Pourquoi le tableau "Mise au tombeau" était la seule œuvre du Caravage, que les critiques et l'église admiraient

2024 Auteur: Richard Flannagan | [email protected]. Dernière modifié: 2023-12-16 00:05

La Mise au Tombeau est le seul tableau du Caravage à avoir été unanimement salué par la critique. De plus, c'est le premier travail que l'église a accepté sans délai et sans aménagements. Les artistes de l'époque ont copié à plusieurs reprises l'œuvre du Caravage. Il en existe au moins 44 exemplaires connus, dont un appartient à Paul Cézanne.

Évaluation de la société

Même les critiques les plus acharnés (Ballione et Bellori) ont admiré la "position dans la tombe" du Caravage. Avec une cascade de pleureurs en diagonale et portant le corps du Christ mort, ce tableau de contre-réforme reflète à la fois une révolution dans la peinture et un véritable deuil. Le Caravage compte parmi les meilleurs artistes de tous les temps pour son approche ultra-naturaliste de l'art baroque.

"Mise au tombeau" est aussi tragique que la "Pieta" de Michel-Ange, dont le Caravage s'est clairement inspiré et à partir duquel il a créé son propre chef-d'œuvre. Ainsi, la vie d'un artiste baroque s'est développée que les critiques d'art ont appris sa biographie à partir de sources de casiers judiciaires. De ces documents, le monde a appris que le Caravage avait un caractère colérique, il pouvait être cruel envers les autres, il était souvent arrêté et emprisonné pour attentats. Le Caravage figure sur les dossiers de police pour des infractions mineures, telles que le port d'une arme à feu sans autorisation, et pour des infractions plus graves lorsqu'il a été impliqué dans des bagarres violentes. Une fois, il a même été interrogé pour avoir insulté une femme et sa fille ! Il est inconcevable qu'un peintre aussi talentueux puisse tuer un homme sur un pari et passer les dernières années de sa vie à fuir la police. Toutes ces histoires sont-elles vraies ? Cela restera donc un mystère.

Héros

La peinture est un groupe figuratif très compact de six personnages, dont le corps du Christ mort. La moitié supérieure du corps du Christ est soutenue par Jean l'évangéliste (dans un manteau rouge). Sa main droite touche la plaie du Christ. La moitié inférieure est soutenue par saint Nicodème, qui traditionnellement enlevait les clous des pieds du Christ sur la croix. Nicodème est le personnage dominant de la peinture et son corps est l'ancre compositionnelle et spirituelle de la toile. Il regarde constamment le spectateur depuis le plan de l'image, le forçant presque à intervenir dans le rituel. Les deux héros du groupe en deuil transportent soigneusement le corps du Christ dans la tombe-grotte, à peine visible dans l'obscurité à gauche.

Derrière les deux hommes - la mère du Christ, Marie, Marie-Madeleine, essuyant ses larmes avec un mouchoir blanc, et Marie de Cléophes, qui lève les mains au ciel dans un geste de tristesse sans espoir. Ensemble, les trois femmes représentent des expressions différentes et complémentaires de la souffrance. Avec cette œuvre, le Caravage a créé une image remarquablement monumentale et dramatique, qui est soulignée par un clair-obscur prononcé.

Gestes de héros

L'artiste a habilement retranscrit la tragédie de l'intrigue à travers les gestes des héros. Il est impossible de ne pas faire attention au geste de Nicodème serrant les jambes de Jésus. Ou saint Jean touchant la plaie du Christ avec ses doigts. Et voici Marie-Madeleine, bénissant le Christ et étendant ses bras pour embrasser tout le groupe. Il est important de noter: dans l'œuvre du Caravage, il faut toujours faire attention aux mains. Ils cachent le message de l'artiste aux moments les plus marquants. Le détail de loin le plus important de l'intrigue est la main droite sans vie suspendue du Christ. La direction des mains dans la "Conversion de saint Paul sur le chemin de Damas" (vers le ciel) et dans "L'appel de saint Matthieu" (vers Lévi) était d'une grande importance. Dans la même œuvre, la main tombante du Fils de l'Homme touche la pierre. Et la main de Marie en deuil fait signe au ciel (elle crie miséricorde). En un sens, c'était le message du Christ: Dieu est descendu sur terre et l'humanité s'est réconciliée avec le ciel. Les mains levées de Marie Cléophe ressemblent à un geste similaire de consentement de saint Paul. Son visage, le seul après le visage du Christ, est pleinement illuminé et lève les yeux. Et ses yeux semblent chercher une réponse divine à la situation actuelle.

Technique de composition et d'ombrage

Si dans la Haute Renaissance la composition a une forme pyramidale stable, alors dans l'art baroque, il s'agit de diagonales, et parfois de diagonales se coupant sous la forme de la lettre X. La composition en diagonale est une caractéristique très courante de l'art baroque. Dans La mise au tombeau, le Caravage a organisé la composition de manière à donner l'impression que le corps du Christ était descendu directement vers le spectateur. L'une des tâches les plus importantes de l'art baroque est d'attirer le spectateur. L'artiste donne au spectateur une chance de se sentir à l'épicentre même d'un complot religieux. Le corps du Christ semble vraiment mort, les personnages luttent pour supporter le poids de son corps et le plongent doucement dans la tombe.

Une autre des principales caractéristiques de l'art baroque est la destruction de la barrière entre l'espace du spectateur et l'espace de la peinture, de sorte que le spectateur se sent souvent complice de l'intrigue. Les peintres baroques utilisent souvent le raccourci. Ici aussi, dans "The Place in the Coffin", tout est situé très près du spectateur. C'est le corps du Christ - si proche que vous pouvez le sentir et même le toucher. Et tout près du spectateur se trouve la saillie de la tombe, qui a effacé toutes les frontières et est passée dans l'espace du spectateur.

L'obscurité est l'un des moments emblématiques de l'œuvre du Caravage. Le maître fait preuve d'une maîtrise totale de la lumière et de l'obscurité, utilisant la technique du clair-obscur pour ajouter du volume à ses figures, et le ténébrisme pour donner à ses peintures un véritable drame. Plus tard, ce style de "caravagisme" sera copié par certains des grands maîtres anciens tels que Rubens, Rembrandt et Vermeer. Le Caravage a peint cette scène comme si elle se déroulait dans l'obscurité absolue avec les lumières allumées dans les personnages. Aucun arrière-plan - juste l'obscurité. L'impression est très dramatique. Pas d'architecture, pas de paysage, et donc le spectateur parvient à se concentrer sur les personnages eux-mêmes au premier plan de l'image. Dans son emplacement, l'ensemble est compact et monumental, comme une sculpture. Un recul légèrement en diagonale vers la gauche indique la direction de leur mouvement et empêche l'intrigue de devenir statique, de même que le bord tranchant du revêtement de pierre de la tombe sur laquelle ils se trouvent. Cette dalle de pierre se réfère iconographiquement au Christ comme fondement de l'Église.

La Mise au Tombeau est le retable le plus monumental et le plus admirable du Caravage, peint pour l'église de Santa Maria in Vallichella à Rome. L'artiste reçut une commande d'Alessandro Vittrice en 1601. L'original fait actuellement partie de la collection du Musée du Vatican, et une copie se trouve dans la Chapelle della Pieta. Malgré sa renommée bien méritée de "méchant génie", le Caravage était sans aucun doute le plus grand de tous les artistes baroques italiens du début du XVIIe siècle.