Pourquoi, à cause du chapeau et de la nature morte, la commission n'a pas voulu accepter le célèbre tableau du Caravage "Dîner à Emmaüs"

2024 Auteur: Richard Flannagan | [email protected]. Dernière modifié: 2023-12-16 00:05

Le souper à Emmaüs a été créé par le Caravage en 1601. L'interprétation non standard de l'intrigue a conduit à une bonne quantité de critiques de l'artiste. Et les raisons du rejet sont cachées dans le chapeau de l'aubergiste et la nature morte aux fruits. C'est avec eux que tous les ennuis avec l'image ont commencé.

Dîner à Emmaüs est une peinture de 1601 du Caravage, le célèbre maître baroque italien. Le client de l'œuvre était l'aristocrate romain et amoureux de l'antiquité Chiriaco Mattei, frère du cardinal Girolamo Mattei.

Préhistoire de la création

La cathédrale de Trente, créée pour lutter contre la menace persistante du protestantisme, a déclaré en 1563 qu'à travers les scènes religieuses représentées dans les peintures sur l'expiation, les gens peuvent apprendre de bonnes intentions. Il est important que les miracles accomplis par Dieu soient ouverts aux yeux des croyants, afin qu'ils aiment Dieu et développent la piété.

La peinture a été précédée d'une époque où l'église ressentait le besoin de transmettre son message aux croyants à travers l'art religieux et exigeait une clarté particulière de présentation de la part des artistes. Pour se conformer à cette directive, les maîtres anciens devaient avant tout être réalistes. Le Caravage fut l'un des premiers d'une série de tels artistes: ardent réaliste, sa franchise et sa spontanéité contrastaient complètement avec l'élégance raffinée de la fin du XVIe siècle et le maniérisme.

Terrain

Le dîner à Emmaüs est un thème populaire dans l'art chrétien et est l'épisode culminant de la célèbre histoire de l'apparition du Christ à deux disciples le troisième jour après la crucifixion. Les apôtres invitent l'étranger à partager un repas à la maison avec eux. Ils viennent de le rencontrer et, bien sûr, ne savent pas qui il est vraiment. Les apôtres comprennent la véritable identité de l'étranger secret lorsqu'il bénit et rompt le pain. La prise de conscience vient: l'invité mystérieux est en fait le Christ ressuscité. « Et ils s'approchèrent du village où ils allaient; et Il leur montra l'apparence qu'Il voulait aller plus loin. Mais ils le retinrent en disant: reste avec nous, car le jour s'approche déjà du soir. Et Il est entré et est resté avec eux. Et quand il était à table avec eux, il prit du pain, le bénit, le rompit et le leur donna. Alors leurs yeux s'ouvrirent et ils Le reconnurent. Mais Il est devenu invisible pour eux. Et ils se dirent: notre cœur n'était-il pas brûlant en nous lorsqu'il nous parlait sur la route et lorsqu'il nous exposait les Écritures ? » Marie-Madeleine a reconnu le Christ par sa voix; Thomas - pour les blessures; les disciples qui ont invité le Christ à la maison d'Emmaüs - après la fraction du pain. Saint Luc appelle l'un des apôtres Cléopho, mais n'identifie pas l'autre. Derrière les héros se cache un aubergiste perplexe.

L'artisanat du Caravage

Le Caravage a montré sur la toile un moment précis de l'intrigue, lorsque les deux apôtres ont réalisé qu'ils assistaient à un miracle d'une puissance inimaginable. L'artiste semblait avoir arrêté le moment, permettant au public de réfléchir sur le miracle, de ressentir le sentiment de choc et de surprise qu'ont éprouvé les deux apôtres. La main tendue de l'apôtre à la droite du spectateur semble toucher la toile elle-même.. Il s'adresse à celui qui regarde la toile. Ce geste semble dire: « Regardez ! Ce miracle, un miracle s'est produit." Le coude de l'autre apôtre a l'air d'avoir déchiré la toile. Cette idée a été réalisée simplement avec brio: le Caravage a déchiré la veste portée par le héros, exactement au niveau du coude. Enfin, la corbeille de fruits, précairement positionnée sur le bord de la table, semble tomber et se briser sur le sol à la moindre secousse. Ainsi, le Caravage brise la barrière traditionnelle entre ce qui est réel et ce qui est peint avec son pinceau, et transforme une scène qui s'est passée dans le passé en ce qui se passe maintenant, sous nos yeux. Le Caravage donne à ses peintures religieuses un sens dramatique fort. habilement en utilisant la technique de la lumière et de l'ombre (clair-obscur). "Il n'a jamais mis ses personnages en lumière", a écrit Giovanni Pietro Bellori, un théoricien de l'art du XVIIe siècle, "mais les a mis dans l'atmosphère brun foncé d'une pièce fermée". La chambre fermée mentionnée par Bellori est une caractéristique que l'on peut voir dans de nombreuses œuvres du Caravage. La peinture est faite en taille réelle. Comme c'est souvent le cas dans l'œuvre du Caravage, les héros ont des traits androgynes (qu'il suffise de rappeler Le Joueur de luth et Bacchus). Le point culminant n'a pas été épargné et le Christ, qui a des traits clairement féminins.

Critique

Pour beaucoup, le réalisme magistral du Caravage est allé trop loin. En 1602, il peint Saint Matthieu pour l'église San Luigi de Francesi à Rome. Il représentait un saint aux pieds nus assis les jambes croisées de sorte qu'une jambe semblait être retirée de l'image. Selon le théoricien Bellory, la commission a rejeté l'image parce que les prêtres voyaient de l'indécence et de l'impudeur sur la toile. Les prêtres ne voulaient clairement pas qu'un pied nu et sale leur tombe dessus, même s'il ne s'agissait que d'une toile. Par le verdict de la commission, le Caravage était censé préparer une deuxième version du complot. Et il l'a fait.

Le dîner à Emmaüs a fait l'objet de critiques similaires, notamment de Bellory. « En plus du caractère rustique des deux apôtres et du Seigneur, qui est représenté jeune et sans barbe, le Caravage montre l'aubergiste le servant avec un chapeau sur la tête. Sur la table se trouve un panier de raisins, de figues et de grenades - hors saison. En effet, la Résurrection est célébrée au printemps à Pâques, et le Caravage a choisi les fruits d'automne. Pour Bellory, le fait que l'aubergiste serve le Christ avec un chapeau sur la tête était la plus haute manifestation d'impolitesse. Et sa critique de la corbeille de fruits montrée « hors saison » démontre un fort désir d'exactitude complète dans la description des histoires évangéliques.

Le manque de décence est une critique fréquente dirigée contre l'œuvre du Caravage. Et son habitude de montrer les apôtres sales, en haillons et négligés pouvait toujours provoquer une insulte aux représentants de l'église.

Nature morte

Quant à la nature morte, le choix des fruits sur la table est certainement délibéré. En combinaison avec d'autres objets sur la table, il a une signification symbolique. La pomme pourrie ici est un symbole de la tentation et de la chute de l'homme. Un rayon de lumière réfléchi sur la nappe à travers un récipient en verre est un attribut de la Nativité de la Très Sainte Théotokos. Le pain est facile à identifier comme un symbole du corps du Christ.

Un oiseau frit est un symbole de mort, mais une grenade est un attribut de la Résurrection. Enfin, le sacrifice du Christ est symbolisé par le raisin, que Bellory critique. Les raisins sont la source du vin, qui est un symbole du sang du Christ pour l'Eucharistie catholique romaine. En conséquence, le Caravage a utilisé une corbeille de fruits pour souligner le sens de l'intrigue. Le Caravage a écrit une autre version de la Cène en 1606. A titre de comparaison, les gestes des personnages de la deuxième variante sont beaucoup plus sobres.