Quel est le secret des paysages d'artistes célèbres qui chargent le spectateur d'une « énergie sublime »

2024 Auteur: Richard Flannagan | [email protected]. Dernière modifié: 2023-12-16 00:05

Les peintures de paysages sublimes sont l'un des sujets les plus durables et emblématiques de l'histoire de l'art: des flèches oniriques de la Renaissance au romantisme bouillonnant du XIXe siècle et aux expérimentations de la modernité, tout cela suscite un tourbillon d'émotions, à faire soupirer avec délice, se fondant dans l'atmosphère créée par l'artiste.

Le terme « sublime » a été défini par le philosophe Edmund Burke dans son étude de 1757 sur les origines de nos idées du sublime et du beau. Burke a également appelé le sublime rien de moins que l'émotion la plus puissante que l'esprit puisse ressentir - il n'est pas surprenant que les artistes aient cherché à adopter ce style afin de transmettre la beauté du moment capturé.

1. Pieter Bruegel l'Ancien

La peinture de Pieter Bruegel l'Ancien "Fuite en Egypte", 1563, incarne la sublime peinture de paysage de la Renaissance du Nord, combinant des paysages à couper le souffle avec un récit religieux. De minuscules figurines de Marie et Joseph marchent le long d'une falaise dangereuse au premier plan, fuyant la persécution à Bethléem. Le paysage est intimement lié à leur histoire, plongé dans l'obscurité et le danger de l'inconnu. Bruegel a cherché à opposer les zones d'immobilité et de mouvement au sein de cette image unifiée, peignant les rochers et les montagnes comme une constante stable et immobile par rapport au mouvement constant de l'eau, des hommes et des oiseaux. Cet équilibre des contraires entre obscurité/lumière, fragilité/permanence et immobilité/mouvement a joué un rôle majeur dans l'art, où la sublime peinture de paysage est devenue l'une des images les plus durables de tous les temps.

2. Philippe Jacob Lutherburg

L'artiste britannique d'origine française Philip Jacob Lutherburg a peint Avalanche dans les Alpes en 1803, à une époque où les Alpes françaises pittoresques mais dangereuses étaient un exemple de plus en plus populaire du paysage sublime. En plus de la peinture, Philip aimait le théâtre et travaillait au clair de lune en tant que décorateur de théâtre, dont le rôle lui a permis de mettre un drame époustouflant dans ses toiles grâce à un éclairage lumineux, à la profondeur et au mouvement.

Dans sa peinture alpine, des montagnes françaises lointaines commencent à s'effondrer en une avalanche, « crachant » d'énormes nuages de poussière et de fumée sur la scène et assombrissant le ciel au-dessus de leur tête. Un éclair de lumière blanche au centre attire l'attention sur de minuscules silhouettes effrayées de personnes qui ont littéralement gelé devant les pierres qui tombaient autour. L'intrigue de cette image est à la fois belle et terrible, à tel point que le spectateur reste immobile pendant plusieurs minutes, regardant attentivement et avec fascination ce qui se passe.

3. Joseph Mallord William Turner

Blizzard: Hannibal et son armée traversant les Alpes, 1812, incarne la beauté déchirante de l'ère romantique avec des nuages d'orage monstrueux et incurvés qui planent au-dessus des petites personnes ci-dessous. Dédié à Hannibal Barca, commandant de l'armée carthaginoise en 200-100 av. J.-C., le tableau représente les soldats d'Hannibal essayant de traverser les Alpes en 218 av.

Ici, la tempête devient une puissante métaphore de la lutte qui met la vie en danger, alors que des nuages noirs et lourds forment un vortex terrifiant et tourbillonnant qui repousse de minuscules soldats impuissants. Au loin, le soleil est une boule brillante de lumière envoûtante, une lueur d'espoir au milieu de la tragédie de la guerre. Mais à part les références narratives, le paysage de ce sublime Turner est finalement le reflet de la cruauté pure et destructrice de la nature qui menace d'engloutir sans cœur les gens en dessous.

4. Caspar David Friedrich

L'une des peintures de paysage les plus emblématiques et sublimes de tous les temps, Le vagabond au-dessus de la mer de brouillard de l'artiste allemand Caspar David Friedrich, 1817, incarne l'esprit rêveur et idéaliste du romantisme européen. Debout seul sur un grand rocher sombre, le personnage masculin contemple sa place dans l'univers alors que la brume tourbillonne sur des vallées et des montagnes lointaines. Frederick rend le paysage sublime ici comme une localité inhospitalière et incompréhensible, reflétant le charme du 19ème siècle de la nature sauvage et débridée.

Contrairement à d'autres artistes de l'époque, qui cherchaient à créer de petites figures pour souligner la grandeur du paysage, Friedrich donne à sa figure un rôle central, la laissant complètement anonyme, permettant ainsi au spectateur de s'immerger le plus possible dans le mystérieux paysage brumeux..

5. Karl Edouard Biermann

Le mont Wetterhorn de Karl Eduard Biermann, 1830, incarne le style paysager sublime de l'artiste allemand, avec un vaste terrain accidenté entouré d'un éclairage théâtral dramatique. Le premier plan rocheux est soigneusement peint dans des tons riches et sombres de vert et de brun, conduisant le spectateur à une bande d'arbres et de rochers qui disparaissent dans l'ombre noire. À l'arrière-plan, la chaîne de montagnes épique est illuminée par un rayon de soleil, accentuant ses flèches glacées en tant qu'endroit mystique et inaccessible, tandis que les nuages grouillent au-dessus comme s'ils menaçaient de se transformer en tempête.

Comme de nombreux peintres romantiques, Birman souligne l'émerveillement, la surprise et l'échelle terrifiante de la scène en plaçant deux minuscules personnages au premier plan qui permettent au spectateur de s'imaginer à la place des personnages principaux, essayant d'escalader des rochers inégaux et de l'herbe marécageuse, tout en comme une cascade passe devant eux dans les reflets de la lumière.

6. Arnold Böcklin

L'une des peintures de paysage les plus saisissantes jamais créées, L'île des morts par l'artiste allemand Arnold Böcklin, 1880, représente une île imaginaire sortant de la mer contre un ciel sombre. Le tableau a été commandé par une veuve qui a demandé le tableau "pour rêver". En réponse à sa demande, l'artiste a doté son œuvre de notes de mort et de deuil. Au premier plan, une silhouette blanche fantomatique se dirige vers l'île dans un petit bateau à rames à côté d'un objet qui ressemble à un cercueil.

Le rameur est comparé au personnage grec ancien Charon le batelier, qui transportait les âmes des morts de l'autre côté du fleuve Styx jusqu'à Hadès. Des rangées de cyprès sombres et menaçants, traditionnellement associés aux cimetières, s'étendent le long de l'île, et derrière eux des rochers lumineux et déchiquetés clignotent avec des portes et des fenêtres funéraires. Contrairement à de nombreux paysages sublimes, un silence étrange imprègne la scène, lui donnant cette atmosphère profonde et mystérieuse. Böcklin lui-même a même décrit l'œuvre comme « si calme qu'une personne serait effrayée s'il entendait frapper à la porte ».

7. Edvard Munch

Edvard Munch a créé White Night en 1901 dans sa carrière ultérieure, à une époque où il a abandonné la figuration au profit de paysages atmosphériques, mais la même anxiété omniprésente de son art primitif est restée. Cette sublime peinture de paysage représente sa Norvège natale au milieu de l'hiver, regardant à travers des arbres d'une noirceur menaçante un fjord gelé. La forêt d'épicéas forme un bord déchiqueté, tranchant comme une lame de scie, un avertissement de glace dangereuse derrière elle.

Les arbres noirs au premier plan ressemblent à des visages ou à des créatures fantomatiques, mais ils sont à peine visibles sous le couvert de la nuit. Combinant un clair de lune brillant avec ces qualités de danger et de menace, la scène hivernale nocturne de Munch capture la beauté sublime de l'hiver norvégien. Réfléchissant à la façon dont ses scènes de paysage pouvaient combiner l'observation avec un esprit intérieur, Edward a écrit:

8. Axeli Gallen-Kallela

Le lac Keitele par Akseli Gallen-Kallela, 1904, rend le célèbre lac finlandais comme un miroir lumineux envoûtant traversé par les courants de vent en zigzag. Le tableau a été peint à une époque où il y avait un désir croissant d'indépendance dans toute la Finlande. Célébrant la grande faune sauvage du pays, cette sublime peinture de paysage est devenue un puissant symbole du nationalisme et de la fierté finlandais. Bien qu'il n'y ait aucun signe de vie humaine ici, les flux naturels de circulation visibles à travers l'eau étaient une caractéristique bien connue du lac.

Ces ruelles étaient si bien connues dans l'histoire que dans l'ancienne culture finlandaise, elles étaient associées au personnage mythologique Väinämöinen, dont on disait qu'il laissait des ondulations lorsqu'il voyageait sur le lac. Ces représentations subtiles du mouvement portaient un grand symbolisme nationaliste pour Gallen-Kallela, célébrant la beauté mystérieuse et énigmatique de l'ancienne culture finlandaise et ses liens étroits avec la terre. Il les a décrits ainsi:

9. Thomas Moran

Le peintre américain Moran, l'un des chefs de file des écoles d'Hudson et des montagnes Rocheuses, était tellement fasciné par la campagne sauvage dangereusement belle du Colorado qu'il s'est plongé profondément dans la campagne et l'atmosphère environnantes, où avant lui peu de gens osaient peindre plus de trente scènes représentant ce paysage unique et sublime.

Le Grand Canyon du Colorado capture une vision idéalisée et romancée du Grand Canyon, avec des rochers pointus tombant et disparaissant dans la lumière avant de disparaître dans l'horizon lointain alors qu'une tempête imminente s'accélère au-dessus de nos têtes. Les téléspectateurs ont été tellement éblouis par les représentations de Moran de la grande nature sauvage américaine qu'il est aujourd'hui crédité d'avoir influencé la création d'un système de parcs nationaux qui a préservé l'intégrité du paysage majestueux de l'Amérique.

10. Peter Doig

La veste de ski 1994 de l'artiste écossais Peter Doig est un barrage d'énergie et de mouvement enneigés. Basé sur une image photographique d'étudiants skieurs éparpillés sur une montagne japonaise, Doig déforme et dégrade délibérément l'image originale en la coupant en deux au milieu et en les réunissant à nouveau pour créer un étrange effet miroir Rorschach.

Doig est bien connu pour mélanger du matériel photographique avec des signes picturaux, permettant à deux styles contradictoires de jouer l'un avec l'autre, comme le montre cette image, où des arbres soigneusement peints sont entourés de rayures légèrement superposées de rose, de blanc et de vert. Ces transitions de peinture aqueuse suggèrent les propriétés froides et glissantes de la glace et de la neige qui imprègnent l'image et lui confèrent une ambiguïté dangereuse, intensifiant la peur des petits skieurs aux prises avec le terrain escarpé et dangereux qui les entoure.

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