délices", que Bosch a peint avant la Réforme, l'artiste a voulu représenter le Paradis et la création de l'humanité, la première tentation d'Adam et Eve, ainsi que l'Enfer, anticipant les pécheurs. Dans le volet central, les gens semblent satisfaire leur appétit dans un monde de plaisir. L'iconographie de Bosch se distingue par son originalité et sa sensualité. L'ensemble du tableau est interprété comme une allégorie du péché.

Dans le monde de la mode, la peinture a gagné en popularité alors que divers créateurs de mode étaient fascinés par ses motifs. Mélangeant les époques et l'esthétique, Piccioli a réinterprété les symboles de Bosch avec des robes transparentes volantes, tandis que Rhodes a créé des imprimés romantiques et des motifs brodés légèrement similaires à l'œuvre d'art originale. Les couleurs faisaient certainement partie du message que les designers voulaient faire passer. Ainsi, la collection de robes de rêve volantes est basée sur la palette de couleurs du nord des œufs de rouge-gorge vert pomme, rose pâle et bleu.

3. Dolce et Gabbana

Peter Paul Rubens a magistralement peint les femmes avec amour, apprentissage et diligence. Il a présenté sa "Vénus devant le miroir" comme le symbole suprême de la beauté. Peter a exclusivement dépeint son visage clair et ses cheveux blonds, ce qui contraste avec la femme de chambre à la peau foncée. Le miroir est un symbole absolu de beauté, qui encadre une femme comme un portrait, et en même temps souligne subtilement la nudité de la silhouette. Le miroir que Cupidon tient pour la déesse montre le reflet de Vénus comme une représentation de l'attirance et du désir érotiques. Rubens, qui fut l'un des fondateurs de l'art baroque, et son concept de « couleurs sur lignes » ont influencé plusieurs créateurs de mode, dont Dolce & Gabbana. Le style baroque s'écarte de l'esprit de la Renaissance, abandonne la sérénité et l'élégance et recherche à la place l'élégance, l'excitation et le mouvement.

Les créateurs de mode Domenico Dolce et Stefano Gabbana voulaient créer une campagne qui célébrerait le côté sensuel et romantique de la beauté féminine. Peter Paul Rubens était la source d'inspiration la plus appropriée. Les créations du duo culte étaient en grande harmonie avec l'art de l'artiste flamand. Dans cette collection, des modèles posent avec une grande noblesse, comme s'ils venaient de descendre d'un tableau de Rubens. Les décorations ont été conçues pour ressembler à des miroirs baroques et à des détails de broderie. La grâce des personnages et la palette de couleurs pastel étaient magnifiquement soulignées par la robe rose brocart. Le choix des créateurs de mode d'inclure une variété de modèles a encore contribué au type de corps de cette époque. Les lignes courbes utilisées par Dolce et Gabbana allaient à l'encontre de la discrimination des différents types de corps dans l'industrie de la mode.

La collection Dolce and Gabbana Femme Automne 2012 présente de nombreuses caractéristiques de l'architecture baroque italienne. Cette collection correspond parfaitement aux caractéristiques richement décorées du style baroque sicilien. Les concepteurs se sont concentrés sur l'architecture baroque, comme on le voit dans les églises catholiques de Sicile. Le point de référence était le tableau de Rubens "Portrait d'Anne d'Autriche". Dans son portrait royal, Anne d'Autriche est représentée à la mode espagnole. La robe noire d'Anna est ornée de rayures verticales de broderie verte et de détails dorés. Des robes et des capes astucieusement conçues à partir de textiles luxueux tels que la dentelle et le brocart sont devenues la principale caractéristique du défilé Dolce et Gabbana, qui a conquis le monde avec sa créativité.

4. Cristóbal Balenciaga

Cristobal Balenciaga peut être qualifié de véritable maître qui a réformé la mode féminine au XXe siècle. Né dans un petit village d'Espagne, il a apporté l'essence de l'histoire de l'art espagnol dans ses projets contemporains. Tout au long de sa carrière, Balenciaga a été impressionné par la Renaissance espagnole. Il s'est souvent inspiré de la famille royale espagnole et des membres du clergé. Le créateur de mode a transformé les articles d'église et les robes monastiques de l'époque en chefs-d'œuvre de la mode portables.

L'une de ses grandes inspirations était le maniériste El Greco, également connu sous le nom de Dominikos Theotokopoulos. En regardant le cardinal El Greco Fernando Niño de Guevara, vous pouvez voir les similitudes entre la cape du cardinal et le dessin de Balenciaga. Le tableau représente le cardinal espagnol Fernando Niño de Guevara à l'époque d'El Greco à Tolède. Les idées d'El Greco ont été empruntées au néoplatonisme de la Renaissance italienne, et dans ce portrait, il présente le cardinal comme un symbole de la grâce de Dieu. Le maniérisme est présent dans l'ensemble du tableau. Cela se remarque dans une silhouette allongée avec une petite tête, des membres gracieux mais bizarres, des couleurs intenses et un rejet des mesures et des proportions classiques.

La passion de Balenciaga pour les vêtements historiques est évidente dans ce manteau de soirée extravagant de sa collection 1954. Il avait la vision et la capacité d'inventer des formes à la mode moderne. Le col exagéré de ce manteau fait écho au style ample d'une cape de cardinal. La couleur rouge des vêtements du cardinal symbolise le sang et sa volonté de mourir pour la foi. Le rouge vif était considéré par le célèbre designer comme extraordinaire, car il privilégiait souvent les combinaisons de couleurs audacieuses et les teintes vives. Sa grande innovation fut l'élimination de la taille et l'introduction de lignes fluides, de coupes simples et de manches trois-quarts. Ce faisant, Balenciaga a révolutionné la mode féminine.

Le créateur a également introduit des manches de longueur bracelet qui ont permis aux femmes d'afficher leurs bijoux. Dans les années 1960, avec l'introduction progressive des femmes dans l'industrie du travail, Balenciaga a eu l'idée de donner confort, liberté et fonctionnalité aux femmes qu'il habillait. Il faisait la promotion de robes amples et confortables qui contrastaient avec les silhouettes moulantes de l'époque.

5. Alexander McQueen

Artiste autrichien, maître du symbolisme et fondateur du mouvement sécessionniste viennois, Gustav Klimt a posé les bases de l'histoire de l'art du XXe siècle. Ses peintures et son esthétique artistique ont longtemps inspiré les créateurs de mode. D'autres comme Aquilano Rimondi, L'Rene Scott et Christian Dior, le créateur qui a directement fait référence à Klimt était Alexander McQueen. Dans la collection Resort Printemps/Été 2013, il a conçu des pièces uniques qui semblent s'inspirer du travail de l'artiste. En regardant une robe noire fluide avec un motif doré répétitif sur le dessus, une image spécifique peut vous venir à l'esprit. McQueen a utilisé des motifs abstraits, géométriques et en mosaïque dans des tons bronze et or, les incorporant dans ses créations.

En 1905, Gustav Klimt a peint le tableau "L'étreinte", représentant un couple pris dans une douce étreinte, qui est devenu un symbole d'amour. L'artiste autrichien est connu pour ses peintures dorées, ainsi que pour la combinaison parfaite d'abstraction et de couleur présente dans ces œuvres. Toutes les mosaïques ont des tons dorés riches avec des embellissements kaléidoscopiques ou naturels qui ont eu une grande influence sur la mode. Ce tableau est frappant en raison des formes géométriques contrastées entre les vêtements des deux amants. Les vêtements pour hommes se composent de carrés noirs, blancs et gris, tandis que la robe pour femmes est décorée de cercles ovales et de motifs floraux. Ainsi, Klimt illustre magistralement la différence entre masculinité et féminité. Alexander a adopté quelque chose de similaire pour ses vêtements.

6. Christian Dior

Fondateur de l'impressionnisme et l'un des plus grands peintres français de l'histoire de l'art, Claude Monet a laissé un grand héritage artistique. S'inspirant de sa maison et de son jardin à Giverny, Monet a capturé le paysage naturel dans ses peintures. En particulier, dans le tableau "Le jardin de l'artiste à Giverny", il parvient à manipuler le paysage naturel selon ses besoins. Le contraste de la piste de terre brune contre la couleur vibrante des fleurs complète la scène. Le célèbre impressionniste a souvent choisi la fleur d'iris en raison de sa couleur pourpre pour créer l'effet d'un soleil éclatant. Cette peinture est pleine de vie alors que les fleurs fleurissent et saluent, embrassant le printemps. Les pétales de rose et de lilas, les iris et le jasmin font partie d'un paradis coloré représenté sur une toile blanche.

Dans la même veine, Christian Dior, pionnier de la mode française, a marqué le monde de la mode d'une empreinte qui se fait encore sentir aujourd'hui. En 1949, il dessine une collection haute couture pour la saison printemps/été. L'un des temps forts de cette exposition était la robe iconique Dior, entièrement brodée de pétales de fleurs dans différentes nuances de rose et de violet. Dior a parfaitement illustré les deux mondes de l'art et de la mode et a imité l'esthétique de Monet dans cette robe fonctionnelle. Il passe beaucoup de temps à la campagne, peignant ses collections dans son jardin de Granville, comme le faisait Monet. Ainsi, il a défini le style élégant de Dior en incorporant la palette de couleurs et les motifs floraux de Monet dans ses créations.

7. Yves Saint Laurent

Mondrian a été l'un des premiers artistes à créer de l'art abstrait au 20ème siècle. Né aux Pays-Bas en 1872, il a fondé tout un mouvement artistique appelé De Stijl. Le but du mouvement était d'unir l'art contemporain et la vie. Ce style, également connu sous le nom de néoplasticisme, était une forme d'art abstrait dans laquelle l'utilisation de principes géométriques et de couleurs primaires telles que le rouge, le bleu et le jaune était combinée à des neutres (noir, gris et blanc). Le style innovant de Pete au début des années 1900 a forcé les créateurs de mode à reproduire ce type pur d'art abstrait. Le meilleur exemple de ce style de peinture est Composition avec des couleurs rouges, bleues et jaunes.

Amateur d'art, le couturier français Yves Saint Laurent a intégré les peintures de Mondrian dans ses créations de haute couture. Il a d'abord été inspiré par le travail de Pete lorsqu'il a lu un livre sur la vie de l'artiste que sa mère lui a offert pour Noël. Le créateur a exprimé son appréciation à l'artiste dans sa collection d'automne 1965, connue sous le nom de collection Mondrian. Inspiré par les lignes géométriques et les couleurs vives de l'artiste, il a présenté six robes de cocktail célébrant son style emblématique et l'ère des années 60 en général. Chacune des robes de Mondrian était légèrement différente, mais elles partageaient toutes une forme trapèze simple et une longueur de genou sans manches qui était parfaite pour chaque type de corps.

8. Elsa Schiaparelli

Elsa Schiaparelli, née en 1890 dans une famille aristocratique à Rome, exprime bientôt son amour pour le monde de la mode. Elle commence à développer son style révolutionnaire, inspiré par le futurisme, le dada et le surréalisme. Au fur et à mesure de sa carrière, elle a interagi avec des surréalistes et des dadaïstes célèbres tels que Salvador Dali, Man Ray, Marcel Duchamp et Jean Cocteau. Elle a même collaboré avec l'artiste espagnol Salvador Dali.

L'une des plus grandes collaborations de l'histoire de la mode a été la collaboration entre Dali et Elsa Schiaparelli. Cette robe a été créée avec Salvador Dali dans le cadre de la collection cirque de Schiaparelli à l'été 1938. La robe fait référence au tableau de Dali, dans lequel il représente des femmes aux proportions corporelles déformées.

Pour les artistes surréalistes, la recherche de la femme idéale était vouée à l'échec, puisque l'idéal n'existait que dans leur imagination, pas dans la réalité. Cependant, ce n'était pas l'intention de Dali de représenter les femmes de manière réaliste, donc leurs corps ne sont pas du tout esthétiques. Schiaparelli a voulu expérimenter ce jeu de dissimulation et de révélation du corps, créant l'illusion de la vulnérabilité et de l'insécurité. La robe à l'illusion de larmes a été confectionnée en crêpe de soie bleu pâle, rendant hommage à Salvador et à ses femmes démesurées.

9. Gianni Versace

L'ère du Pop Art a probablement été la période la plus influente pour les créateurs de mode et les artistes de l'histoire de l'art. Andy Warhol a été le pionnier du mélange de la culture pop et de la haute couture, faisant de lui un symbole emblématique du mouvement pop art. Dans les années soixante, Warhol a commencé à pratiquer sa technique de signature connue sous le nom de sérigraphie.

L'une de ses premières œuvres et sans aucun doute ses plus célèbres est le Marilyn Diptych. Pour cette pièce, il s'est inspiré non seulement de la culture pop, mais aussi de l'histoire de l'art et des artistes expressionnistes abstraits. Andy a capturé les deux mondes de Marilyn Monroe, la vie sociale d'une star d'Hollywood et la réalité tragique de Norma Jeane, une femme aux prises avec la dépression et la toxicomanie. Le diptyque intensifie la vibration à gauche, tandis qu'à droite elle disparaît dans l'obscurité et l'obscurité. Dans une tentative de représenter une société de consommation et le matérialisme, il a dépeint les individus comme des produits plutôt que comme des personnes.

Le designer italien Gianni Versace entretient une amitié de longue date avec Andy Warhol. Les deux hommes étaient fascinés par la culture populaire. Pour honorer Warhol, Versace lui a dédié sa collection printemps/été 1991. L'une des robes présentait des imprimés Warhol avec Marilyn Monroe. Il a incorporé les portraits en soie vibrants de Marilyn et James Dean des années 1960 dans des jupes et des robes longues.

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