Comment les peintures les plus célèbres du monde ont été créées : histoires intrigantes de peintures de grands artistes

2024 Auteur: Richard Flannagan | [email protected]. Dernière modifié: 2023-12-16 00:05

Grigory Landau, journaliste et philosophe, a dit un jour: « L'art est un dialogue dans lequel l'interlocuteur se tait. La peinture est un art subtil, allégorique, émotionnel, donnant une liberté d'interprétation. C'est tout un monde de secrets non résolus et de mystères non résolus. Essayons d'ouvrir le voile du secret sur l'histoire de la création des tableaux les plus célèbres des grands artistes.

#1. Saint Georges et le Dragon, Paolo Uccello, 1470

En fait, l'artiste a deux versions de ce tableau. Dans cette version, George bat le dragon, que la Belle Dame tient par la laisse. La peinture a une profonde signification religieuse. Selon la légende, un dragon s'est installé dans le lac d'une ville de Libye. L'empereur païen ordonna de lui sacrifier de belles filles. Quand il n'y avait plus de jeunes femmes dans la ville, l'empereur envoya sa propre fille au dragon. Le brave guerrier George est allé la sauver et a vaincu le dragon. La princesse symbolise ici l'Église chrétienne persécutée, le dragon - le paganisme et George - la foi chrétienne. Il existe des versions selon lesquelles George, reconnu plus tard comme un saint, piétine non seulement le paganisme, mais le diable lui-même, l'"ancien serpent".

# 2. Jaime La Couleur, Cherie Samba, 2003

"J'aime la couleur" est un autoportrait de l'artiste. Voici comment il révèle le sens de son travail: « La couleur est partout. Je crois que la couleur c'est la vie. Notre tête doit tourner en spirale pour comprendre que tout ce qui nous entoure n'est que couleurs. La couleur c'est l'univers, l'univers c'est la vie, la peinture c'est la vie."

# 3. Baignoire, Jean-Léon Gérôme, 1885

Les experts pensent que cette image et une série d'autres similaires dans l'œuvre de Jérôme symbolisent le snobisme "blanc". Cela peut être vu à partir de la dynamique des figures représentées sur la toile. La femme blanche est le sujet dominant, tandis que la femme noire est soumise.

#4. Jardin des délices, Hieronymus Bosch, 1490-1510

Hieronymus Bosch est l'un des artistes les plus mystérieux au monde. Le symbolisme de ses peintures est si confus qu'il est tout simplement impossible de trouver une seule explication au grand nombre de symboles qui y sont représentés. Cette œuvre particulière tire son nom des critiques d'art qui l'ont étudiée. Le nom d'origine est resté inconnu. Les historiens pensent que le panneau de gauche du triptyque est le paradis, le panneau central est la vie humaine pécheresse moderne et le panneau de droite représente l'enfer. Mais l'image soulève beaucoup plus de questions qu'elle n'apporte de réponses.

#5. Sharpie, Caravage, 1594

Cet ouvrage n'est pas du tout une caricature du vice du jeu sale. C'est plutôt un récit calme dont le Caravage était bien conscient. Après tout, l'artiste lui-même a mené sa vie de manière très frivole et même violente. L'intrigue se résume à décrire un drame qui se déroule - un drame de tromperie et d'innocence perdue. La jeunesse naïve a été mise en circulation par des affûteurs expérimentés. L'aîné jette un coup d'œil à ses cartes et fait signe à un autre tricheur.

# 6. Watson et le requin, John Singleton Copley, 1778

La photo montre un cas de la vraie vie. En 1749, à La Havane, Brooke Watson, un garçon de cabine de 14 ans, décide de se baigner. Un requin l'a attaqué. Le capitaine du navire sur lequel le garçon a servi, tente de le sauver en tuant le requin avec un harpon. Le capitaine n'y réussit qu'à la troisième tentative. Watson, dans cette bataille inégale, a perdu son pied. Toute sa vie il marcha alors avec une jambe de bois. Cela ne l'a pas empêché de devenir maire de Londres. Parallèlement, il rencontre l'artiste et lui raconte cette histoire. Ce qui a inspiré John Copley.

# 7. Composition VIII de Vassily Kandinsky, 1923

Dès l'enfance, Kandinsky était fasciné par la couleur. L'artiste croyait avoir des propriétés transcendantales. Kandinsky a écrit ses compositions en tant que compositeur d'une symphonie. Chaque composition reflétait la vision de l'artiste à sa propre époque. Kandinsky a utilisé des formes géométriques dans ses œuvres, car il croyait en leurs propriétés mystiques. Les couleurs des personnages reflétaient les émotions.

#huit. Saturne dévorant un fils, Francisco Goya, 1823

À un âge avancé, Goya est devenu sourd et sa santé en général, tant physique que psychologique, s'est détériorée. C'est à cela que les historiens associent son écriture à une série de 14, comme on les appelait "Gloomy Pictures". Qu'il a peint à l'intérieur sur les murs de sa maison. "Saturne dévorant un fils" en fait partie. Il s'agit d'un mythe grec ancien bien connu sur le titan Kronos (plus tard les Romains l'ont renommé Saturne). Cronos a été dit qu'il serait renversé par son propre fils. Et Saturne a mangé tous ses nouveau-nés. Dans Goya, Saturne est dépeint comme un vieil homme terrible et à moitié fou qui ne mange pas un bébé, mais un enfant adulte. Il existe de nombreuses interprétations de la signification de cette toile. Mais le plus important est que l'artiste ne l'a pas écrit pour le public. Peut-être que de cette façon, Goya essayait d'exorciser ses propres démons.

#neuf. Le cerf à Sharkey, George Wesley Bellows, 1909

L'artiste a représenté une scène courante de la vie quotidienne à New York au début du 20e siècle. Un club de combat privé comme celui qui était généralement situé dans les quartiers pauvres. Les étrangers qui n'étaient pas membres du club y étaient appelés "cerfs". Ils ont reçu une adhésion temporaire afin de se battre. Bellows a peint le tableau de telle manière qu'en le regardant, on a l'impression d'être parmi les spectateurs de la bataille.

#Dix. Un ami dans le besoin, Cassius Marcellus Coolidge, 1903

"A Friend in Need" est le film le plus populaire de la série Dogs Playing Poker de Cassius Marcellus Coolidge. Cette série a été commandée par Coolidge par Brown & Bigelow pour faire la publicité des cigares. Bien que les peintures de Coolidge n'aient jamais été considérées comme un véritable art par les critiques, elles sont depuis devenues emblématiques.

#Onze. Les mangeurs de pommes de terre, Vincent Van Gogh, 1885

Van Gogh voulait dépeindre les paysans tels qu'ils sont réellement. Il voulait montrer un mode de vie complètement différent, différent des classes supérieures. Il écrivit plus tard à sa sœur et déclara que The Potato Eaters était son tableau le plus réussi.

#12. Le Radeau de Méduse, Théodore Géricault, 1819

La toile "Raft of Medusa" ("Le Radeau de la Méduse") représente les séquelles de l'effondrement de la frégate de la marine française "Medusa". Certaines personnes s'installent dans les bateaux, pour les 147 personnes restantes, un radeau a été construit à la hâte. Les bateaux remorquaient le radeau. Mais, le capitaine, constatant que le radeau était trop lourd, ordonna de couper les cordes. Près d'une centaine de personnes ont été livrées à elles-mêmes, sans eau ni nourriture. Pendant 13 jours de leur voyage sur un radeau, avec un espoir fantomatique de salut, sur 147 personnes ont survécu 15. Fous de faim et de soif, les gens se sont mangés et ont bu du sang. La France a voulu étouffer cette histoire honteuse, mais elle était trop flagrante et elle n'a pas réussi.

#13. Transporteurs de barges sur la Volga, Ilya Repin, 1873

Cette œuvre est la plus célèbre d'Ilya Repin. L'image est devenue un culte. Le travail que l'artiste a réalisé était sérieux. Repin a rencontré personnellement tous les transporteurs de barges représentés dans la peinture. L'artiste a écrit des centaines de croquis et a passé 5 ans sur ce travail. Tant les historiens que les contemporains considèrent la peinture comme une condamnation directe du dur labeur des classes opprimées. Bien que, Repin a toujours nié cette opinion.

#Quatorze. Susanna et les Anciens, Artemisia Gentileschi, 1610

Susanna and the Elders est une histoire biblique de l'Ancien Testament. Pendant le règne de l'empereur Nabuchodonosor, le peuple juif est tombé en esclavage aux Babyloniens. Parmi eux se trouvaient Susanna avec son mari Joachim. La femme possédait une beauté surnaturelle et deux anciens la désiraient. Ils l'ont menacée que si Susanna n'était pas gentille avec eux, ils diraient aux gens qu'elle était adultère. La femme a refusé et les anciens ont exécuté leurs menaces. Elle a été condamnée à mort en vertu de la loi juive. Mais alors le jeune prophète Daniel est intervenu. Il a eu l'idée d'interroger les hommes, d'abord séparément, puis ensemble. Leurs versions ne coïncidaient pas, la calomnie a été révélée. Susanna a été acquittée et les anciens ont été exécutés. Il est très remarquable que l'artiste n'avait que 17 ans lorsqu'elle a peint ce tableau. Pour Artemisia elle-même, elle est devenue prophétique, car, plus tard, une histoire similaire lui est arrivée.

#15. Clinique Gross, Thomas Eakins, 1875

L'intrigue de cette image est basée sur une opération dont a été témoin Eakins. Elle a été réalisée par l'un des meilleurs chirurgiens d'Amérique, le Dr Samuel Gross. L'opération s'est déroulée en classe devant les élèves dans un but pédagogique. Le médecin a montré comment traiter l'infection par une opération conservatrice, plutôt que par l'amputation de tout le membre (ce qui était la norme à l'époque). La toile dépeint la réalité sans fioriture: à la fois le professionnalisme calme de Gross et la souffrance de la femme dans le coin inférieur gauche. Les chercheurs pensent que la mère du patient. Les critiques et les téléspectateurs ont jugé le travail, au grand désarroi d'Eakins, extrêmement négatif. Les gens contemplant sereinement les complots de batailles sanglantes n'étaient pas prêts à contempler le réalisme d'une opération médicale.

#16. Le vagabond au-dessus de la mer de brouillard, Caspar David Friedrich, 1818

"Wanderer over the sea of fog" ("Der Wanderer über dem Nebelmeer") est une toile où l'artiste est resté fidèle à son style romantique. Sur la photo, Friedrich s'est représenté, debout seul, dos au spectateur sur un rocher sombre et escarpé. "Le vagabond au-dessus de la mer de brouillard" est une métaphore. Il s'agit d'une réflexion sur soi, d'un futur inconnu. Friedrich a dit à propos de ce travail de cette façon: « Un artiste doit dessiner non seulement ce qui est devant lui, mais aussi ce qu'il voit à l'intérieur de lui-même. # 17. Les Moissonneurs, Jean-François Millet, 1857

Le tableau Des glaneuses représente trois paysannes ramassant les épillets restants après la récolte d'un champ. Le dur et humble travail des paysans suscita la sympathie de l'artiste. Ce sont ces émotions qui ont été exprimées dans l'image. Mais dans la société, le travail a attiré des critiques négatives des classes supérieures. La France a récemment connu une révolution et la noblesse a trouvé cette image un rappel désagréable que la société française est construite sur le travail des classes inférieures. Et comme à cette époque la classe ouvrière était plus nombreuse que la classe supérieure, ils craignaient que le tableau, d'une manière ou d'une autre, pousse la classe inférieure à se révolter.

#dix-huit. Le cri, Edvard Munch, 1893

Le Cri est l'un des chefs-d'œuvre les plus mystérieux de la peinture mondiale. Munch a dit qu'il était une fois sorti se promener au coucher du soleil. La lumière du soleil couchant colorait les nuages d'un rouge sang. Et Munch a soudainement entendu, ressenti, comme il l'a dit, "le cri sans fin de la nature". Une autre explication pourrait être le résultat de l'état émotionnel de Munch, car sa sœur a récemment été envoyée dans un asile d'aliénés. Ce tableau a été kidnappé à plusieurs reprises. L'intrigue peut être qualifiée de prophétique: à la fin du XIXe siècle, Munch décrit les catastrophes du XXe siècle.

#19. La grande vague de Kanagawa, Katsushika Hokusai, 1829 - 1833

La composition se compose de trois éléments principaux: une mer agitée, trois bateaux et une montagne. La montagne enneigée est le mont Fuji, que les Japonais considèrent comme sacré. C'est un symbole de l'identité nationale et de la beauté. De tels jeux d'espace et de couleurs vives, inhabituels pour la peinture asiatique. L'image symbolise la peur d'une personne d'un élément indomptable et une soumission forcée à celui-ci.

#vingt. La Nuit étoilée, Vincent Van Gogh, 1889

"Starry Night" est un chef-d'œuvre qui, après l'avoir vu une seule fois, vous ne l'oublierez plus jamais. L'artiste l'a peint alors qu'il était dans un hôpital pour malades mentaux. Ces ruisseaux tourbillonnants, ces énormes étoiles… Certains pensent que Van Gogh a représenté une vue depuis la fenêtre. Mais les malades n'avaient pas le droit de sortir dans la rue, il leur était même interdit de travailler dans la salle. Le frère de Vincent a demandé à la direction de l'hôpital de lui donner une chambre pour qu'il puisse écrire. Les chercheurs pensent que Van Gogh a représenté dans sa peinture un phénomène tel que la turbulence - un vortex s'écoule de l'eau et de l'air. Cela ne se voit pas, mais la perception accrue de l'artiste l'a aidé à voir ce qui est caché aux yeux du commun des mortels. 10 chefs-d'œuvre disparus et retrouvés de grands maîtres. Basé sur les matériaux