7 chefs-d'œuvre de l'Ermitage qui valent le détour en 2020

2024 Auteur: Richard Flannagan | [email protected]. Dernière modifié: 2023-12-16 00:05

Les scientifiques ont prouvé depuis longtemps que l'art a un effet bénéfique sur la santé humaine en réduisant le niveau d'anxiété et de stress dans le corps. C'est particulièrement vrai pour les beaux-arts et la contemplation du beau. Par conséquent, pour que 2020 soit rempli d'un état de corps et d'esprit favorable, il vaut la peine de visiter l'Ermitage et de voir les expositions les plus célèbres du musée.

"Apôtres Pierre et Paul" d'El Greco

El Greco est l'un des artistes les plus brillants et les plus originaux. Grec d'origine, il étudie la peinture en Italie dans l'atelier du grand Titien. Il a appris la technique de l'huile de son idole et s'est également inspiré des techniques artistiques du maniérisme italien. El Greco s'est distingué parmi ses collègues par l'originalité du style dramatiquement expressif. Dans ses portraits, il accorde une grande attention à la caractérisation psychologique. Dans ce tableau de l'Ermitage, l'artiste représente deux types différents de personnes. Sur la gauche se trouve l'apôtre Pierre, qui a nié l'existence du Christ à trois reprises. Son visage exprime la tristesse et l'incertitude, tandis que ses gestes sont teintés de repentir et de supplication. L'apôtre Paul, qui, comme vous le savez, était à l'origine un zélé persécuteur des chrétiens, montre sur la photo une ferveur spirituelle dans l'affirmation de la vérité. Les gestes de la main qui forment le centre de composition de l'œuvre expriment un dialogue qui unit les deux apôtres.

Le Peter aux cheveux gris, enveloppé dans une robe dorée, pencha la tête sur le côté. Dans sa main gauche, il tient son symbole - la clé du Royaume des Cieux. Pavel appuie fermement sa main gauche sur le volume ouvert sur la table, sa main droite se lève dans un geste de clarification en regardant directement le spectateur. Saint Pierre et Saint Paul apparaissent de nombreuses fois dans l'œuvre d'El Greco, et ils sont représentés avec une cohérence frappante. L'artiste montre toujours Petra avec des cheveux et une barbe gris, et il porte souvent une robe jaune sur une tunique bleue. Paul est toujours légèrement chauve, avec des cheveux noirs et une barbe, dans une robe rouge sur des vêtements bleus ou verts.

"Marie-Madeleine pénitente" de Titien

La pénitente Marie-Madeleine est un portrait de Sainte-Marie-Madeleine Titien d'environ 1531, avec la signature "TITIANUS" sur le navire à gauche. Selon l'intrigue, il s'agit d'une femme au passé dissolu, qui, selon l'Évangile (Luc 7, 36-50), est venue dans la maison de Simon le pharisien pour demander pardon à Jésus. C'est une figure féminine représentée par Titien avec des traits épais et concentrés et des tons chauds. La palette met en valeur des yeux incroyables trempés de larmes de cristal. Les cheveux blond cuivré qui recouvrent la silhouette sont étonnamment écrits. Le thème de Marie-Madeleine repentante, levant les yeux au ciel, a acquis une grande popularité en Italie au XVIe siècle parmi les aristocrates, les chefs religieux et la classe moyenne aisée. Le manque de vêtements symbolise le refus de la Madeleine des bijoux, de l'or et des loisirs mondains au nom de la foi en Christ. De plus, les cheveux dorés et la silhouette générale de la Madeleine répondent aux normes de la beauté de la Renaissance.

"Madonna Litta" de Léonard de Vinci

Le tableau tire son nom de la famille noble milanaise, dans la collection de laquelle il a été trouvé pendant la majeure partie du XIXe siècle. En 1865, le tsar russe Alexandre II acheta la toile pour l'Ermitage, où elle est encore exposée. Cette œuvre représente la Vierge allaitant l'Enfant Jésus. A noter l'absence de ghosting sur cette photo. Un certain nombre de toiles de Léonard démontrent cette même caractéristique. Les personnages sont placés dans un intérieur sombre avec deux ouvertures cintrées montrant une vue sur le paysage montagneux. Un détail intéressant: au centre de l'image, dans la main gauche du Christ, il y a un chardonneret, qui est un symbole de la passion du Christ.

Le sentiment de la joie de la maternité dans le tableau "Madonna Litta" est particulièrement délicieusement représenté grâce à la richesse de l'image même de Marie - ici, il a trouvé son expression mature de la beauté féminine de Léonard. Le doux et beau visage de la Madone donne une spiritualité particulière aux yeux mi-clos et au léger sourire. La composition de la peinture frappe par sa clarté et sa perfection saisissantes. La Vierge à l'Enfant était un motif courant dans l'art chrétien au Moyen Âge et s'est poursuivi jusqu'à la Renaissance.

Caravage "joueur de luth"

La peinture a été commandée par le cardinal Francesco del Monte, qui a parrainé l'artiste. Le Caravage dresse le portrait d'un jeune homme passionné par la musique: son regard est plein d'inspiration, ses doigts s'accrochent aux cordes. La silhouette d'un jeune homme en chemise blanche se détache nettement sur un fond sombre. L'éclairage latéral dur et les ombres tombantes donnent aux objets un volume et un poids presque perceptibles. Les objets placés dans le tableau témoignent du grand amour de l'artiste pour le monde qui l'entoure, de son désir de reproduire fidèlement la nature, de transmettre la qualité matérielle de chaque détail. Sur le cahier posé devant le héros au luth, sont inscrites les notes d'ouverture du madrigal populaire au XVIe siècle "Tu sais que je t'aime".

L'amour comme thème de cette œuvre est également indiqué par d'autres objets. Par exemple, le luth fêlé était une métaphore de l'amour qui échoue. A l'aube de la créativité, le Caravage donne souvent aux jeunes des traits féminins, pourtant typiques de l'art italien de la fin du XVIe siècle. Il est intéressant de noter que le musicien du tableau de l'Ermitage était souvent confondu avec une fille et que la composition s'appelait "Le joueur de luth".

"La Dame en bleu" Thomas Gainsborough

L'une des meilleures œuvres de l'artiste - "The Lady in Blue" - a été créée par Gainsborough dans l'apogée de ses pouvoirs créatifs. La silhouette d'une jeune femme vêtue d'une robe ouverte en tissu blanc transparent se détache délicatement sur un fond sombre. Ses cheveux poudrés sont coiffés en une coiffure originale. De grandes boucles tombent sur les épaules inclinées. La fraîcheur du visage jeune est accentuée par des lèvres entrouvertes et des yeux sombres en amande. D'un léger mouvement de la main droite, elle tient le foulard de soie bleu. Ici et là, les tons gris, bleutés, rosés et blancs sont rehaussés de touches lumineuses et contribuent à transmettre l'élégance et la beauté du modèle.

L'audace des techniques picturales de Gainsborough a étonné ses contemporains. Ainsi, Reynolds a noté "des taches et des caractéristiques étranges" dans les peintures de Gainsborough, "qui semblent plus probablement le résultat du hasard qu'une intention consciente". C'est cette tradition non académique qui est l'une des plus grandes réalisations de Gainsborough. "La Dame en bleu" est entrée à l'Ermitage en 1916 à partir de la collection A. 3. Khitrovo par testament.

Le retour du fils prodigue de Rembrandt Harmenszoon van Rijn

Ce chef-d'œuvre de l'art biblique confirme une fois de plus le statut de Rembrandt comme l'un des meilleurs peintres de tous les temps et le plus grand de tous les maîtres anciens dans la représentation de scènes bibliques. Le tableau Le retour du fils prodigue, achevé par l'artiste dans les dernières années de sa vie, représente une scène de la parabole de Luc 15: 11-32. Selon l'éminent critique d'art Kenneth Clarke, la toile est l'une des plus grandes peintures de tous les temps. Selon l'intrigue, le père, comme le patriarche, pose ses mains sur les épaules d'un pénitent rasé et vêtu de vêtements usés. Ses yeux sont presque fermés. L'acte de pardon devient une bénédiction d'un sacrement presque sacramentel.

C'est une image avec la plus grande spiritualité, libre de tout aspect anecdotique, dans laquelle tous les mouvements et actions se sont arrêtés. La scène plonge dans l'obscurité, comme un tunnel, d'où brillent pâles les visages du père et de son fils aîné. Leurs robes rouges donnent un éclat à cette obscurité. Rembrandt a peint à plusieurs reprises sur le thème du fils prodigue, mais dans cette version monumentale à l'huile, il est parvenu à sa formulation la plus excitante et - grâce au contraste du fils aîné et du fils (prodigue) - la formulation psychologiquement la plus difficile.

"Danse" d'Henri Matisse

"Danse" est l'une des œuvres les plus célèbres d'Henri Matisse - une ode à la vie, à la joie, au rejet physique et un symbole de l'art contemporain. La pièce a été commandée par l'influent collectionneur russe Sergei Shchukin en 1909 pour décorer son manoir. Caractérisée par sa simplicité et son énergie, cette orgie artistique a laissé une empreinte indélébile dans l'art du XXe siècle. La danse a été écrite à la hauteur de l'esthétique fauviste et incarne l'émancipation des traditions artistiques occidentales traditionnelles. Le choix esthétique d'Henri Matisse pour ce tableau fit scandale dans les salons d'art en 1910. La nudité audacieuse et les nuances rugueuses donnaient à l'image un caractère extraordinaire pour l'époque, qui aux yeux de certains téléspectateurs semblait barbare.

Matisse n'a utilisé que trois couleurs pour représenter cette danse: le bleu, le vert et le rouge. Conformément aux associations de couleurs fauvistes traditionnelles, ces trois nuances créent un contraste intense. Cependant, le but de Matisse n'était pas de choquer le public. Au contraire, il a cherché à unir les gens entre eux et avec la nature. Comme l'a dit l'artiste, "Ce dont je rêve, c'est un art équilibré, propre et calme qui peut éviter les ennuis ou les déceptions."