Comment les artistes du passé parlaient de sujets supérieurs : la justice, la vanité, l'écoulement du temps et pas seulement dans des images allégoriques

2024 Auteur: Richard Flannagan | [email protected]. Dernière modifié: 2023-12-16 00:05

La grande capacité des beaux-arts à montrer l'invisible à l'œil est avant tout une question d'allégories. Comment écrire le pouvoir sur la toile ? Durée de fonctionnement ? Justice? Désespoir? Comment afficher la vision du monde de l'artiste sans utiliser de mots, mais en recourant uniquement aux possibilités offertes par les pinceaux et les peintures ? Les allégories s'adressent généralement aux spectateurs qui ont un certain niveau de connaissance ou sont prêts à recevoir cette connaissance, car de nombreuses allégories sont basées sur des éléments de la mythologie, de la philosophie, de l'histoire de l'art et de l'histoire de l'humanité. Pour les personnes qui connaissent le sens des toiles anciennes, il se révèle d'une manière nouvelle, et le phénomène de l'immortalité de l'art et de sa pertinence à toute époque et dans toutes les conditions historiques devient plus clair.

Allégories - pourquoi et comment elles surviennent

La peinture peut incarner n'importe quelle image, y compris tout ce que les mots peuvent exprimer - cette approche existait déjà à la Renaissance. Dans le cas où l'artiste est amené à saisir le visage de quelqu'un, ou une composition de plusieurs objets sur la table, ou un phénomène naturel, tout est plus ou moins clair: ce que l'œil voit est reporté sur la toile - avec une inévitable distorsion subjective de ce qu'il a vu, simplement parce que l'auteur est une personne.

Cependant, parfois les maîtres doivent répondre à d'autres demandes - que ce soit des clients, ou peut-être d'eux-mêmes - pour écrire quelque chose d'abstrait, pour créer une image artistique d'une idée, un concept philosophique, quelque chose qui existe, mais qui est de nature intangible. Les postmodernistes ont résolu ce problème en abandonnant à la fois la fantaisie et les moyens artistiques d'expression de soi, déclarant l'artiste complètement libre dans ses activités. Mais les maîtres des époques passées de l'art sont restés fidèles à eux-mêmes et aux traditions qui existaient à leur époque.

Les plantes, les animaux, les personnes, les objets sont les outils avec lesquels l'allégorie a été incarnée sur la toile, et si l'artiste a atteint son objectif, l'impression que le spectateur a de l'image correspond à ce que le maître y a mis. Ou - et assez souvent - le chef-d'œuvre n'a pas fonctionné et l'image est devenue l'une des allégories infructueuses. Initialement, l'allégorie est apparue là où il était impossible ou même dangereux de parler directement du phénomène, et tout d'abord il a été incarné dans la littérature. L'art de l'Orient antique est rempli de nombreuses allégories. En Égypte, ils ont eu recours à l'image de dieux avec des corps humains et des têtes d'animaux divers - c'est ainsi que la mort, le pouvoir ou l'éternité étaient représentés allégoriquement.

Grâce à Aristote, le terme « trope » est apparu et, en général, une description philosophique du transfert du sens d'un objet à un autre; cela est devenu la base, entre autres, pour le développement ultérieur des beaux-arts.

Colombe, chien et autres exemples d'allégories

Si la Renaissance italienne n'a ouvert la voie qu'aux allégories en peinture, à l'époque baroque, cette technique artistique ne s'en est pratiquement pas passée: le principal fournisseur d'images pour la peinture était les mythes antiques et chrétiens, et parfois leur mélange. Un rôle a également été joué par le fait que les allégories, les métaphores, les allégories dans les arts visuels étaient aimées par de nombreux mécènes et clients, et les artistes eux-mêmes ont volontiers utilisé les possibilités de cette approche pour refléter leurs propres points de vue philosophiques et de vie, matérialiser leur peurs, espoirs et aspirations.

Tout genre de peinture est capable d'accueillir le message allégorique du maître - y compris la nature morte, le portrait et le paysage. Vous pouvez souvent trouver des images traditionnelles et familières dans lesquelles les artistes ont crypté des concepts abstraits: par exemple, un chien symbolisait la fidélité, une colombe incarnait l'image du Saint-Esprit, une femme avec des écailles et un bandeau - la justice ou la justice, un bateau marchant sur le mer - le mode de vie de quelqu'un.

"Allégorie de la peinture" de Jan Vermeer devient le tableau préféré de l'artiste: il ne s'en sépare qu'à sa mort, malgré des problèmes d'argent. Cette œuvre ornait l'atelier et reflétait ce que Vermeer considérait comme l'essence d'une sorte d'activité. Le volume du livre symbolise la connaissance théorique de l'art, le masque peut faire allusion à l'imitation des grands maîtres, et le modèle, dont la figure est cachée par des draperies antiques, personnifie la gloire de l'artiste.

Allégories dans les peintures d'autres grands artistes

Les allégories peuvent être attribuées non seulement aux peintures qui informent directement le spectateur sur leur essence - comme "Allégorie des vertus" et "Allégorie des vices" de Correggio. Lorsqu'en 1622 la reine de France Marie de Médicis, mère de Louis XIII, commanda à Rubens un cycle de grands tableaux, qui raconterait les principaux épisodes de sa vie, c'est à des images allégoriques que le grand peintre hollandais recourut. La reine apparaît devant le spectateur sous la forme d'une ancienne déesse, entourée de personnages de la mythologie grecque, dans sa main, elle a un symbole de justice, à ses pieds - des vices vaincus. Chacune des peintures de cette série porte une certaine humeur et une certaine signification, véhiculées à l'aide de techniques allégoriques.

Sandro Botticelli a exprimé l'idée de force dans l'image d'une fille dont les traits du visage ressemblent à ses propres premières madones - mais dans ce cas, son apparence est plus rigide et têtue.

Le maître de l'allégorie était Pieter Brueghel l'Ancien, parmi ses œuvres se trouve une série de gravures qui illustrent les sept péchés capitaux. La paresse est montrée à travers des images d'escargots, de personnes endormies, d'animaux qui rampent lentement, de dés, qui sont occupés par ceux qui sont assis dans la taverne - et de nombreux autres symboles, dont tous n'ont pas une interprétation généralement acceptée.

En règle générale, la nature allégorique de l'image et le naturalisme s'excluent; lorsqu'il utilise des métaphores en peinture, l'artiste recourt souvent à l'idéalisation au détriment de la ressemblance du portrait. Mais voici un autoportrait de Nicolas Poussin, qui montre allégoriquement la capacité du peintre à pénétrer dans l'essence des choses - il est symbolisé par le visage d'une femme - la muse représentée à gauche - de profil, comme s'il démontrait le " troisième oeil". Les mains tendues à une femme dans un effort pour se serrer dans ses bras, symbolisent l'amour de l'artiste pour l'art et, ensemble, expriment ce que Poussin a ressenti dans sa vie.

Mais "Nature morte avec un échiquier" de Lyuben Bozena combine des images d'objets qui, ensemble, sont une allégorie de cinq sentiments humains. Les notes et les instruments de musique symbolisent l'ouïe, le miroir - la vue, l'échiquier, les cartes, le portefeuille - le toucher, les fleurs - l'odorat, le pain et le vin - le goût.

A propos des énigmes dans les tableaux de René Magritte: ici.