Quel est le secret de l'une des peintures les plus mystérieuses de Remedios Varo, qui a établi un record du monde lors d'une vente aux enchères

2024 Auteur: Richard Flannagan | [email protected]. Dernière modifié: 2023-12-16 00:05

"Harmony" est l'une des œuvres les plus mystérieuses et mystérieuses créées par Remedios Varo. Cette œuvre d'art est si controversée que de nombreux experts tentent encore d'en percer le secret. Et il n'est pas étonnant que le tableau mis aux enchères ait été vendu plus de six millions de dollars, établissant ainsi un nouveau record du monde.

Remedios Varo Uranga est l'un des peintres para-surréalistes de renommée mondiale du 20e siècle. Elle est née en 1908 dans la petite ville d'Angles dans la province de Gérone en Espagne. Son art unique était le résultat d'une éducation et d'une lutte pour la vie, d'une socialisation dans le monde de l'art et de la philosophie, ainsi que d'une partie de son imagination étonnante.

Son père, Rodrigo Varo, était un intellectuel qui a aidé Remedios à développer sa carrière artistique dès son plus jeune âge. Très jeune, Rodrigo a aidé sa fille à développer des compétences techniques en dessin. Il a également encouragé la fille à devenir un penseur indépendant. Il a initié sa fille à la science et à la fiction, en lui achetant des livres d'aventure et de science, et a également encouragé la première pensée philosophique de la fille, qui s'est développée au-delà de ses années.

Sa mère, Ignatia Uranga, était une fervente catholique et était déterminée à envoyer sa fille dans une école du monastère. C'est pour cette raison que le futur artiste a développé une attitude critique envers la religion et s'est opposé à l'idéologie religieuse. Mais finalement Reme a embrassé les idéaux universalistes et libéraux.

Enfant, la fille et sa famille se déplaçaient souvent d'un endroit à un autre: de Cadix à Laras en passant par le Maroc et Madrid. Ces déménagements l'ont initiée à différentes cultures et élargi sa vision du monde, ce qui s'est ensuite reflété dans son travail.

En 1923, alors qu'elle étudie à Madrid, Reme réalise sa première œuvre d'art: elle se peint, ainsi que toute sa famille.

En 1924, elle entre à l'Académie des Beaux-Arts de San Fernando et obtient son diplôme de professeur de dessin six ans plus tard. C'est dans cette académie qu'elle a été initiée au surréalisme, un mouvement culturel et une philosophie qui encourageait la capture de la fonctionnalité réelle de la pensée humaine sans le contrôle de la raison et de la moralité. C'est à cette époque que l'art surréaliste était utilisé pour exprimer le mouvement philosophique.

Avec le déclenchement de la guerre civile espagnole, elle a été forcée de quitter le pays et de s'enfuir à Paris puis à Barcelone. C'est à Paris qu'elle est davantage influencée par le mouvement surréaliste.

L'art de Reme a également été influencé par ses premier et deuxième maris. Son premier mari, Gerardo Lizarraga, était un peintre de renom, et son second, Benjamin Pere, était un poète surréaliste. À Barcelone, où elle a rencontré son deuxième mari, elle a été membre du groupe d'art Logicophobiste, grâce auquel elle a réussi à freiner son imagination et à la traduire en art. Elle est ensuite retournée à Paris mais a été forcée de fuir après avoir été arrêtée pendant l'occupation nazie de la France.

Elle s'installe au Mexique en 1941, et c'est là que l'artiste décide de faire un voyage méconnu et magnifique dans son imaginaire.

Dans le nouveau lieu, elle s'est inspirée des créateurs et génies locaux, comme Diego Rivera, ainsi que des exilés et des expatriés, par exemple, Jean Nicollo et Walter Grün. Grün, une Autrichienne victime des camps de concentration en Europe, fut une grande inspiration pour le futur artiste célèbre. Il l'a encouragée à travailler sur son art, et en 1949, le style de Remedios avait mûri. Sur ses cent quarante œuvres d'art, cent dix sont nées au Mexique.

Reme n'était pas seulement un surréaliste, mais aussi un anarchiste. Elle croyait que l'État est un mal inutile qui s'oppose au comportement des relations humaines. Ses réflexions philosophiques sur l'État sont peut-être le résultat de son expérience de vie en Europe. Cette philosophie se reflète dans son style artistique isolationniste.

Le féminisme était une autre école de pensée qui a influencé le style artistique de l'artiste. Pendant son temps en tant que peintre surréaliste, les surréalistes masculins ne considéraient pas leurs homologues féminines comme talentueuses. Cela a créé un environnement dans lequel les femmes artistes étaient isolées. Les talents incompris des femmes se reflètent dans son travail sous la forme d'images de femmes tristes dans des lieux isolés et fermés. C'est ainsi qu'elle a réagi à l'injustice des femmes dans le monde de l'art de l'époque.

Le style artistique de Varo était unique; d'autres l'ont décrit comme troublant. Elle a su capter la surprise dans son art, ainsi que les juxtapositions inattendues. Son style surréaliste unique est devenu une marque de fabrique, car les principales héroïnes de ses œuvres étaient des femmes du 20e siècle. Elle a dépeint de mystérieux personnages solitaires et mystiques impliqués dans des activités scientifiques. Cela était en grande partie dû à la clémence scientifique de son père à un âge précoce. Varo a utilisé l'imagination et le concept de magie dans son art, ainsi que des symboles androgynes qui imitent ses traits physiques, tels que de grands yeux, un nez aquilin et des visages en forme de cœur, se retrouvent souvent dans son art et ressemblent à ses propres traits du visage.

L'art utilisait également des personnages autobiographiques qui semblaient être retenus par des forces inconnues. C'était une réaction à la marginalisation des femmes dans le monde de l'art, car elle révélait le complexe de supériorité masculine surréaliste. Ce que l'on retrouve également souvent dans son travail, c'est l'utilisation de créatures mythiques, d'alchimie, de vortex brumeux et de véhicules utopiques qui peuvent traverser la terre, l'air et l'eau avec des voiles, des engrenages et des transmissions sensibles à des énergies plus élevées. L'attitude inhabituelle de son art reflète la passivité, la contemplation, l'instabilité et le symbolisme. Ceux qui regardent d'assez près ses œuvres peuvent saisir et apprécier cette incroyable imagination.

Mais, peut-être, l'une des œuvres les plus remarquables de l'artiste est une peinture intitulée "Harmony". Cette pièce montre à quel point l'inconscient est essentiel à la création artistique ainsi qu'à l'intégrité de la conscience humaine.

La première chose qui attire l'attention du spectateur est la figure de l'alchimiste-compositeur androgyne.

Il sort divers objets du coffre: des feuilles, des fleurs, des coquillages, des formes géométriques transparentes et des bouts de papier avec des nombres mathématiques écrits à la main, qu'il enfile sur une partition musicale stéréoscopique. L'expression du visage du compositeur suggère qu'il est distrait, comme à moitié endormi. Cet état d'esprit de demi-sommeil a permis à une figure féminine d'émerger du papier peint, qui, inaperçue du compositeur, aide à répartir et à ajuster les objets sur la partition musicale.

Dans ses œuvres, Varo a utilisé à plusieurs reprises le motif d'une figure humaine surnaturelle émergeant des murs pour exprimer la surprise d'une révélation soudaine ou d'une percée à la suppression omniprésente, par exemple, dans Renaissance, A Visit to the Past, The Appearance of Light et Ancêtres (peur).

Mais dans le cas d'Harmonie, la figure du mur apparaît avec un air calme et gracieux. En fermant les yeux, elle comble le vide conscient de l'esprit et améliore la musique, qui pour Varo est un symbole fréquent d'intégrité.

L'inconscient est dépeint comme le travail doux de l'esprit, qui travaille silencieusement avec la conscience et complète ainsi son intégrité.

Dans Harmony, Reme a visualisé les nombreuses couches de l'inconscient et son intersection avec la conscience. La composition de l'image commence par le premier plan, où le compositeur est assis avec une figure dans le mur, puis progressivement l'image se déplace dans les profondeurs lointaines, où une figure similaire dans le mur travaille seule. Puis le regard se porte sur la bibliothèque au fond, le lit, les fenêtres et le vide rouge à l'extérieur, puis revient sur la porte par laquelle s'envole l'oiseau, et les dalles du sol, écartées par les tissus et les plantes.

Tout d'abord, la figure de fond s'élevant du mur travaille sur l'œuvre apparemment interrompue du compositeur, représentant à nouveau le fonctionnement invisible de l'inconscient, ainsi que la croyance de Varo en l'animisme, qui fait référence à certains êtres non humains, qu'il s'agisse d'animaux, de plantes, ou des choses en question. de nombreuses sociétés comme ayant des caractéristiques que la rationalité traditionnelle occidentale ou euro-américaine associe exclusivement aux êtres humains, mettant l'accent sur la spiritualité de tous les objets du monde, même du papier peint.

À côté de la deuxième figurine murale se trouvent une étagère et un lit. Placer un lit sur une étagère peut être vu comme un jeu sur la relation entre le conscient et l'inconscient, où la civilisation et la connaissance doivent soutenir le sommeil, la forme la plus évidente de l'inconscient.

Les doubles lucarnes, ainsi que le lit rouge et incurvé, forment l'image des yeux et des lèvres du visage, soulignées en rouge, qui peuvent être interprétées comme la sensualité inconsciente de l'esprit humain.

Sur le côté droit de la pièce se trouve une porte donnant sur l'extérieur, remplie d'un vide brunâtre, dont le brouillard s'infiltre dans le bureau. L'oiseau, dont la couleur bleu grisâtre correspond à l'intérieur du bureau, s'envole dans un brouillard brun, symbolisant l'inconscient. Ce contraste de couleurs vives entre l'intérieur et l'extérieur peut être lu comme l'intersection de différents niveaux de conscience. Le papier peint gris d'exploration, représentant un niveau de l'inconscient, mène plus loin, à des niveaux plus profonds, représentés par la zone extérieure brune. Un autre indice du jeu de Varo à différents niveaux de conscience et d'inconscience est exprimé par une chaise rouge placée dans le coin le plus à droite de la pièce, avec un nid d'oiseaux jaillissant de son oreiller sur le dos.

Encore une fois, il y a un contraste clair entre les rouges et les gris. Un nid d'oiseau sur un coussin de dossier déchiré insuffle un charme fantaisiste. L'emplacement du nid d'oiseau est inattendu et contre nature, car le dossier d'une chaise est à peine là où le nid peut généralement être vu. Mais quoi de plus naturel que ce que l'oiseau trouve là où il est possible de nicher ? Souvent, les animaux aménagent confortablement leurs habitations dans des objets abandonnés par les humains. Cette image particulière est intéressante dans le sens où elle utilise les instincts de survie des animaux comme représentation des caractéristiques inexplicables et inévitables de l'inconscient. La représentation d'objets divisant les surfaces d'une chaise comme un défi au concept d'espace est un thème récurrent dans l'œuvre de Varo, provoquant un léger choc dans l'esprit du spectateur et l'incitant à considérer cette illusion comme une représentation de l'inconscient, soulignant son importance dans la formation d'une conscience humaine intégrale.

Une autre visualisation de l'existence imperceptible de l'inconscient est constituée de morceaux de tissu gris, rappelant celui porté par une figure murale, rampant dans le bureau sous les carreaux, à côté de plusieurs pousses de plantes. L'image de vignes et de tissus végétaux envahissant silencieusement l'espace de la conscience peut être déconcertante et dérangeante, car elle crée un sentiment de conscience invisible et incontrôlable qui pèse sur la partie consciente de l'esprit. Le rôle de la plante envahissante est parallèle au papier peint symbolisant l'inconscient. D'une part, cela est imperceptible pour le compositeur, qui est complètement concentré sur sa conscience et reste en dehors du foyer principal de l'ensemble du tableau, et d'autre part, démontre son existence indéniablement significative, captivant silencieusement l'espace.

Sans surprise, cette œuvre d'art énigmatique et véritablement mystique a récemment été vendue aux enchères pour plus de 6 millions de dollars, soit plus que son coût initial estimé de 3 millions de dollars.

En 1963, le monde de l'art perd un talent important avec la mort de Remedios. Elle est décédée d'une crise cardiaque, que beaucoup attribuent à un effort excessif. Malgré la mort de cette grande artiste, son travail est toujours apprécié au Mexique et aux États-Unis. Bien qu'elle considère l'Amérique latine comme un refuge temporaire, c'est là que sa carrière s'est épanouie et c'est ici qu'elle a rendu son dernier souffle. Après sa mort, Grün, qui était son partenaire au Mexique, a travaillé pour que ses peintures voient le jour. Il a acheté plusieurs de ses œuvres aux enchères après sa mort et en a fait don au Musée d'art moderne de Mexico en 1999. uvre d'art restée dans l'atelier Remedios, la nature morte Renaissance est présentée à sa mère.

Par conséquent, il serait juste de dire que la vie de Remedios était une aventure, à la fois de voyage et d'imagination, partagée par le monde entier à travers l'art. Ceux qui cherchent à regarder de plus près peuvent comprendre ses lignes et son symbolisme. Malgré le fait qu'elle ne soit pas là aujourd'hui, Remedios Varo vit toujours de son art.

Pour savoir comment et combien ils sont prêts à payer pour le travail qu'ils aiment, lisez l'article suivant.