Qui Rodin a vraiment créé « Le penseur » ou « Le deuil » : le vrai sens des œuvres d'art célèbres

2024 Auteur: Richard Flannagan | [email protected]. Dernière modifié: 2023-12-16 00:05

N'importe qui peut facilement remarquer que le sujet du deuil est très populaire auprès des artistes. Et souvent, les gens modernes ne connaissent même pas l'histoire de l'origine de certaines peintures ou sculptures et leur véritable signification.

"Portrait de Venise Stanley, Lady Digby" Van Dyck

Il semble que la jeune femme dort paisiblement. Néanmoins, lorsque l'artiste flamand Anthony van Dyck tenta en 1633 de transmettre sur toile toute la beauté aristocratique de Venise Stanley, Lady Digby, il peignait en fait un portrait… d'un cadavre de deux jours allongé sur son lit de mort.

Affligé de chagrin en découvrant que sa femme était décédée subitement dans la nuit, à l'âge de 33 ans, le mari de Venise, Sir Kenelm Digby, a demandé à Van Dyck, le peintre de la cour du roi Charles Ier, de peindre sa défunte épouse devant « les chirurgiens et les coroners arrivée."

Anthony van Dyck a écrit Venise, Lady Digby sur son lit de mort en 1633 - deux jours après la mort de la femme dans son sommeil

Van Dijk s'est mis au travail, ignorant les terribles changements qui se produisent dans le corps humain après la mort. Sur le col pâle et charmant de Venise, il dessina un collier de perles, et sur le bord du drap il parsemait des pétales de rose. Digby croyait que la peinture de Van Dyck, qui se trouve maintenant à la Dulwich Art Gallery de Londres, était le couronnement de la création de l'artiste. Selon lui, cette « rose » semblait « pâlir » même à première vue et était censée symboliser la mort de sa femme.

Malgré le fait que près de 400 ans se sont écoulés, des rumeurs circulent encore selon lesquelles Digby, qui n'était pas seulement un courtisan et un diplomate, mais aussi un inventeur et un alchimiste, aurait lui-même causé la mort de sa femme. Certains disent qu'il donna à Venise un mélange de sang de vipère à boire, avec lequel il espérait conserver sa beauté. D'autres pensent qu'il l'a tuée dans un accès de jalousie - après tout, il aurait dit un jour à propos du libertinage notoire de Venise qu'"un homme sage et fort peut faire une femme honnête même d'un travailleur de bordel". Fait intéressant, bien qu'une autopsie ait été réalisée, ses résultats n'ont pas été conservés.

Cependant, Digby s'est retrouvé dévasté par la mort de Venise. Il a écrit à son frère que le portrait posthume de Van Dyck « est le seul compagnon constant que j'ai maintenant. Il se tient toute la journée devant ma chaise et ma table… et toute la nuit près du lit. Quand le faible clair de lune tombe sur lui, il me semble que je la vois vraiment morte."

En d'autres termes, selon la lettre de Digby, la petite peinture à l'huile de Van Dyck, de moins d'un mètre carré, est devenue une consolation et un réconfort pour le veuf affligé. Si la rose dans l'image est bien "l'emblème" de la fugacité de la vie, l'image elle-même symbolise ce que l'on peut appeler l'art de la tristesse.

En plus des monuments funéraires dans les églises, qui ont été installés principalement à la mémoire des défunts, le thème du deuil dans l'art occidental avant l'ère de Van Dyck, au Moyen Âge et à la Renaissance, en règle générale, ne se trouvait que dans les peinture et sculptures dédiées à l'histoire tragique de la mort du Christ. …

La Pietà de Michel-Ange dans la Basilique Saint-Pierre

La magnifique pieta en marbre de Michel-Ange dans la basilique Saint-Pierre est la seule œuvre de sculpture qu'il ait jamais signée. Elle représente la Vierge Marie en deuil avec le Christ mort allongé sur ses genoux. C'est peut-être l'exemple le plus connu, mais il y en a bien d'autres. Par exemple, on peut distinguer une peinture d'un autre artiste de la Haute Renaissance et ami de Michel-Ange, Sebastiano del Piombo. Selon les experts de la National Gallery, le tableau (sur lequel del Piombo a travaillé avec Michel-Ange) "Lamentation du Christ mort" (vers 1512-1516) est "le premier paysage nocturne à grande échelle de l'histoire", et son ciel au clair de lune correspond parfaitement à l'ambiance sombre.

La Pieta de Michel-Ange dans la basilique Saint-Pierre est une version célèbre de l'une des images les plus courantes du catholicisme: la douleur de la Vierge Marie à la mort de son fils

Bien sûr, le thème traditionnel du deuil du Christ a été décrit par de nombreux auteurs célèbres de l'histoire de l'art, de Giotto et Mantegna à Rubens et Rembrandt. Ce ne sont là que quelques-uns des milliers d'artistes qui ont représenté cette scène biblique sous une forme ou une autre au cours des siècles. En effet, l'art du deuil est devenu si omniprésent que parfois les gens oublient ce qu'ils regardent. Le commissaire de la nouvelle exposition de Rodin au British Museum a récemment publié un article suggérant que la célèbre sculpture française Le Penseur devrait en fait s'appeler Le Pleureur. "Regardez attentivement la main et le menton", a déclaré Ian Jenkins, une autorité sur l'art grec ancien. - Si cette personne pensait à quelque chose, il se serait couvert le menton avec sa main dans un geste de prévenance. Mais dans cette sculpture, la main soutient le menton. Et dans la Grèce antique c'était un geste de deuil."

"L'île des morts" d'Arnold Böcklin

Peinture à l'huile sur bois d'Arnold Böcklin "L'île des morts", 1880. Son intrigue est basée sur la mythologie grecque antique. Le tableau a inspiré le film d'horreur du même nom de Jacques Tourneur

Si vous entrez le mot « chagrin » dans un moteur de recherche en ligne de n'importe quel musée international, il renverra de nombreux résultats. Par exemple, au Royaume-Uni, une recherche de ce mot-clé sur le site Web de la Tate Gallery a renvoyé 143 œuvres d'art sur le thème du deuil et de la souffrance de différentes périodes.

Par exemple, au XVIIIe siècle, les artistes ont commencé à considérer le chagrin et la tristesse à travers le prisme du drame shakespearien. Un sujet de prédilection était la mort de Cordelia, la fille du roi Lear. Au XIXe siècle, la peinture incroyablement détaillée de John Everett Millais, Ophélie (1851-52), pour laquelle le mannequin Elizabeth Siddal a posé plusieurs heures par jour dans la baignoire pendant quatre mois, est une expression visuelle célèbre et hautement poétique du chagrin. Il dépeint une noble danoise de Hamlet de Shakespeare qui est devenue folle de chagrin à cause de son père assassiné et s'est noyée dans un ruisseau.

Le Penseur de Rodin

Ian Jenkins du British Museum pense que The Thinker de Rodin devrait s'appeler The Mourner parce que le personnage posait son menton dans un poing fermé - un signe clair que la personne est retirée et immergée dans son propre chagrin.

Le deuil était un sujet très important pour les artistes à l'époque victorienne, quand une « culture du deuil » complexe était populaire. Dans son Art de la mort (1991), l'historien de l'art Nigel Llewellyn note qu'« une impressionnante culture visuelle de la mort » était une caractéristique du XIXe siècle.

"Femme qui pleure" de Picasso

Au 20e siècle, les artistes ont poursuivi la tradition de leurs ancêtres victoriens d'exprimer leur chagrin dans leurs œuvres. Le meilleur exemple est peut-être La femme qui pleure de Picasso (1937), qui est liée à son tableau épique Guernica de la même année, peint pendant la guerre civile espagnole en réponse à l'avion allemand bombardant une ville basque. Guernica est considérée par beaucoup comme l'expression ultime du deuil collectif du 20e siècle. Bien sûr, il existe de nombreux exemples d'autres peintures du XXe siècle, dont le thème est lié à la tristesse. Par exemple, vous pouvez vous rappeler un petit tableau de Lucian Freud, peint par lui en 1973 - un portrait de sa mère, attristée par la mort de son mari.

"Triptyque" de Francis Bacon

Francis Bacon a peint dans le panneau de gauche du Triptyque (août 1972) son amant George Dyer, qui s'est suicidé

Le Triptyque de Francis Bacon, qui est également exposé à la Tate aujourd'hui, a réussi à toucher à la fois le deuil personnel et public. L'un des soi-disant triptyques noirs de Bacon a été peint après le suicide de son amant George Dyer, dont l'image est visible dans le panneau de gauche. Ainsi, le triptyque est un témoignage inoubliable et très personnel de la souffrance du peintre (qui est d'ailleurs représentée dans le panneau de droite).

Naturellement, deux guerres mondiales au XXe siècle ne pouvaient qu'avoir un impact sur l'art. Les critiques d'art soutiennent que la guerre a eu un effet profond sur la façon dont les artistes ont représenté le chagrin, par rapport au 19ème siècle. Contrairement au deuil victorien, où des familles individuelles ont vécu un deuil individuel, presque toutes les familles d'Europe ont soudainement souffert.

Monuments commémoratifs de guerre

Une conséquence de cela a été un effort officiel du gouvernement pour "créer une culture visuelle appropriée pour le deuil". Les figures funéraires classiques et allégoriques si chères aux Victoriens sont passées de mode. A leur place se trouvaient des monuments commémoratifs de guerre qui mettaient l'accent sur le sacrifice national commun plutôt que sur la perte d'individus.

Le monument commémoratif de guerre du cénotaphe près de Whitehall, à Londres, conçu par Edwin Lutyens, est un exemple archétypal de cette nouvelle approche: au lieu de figures humaines, il y a un cercueil vide qui peut être associé à n'importe quel soldat. Les familles en deuil peuvent l'utiliser comme un symbole universel.

Taryn Simon a réalisé l'installation "Occupation of Loss", à laquelle ont assisté 21 "personnes en deuil professionnelles" de différentes cultures

La versatilité du deuil reste un thème abordé par les artistes contemporains. Plus tôt cette année, la photographe américaine Taryn Simon a reçu des critiques élogieuses pour son installation en direct Occupation of Loss, mise en scène dans une salle souterraine du nord de Londres. Pour l'œuvre, créée à New York en 2016, Simon a invité 21 « personnes en deuil professionnelles » du monde entier, dont l'Albanie, l'Azerbaïdjan, l'Équateur, le Ghana et le Venezuela. Le public a pu écouter chacune de ces femmes.