Comment 7 grands peintres expressionnistes ont conquis le monde, dont les œuvres sont appréciées dans le monde entier : Munch, Kandinsky, etc

2024 Auteur: Richard Flannagan | [email protected]. Dernière modifié: 2023-12-16 00:05

Le travail des artistes expressionnistes est un mystère si difficile à résoudre, et les images qu'ils créent sont si multiformes et contradictoires qu'en les regardant, il y a une place pour l'imagination. L'accent mis sur les couleurs, les lignes brisées et les traits déchirés n'est qu'une petite partie de ce qui, dès les premières secondes, attire l'attention du spectateur, l'attirant dans le monde excentrique de l'art, où tout n'est pas aussi simple qu'il n'y paraît à première vue., parce que chaque tableau a sa propre histoire, et chaque artiste a son propre style inégalé et reconnaissable, qui est devenu une carte de visite depuis des siècles…

1. Edvard Munch

Edvard Munch, qui n'a jamais été marié, appelait ses peintures ses enfants et détestait être séparé d'eux. Vivant seul dans son domaine près d'Oslo pendant les vingt-sept dernières années de sa vie, de plus en plus vénéré et de plus en plus isolé, il s'est entouré d'un travail qui remonte au début de sa longue carrière. Après sa mort en 1944, à l'âge de quatre-vingts ans, les autorités trouvèrent derrière des portes fermées au deuxième étage de sa maison une collection de plus de mille tableaux, quatre mille cinq cents dessins et près de quinze mille cinq cents estampes, ainsi que ainsi que des gravures sur bois, des eaux-fortes, des lithographies, des pierres lithographiques, des gravures sur bois, des plaques de cuivre et des photographies. Cependant, dans l'ironie finale de sa vie difficile, Munch est aujourd'hui connu comme le créateur d'une image qui a éclipsé sa réussite globale en tant qu'artiste et graveur pionnier et influent.

Son cri est une icône de l'art moderne, une peinture représentant une créature asexuée et noueuse avec un visage fœtal, la bouche grande ouverte et les yeux grands ouverts dans un cri d'horreur, recréant une vision qui l'a saisi un soir de sa jeunesse alors qu'il marchait avec deux amis. Sur le coucher du soleil.

A Ackley, il se lance dans la peinture de paysage, représentant la campagne et la vie à la ferme autour de lui, d'abord dans des couleurs gaies, puis dans des couleurs plus sombres. Il est également revenu à ses images préférées, créant de nouvelles versions de certaines des peintures.

Dans les dernières années de sa vie, l'artiste a soutenu financièrement les membres survivants de sa famille et a communiqué avec eux par courrier, préférant ne pas leur rendre visite. Il a passé la plupart de son temps seul, décrivant la souffrance et l'humiliation de ses années avancées. Lorsqu'il a été frappé par la grippe presque mortelle pendant la Grande Pandémie, il a capturé sa silhouette maigre et barbue dans une série d'autoportraits dès qu'il a pu prendre un pinceau.

De plus, il a peint un certain nombre d'autoportraits, sur l'un d'eux intitulé "Entre l'horloge et le lit", datant de 1940-1942, peu avant sa mort, le spectateur voit ce qu'est devenu un homme qui, comme il l'écrit, a pris du retard sur "Danse de la vie".

Gelé et maladroit physiquement, il se tient pris en sandwich entre l'horloge de son grand-père et le lit, comme s'il s'excusait d'avoir pris autant de place. Sur le mur derrière lui se trouvaient ses « enfants », l'un au-dessus de l'autre. En tant que parent dévoué, il a tout sacrifié pour eux…

2. Vassily Kandinsky

L'un des pionniers de l'art abstrait contemporain, Wassily Kandinsky a utilisé la relation évocatrice entre la couleur et la forme pour créer une expérience esthétique impliquant la vue, le son et les émotions du public. Il croyait que l'abstraction complète permet une expression profonde et transcendantale et que la copie de la nature ne fait qu'interférer avec ce processus.

Fortement inspiré par la création d'art qui transmettrait un sens universel de la spiritualité, il a introduit un nouveau langage pictural qui n'était que vaguement lié au monde extérieur, mais exprimait beaucoup sur l'expérience intérieure de l'artiste. Son vocabulaire visuel s'est développé en trois étapes, passant des premières toiles figuratives et de leur symbolisme divin à ses compositions enthousiastes et lyriques, ainsi qu'à ses représentations plus tardives, géométriques et biomorphiques en couleurs plates. L'art et les idées de Vasily ont inspiré des générations d'artistes, de ses étudiants du Bauhaus aux expressionnistes abstraits d'après la Seconde Guerre mondiale.

3. Egon Schiele

Avec son style graphique caractéristique, embrassant la distorsion figurative et le défi audacieux des normes de beauté conventionnelles, Egon Schiele était l'une des figures de proue de l'expressionnisme autrichien.

Ses portraits et autoportraits, études brûlantes de la psyché et de l'intimité de ses modèles, comptent parmi les œuvres les plus marquantes et les plus mémorables du XXe siècle. L'artiste, remarquablement prolifique au cours de sa courte carrière, est célèbre non seulement pour son œuvre riche sur le plan psychologique et érotique, mais aussi pour sa biographie intrigante: son mode de vie licencieux est marqué par le scandale, la notoriété et une mort tragiquement précoce de la grippe à l'âge de vingt-huit, trois jours plus tard, après la mort de sa femme enceinte, et à une époque où il était au bord d'un succès commercial qui lui a échappé pendant la majeure partie de sa carrière.

Egon était une figure clé dans le développement de l'expressionnisme en peinture. Il a écrit un nombre phénoménal d'autoportraits et réalisé plus de trois mille dessins. Son travail a souvent un contenu émotionnel intense en plus d'une exploration franche du corps humain. Il a travaillé aux côtés de Gustav Klimt et Oskar Kokoschka, d'autres artistes autrichiens clés de l'époque.

La carrière artistique courte mais fructueuse d'Egon, le contenu érotique explicite de son travail et les accusations de harcèlement intime ont fait de lui le sujet de nombreux films, essais et spectacles de danse, et le Musée Léopold de Vienne possède la plus grande collection d'œuvres de Schiele: plus de deux cents expositions.

4. Marc Chagall

Les œuvres de Chagall sont ancrées dans son héritage juif, comprenant souvent des souvenirs de sa maison à Vitebsk, en Biélorussie, et de sa culture populaire. En règle générale, l'artiste est toujours revenu sur ces thèmes. Certains prétendent que son style de peinture d'après-guerre était plus sobre, mélancolique, voire remonté dans le temps au post-impressionnisme, mais, comme toujours, son travail était tout à fait unique, réalisé dans son propre style inimitable. Mark a combiné des éléments de nombreuses écoles d'art moderne tout au long de sa carrière, notamment le cubisme, le fauvisme, le symbolisme, le surréalisme, l'orphisme et le futurisme. Cependant, son travail a révélé des niveaux plus profonds d'esthétique émotionnelle lyrique, de musique et de culture, une compréhension profonde et intérieure de l'héritage juif.

En 1985, Chagall meurt et est enterré en France. Au moment de sa mort, il a laissé derrière lui un certain nombre de ses vastes collections dans divers domaines et styles d'art. Le travail de Mark démontre une compréhension magistrale de la couleur et une profonde résonance émotionnelle, ce qui est peut-être la raison pour laquelle son travail est toujours si populaire aujourd'hui.

Sa contribution au monde de l'art du 20e siècle est celle que très peu d'artistes peuvent revendiquer.

5. Paul Klee

Paul était ambitieux et idéaliste, mais restait discret et calme. Il croyait en l'évolution organique progressive des événements plutôt qu'en forçant le changement, et son approche systématique du travail faisait écho à cette approche méthodique de la vie.

Il était principalement dessinateur (gaucher d'ailleurs). Ses dessins, parfois très enfantins, étaient très précis et maîtrisés.

Klee était un fin observateur de la nature et des éléments naturels, qui était pour lui une source d'inspiration inépuisable. Il obligeait souvent ses élèves à observer et à dessiner des branches d'arbres, le système circulatoire humain et des aquariums avec des poissons afin d'étudier leur mouvement.

Ce n'est qu'en 1914, lorsque Paul se rend en Tunisie, qu'il commence à comprendre et à explorer la couleur. De plus, il s'inspire dans ses études de la couleur de son amitié avec Kandinsky et des œuvres de l'artiste français Robert Delaunay. Paul a appris de Delone ce que la couleur peut être lorsqu'elle est utilisée de manière purement abstraite, quel que soit son rôle descriptif.

L'artiste a également été influencé par ses prédécesseurs tels que Vincent Van Gogh, Henri Matisse, Picasso, Kandinsky, Franz Marc et d'autres membres du groupe Blue Rider, qui pensaient que l'art devait exprimer le spirituel et le métaphysique, et pas seulement ce qui est vu et tangible.

Tout au long de sa vie, la musique a eu une grande influence, se manifestant dans le rythme visuel de ses images et dans les notes saccadées de ses accents de couleurs. Il a créé une image très similaire à la façon dont un musicien joue un morceau de musique, comme s'il rendait la musique visible ou l'art visuel audible.

L'héritage artistique de Klee est immense, même si nombre de ses successeurs ne citent pas ouvertement son travail comme source ou influence évidente. Même du vivant de Paul, les surréalistes ont découvert que sa juxtaposition apparemment aléatoire de textes, de signes abstraits et de symboles réducteurs suggère comment l'esprit en état de sommeil recombine des objets du quotidien disparates et donne ainsi une nouvelle compréhension de la façon dont l'inconscient a du pouvoir même sur la réalité. du réveil…

La réputation de l'artiste s'est considérablement accrue dans les années 1950, lorsque, par exemple, les expressionnistes abstraits ont pu voir son travail dans des expositions à New York. L'utilisation de signes et de symboles par Paul intéressait particulièrement les artistes de l'école de New York, en particulier ceux qui s'intéressaient à la mythologie, à l'inconscient et au primitivisme (ainsi qu'à l'art de l'auto-éducation et à l'art des enfants). L'utilisation de la couleur par Klee comme moyen expressif d'exprimer les émotions humaines en soi a également attiré des artistes ayant une préférence pour une palette de couleurs riche, tels que Jules (Jules) Olitzky et Helen (Helene) Frankenthaler.

6. François-Marc

Figure de proue du mouvement expressionniste allemand, Mark a contribué à redéfinir la nature de l'art. Le mouvement expressionniste était connu pour son intérêt pour la spiritualité et le primitivisme, ainsi que pour son utilisation de l'abstraction. Franz a incorporé son amour de la théologie et des animaux dans son travail pour créer une vision alternative et plus spirituelle du monde. Il dépeint le monde à travers les yeux des animaux, qu'il utilise pour mettre en évidence des aspects de la modernité qu'il considère défavorablement. Mais ses œuvres ultérieures sont également allées au-delà des formes de représentation vers l'abstraction pure, ouvrant la voie à la prochaine génération d'artistes.

Bien que sa carrière ait été courte, ses formes linéaires expressives et son utilisation symbolique de la couleur ont eu une influence durable sur les mondes de l'abstraction et de l'expressionnisme. Cependant, des artistes tels que Jackson Pollock et Willem de Kooning peuvent être appelés ses descendants. Ces artistes ont été inspirés par la capacité de Mark à évoquer des sentiments d'émotion avec son intérêt pour le spirituel et le primitif, ainsi que son utilisation de couleurs vibrantes. Les expressionnistes abstraits se sont inspirés des contributions de Franz pour créer des peintures mettant l'accent sur des formes plus minimales et généralisées, en se concentrant principalement sur l'expression linéaire et la couleur.

Ces nouvelles approches de l'expressionnisme ont cherché à mettre en évidence les luttes personnelles des artistes avec les changements qui ont eu lieu après la fin de la Seconde Guerre mondiale. Les générations ultérieures d'expressionnistes, tels que les peintres de champs de couleur qui ont amené l'expressionnisme à son état le plus minimaliste et simpliste, peuvent être considérées comme les descendants de Mark et de ses contemporains. En effet, Franz Marc, en tant que l'un des fondateurs de l'expressionnisme allemand, a joué un rôle déterminant dans la définition du modernisme au XXe siècle et au-delà.

7. Van Gogh

Des exemples illustratifs de la large influence de Van Gogh peuvent être vus tout au long de l'histoire de l'art. Les fauves et les expressionnistes allemands ont travaillé immédiatement après Van Gogh et ont adopté son utilisation subjective et spirituellement inspirée de la couleur. Les expressionnistes abstraits du milieu du 20e siècle ont utilisé les coups de pinceau expressifs et rapides de Van Gogh pour montrer l'état psychologique et émotionnel de l'artiste. Même les néo-expressionnistes des années 1980 comme Julian Schnabel et Eric Fischl ont une dette envers la palette et le pinceau expressifs de Van Gogh.

Dans la culture populaire, sa vie a inspiré la musique et de nombreux films, dont Lust for Life de Vincent Minnelli (1956), qui explore la relation volatile entre Van Gogh et Gauguin. Au cours de sa vie, Van Gogh a créé neuf cents tableaux et réalisé mille cent dessins et croquis, mais au cours de sa carrière, il n'a vendu qu'un seul tableau. L'artiste n'a pas eu d'enfants et la plupart de ses œuvres sont allées à son frère Théo.

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