14 peintures réalistes du Caravage qui ont donné la chair de poule (partie 1)

2024 Auteur: Richard Flannagan | [email protected]. Dernière modifié: 2023-12-16 00:05

Michelangelo Caravaggio est un peintre italien qui est devenu célèbre pour son travail entre les années 1590 et 1610. Il a joué un rôle important dans l'inspiration de la peinture baroque et ses œuvres d'art ont représenté de manière significative l'état physique et émotionnel d'une personne. Le peintre légendaire utilisait la technique du clair-obscur, marquée par l'interaction fabuleuse de la lumière et de l'obscurité, que l'on appelait le ténébrisme.

1. L'appel de l'apôtre Matthieu

C'est l'un des chefs-d'œuvre du Caravage, avec le thème de Jésus inspirant Matthieu à suivre ses traces. Grâce à la présentation de cette peinture, l'artiste a réussi à capturer les mondes immortels et mondains dans un seul cadre. L'œuvre a été écrite pour la chapelle Contarelli ou la chapelle Contarelli et se trouve actuellement à côté du martyre de saint Matthieu.

2. Bacchus, 1595

La célèbre peinture à l'huile représentant l'image sensuelle d'un jeune garçon habillé en Bacchus, allongé dans une coiffe de feuilles de vigne et de raisin, allongé dans une position unique, tripotant sa robe. Devant lui gisaient des fruits et du vin rouge, et dans sa main il tenait une coupe, invitant peut-être ses spectateurs à prendre part à la célébration. Il peut y avoir des traces d'homoérotisme dans l'image et, comme le prétendent de nombreux critiques, et avec eux les historiens de l'art, le Caravage pourrait exprimer ses propres sentiments romantiques à travers cette image. En plus de tout cela, il y a des rumeurs selon lesquelles l'artiste lui-même est le modèle.

3. Méduse, 1595-1598

Deux versions de ce tableau ont été créées en 1596 et 1597, où le moment de l'exécution de Méduse par Persée a été avancé. La peinture a un attrait terrible car le Caravage conçoit la tête sans tête de Méduse et pose son propre visage pour capturer toutes les émotions d'un monstre féminin. Un regard terrible et étrange sur le visage souligne la fascination de l'artiste pour le réalisme et la violence. La rumeur veut que le cardinal Francesco Maria del Monte lui-même ait chargé l'artiste de peindre ce tableau, qu'il avait l'intention de présenter à Ferdinand I de Médicis, duc de Toscane. La technique du ténébrisme, qui comprend un subtil contraste d'obscurité et de lumière ainsi qu'une approche réaliste, confère à la peinture un attrait tridimensionnel, la rendant vraiment terrifiante et terriblement attrayante.

4. Conversion de saint Paul, 1600

Cette œuvre, ainsi qu'une autre peinture, à savoir la crucifixion de Saint-Pierre, a été commandée par Tiberio Serazi, qui a finalement rejeté les deux œuvres dans le premier cas. Et malgré le fait que les peintures n'aient pas été approuvées, leurs deuxièmes versions ont rapidement été réalisées, qui se trouvent actuellement dans la chapelle Cerasi. Cet ouvrage relate l'événement lorsque l'apôtre Paul (Saul de Tarse) se rendit à Damas pour détruire la communauté chrétienne, mais changea de mission après avoir vu le Christ. Des formes irrégulières et des éclairages incohérents créent une aura de crise, reflétant pleinement l'atmosphère créée par l'artiste.

5. Narcisse, 1597-1599

Narcisse, un thème populaire dans la mythologie classique centré sur un beau jeune homme qui tombe amoureux de son propre reflet et meurt après avoir été submergé par la passion et l'obsession, était clairement représenté par Caravage. Ici, vous pouvez voir comment le jeune page regarde passionnément sa propre image, déformée et brisée. Ici, le concept de ténébrisme est réalisé dans toute sa splendeur, où l'artiste contraste fortement entre les espaces clairs et sombres, donnant à certains détails et éléments une profondeur incroyable. De plus, l'obscurité qui règne autour du personnage central ajoute un sentiment de mélancolie, évoquant la mélancolie et un état d'anxiété déraisonnable.

6. Décapitation de Jean-Baptiste, 1608

Un autre chef-d'œuvre du Caravage et une œuvre importante dans le monde de la peinture occidentale, dont le thème principal est l'exécution de Jean-Baptiste. Alors que la victime occupe l'ordinateur central, Salomé est également présente à côté de lui avec un plat doré à la main pour recevoir la tête. Il s'est avéré qu'en plus de Salomé, il y a un autre témoin de ce terrible incident. L'image a un espace vide, bien qu'en raison de la grande surface de la toile, les personnages soient représentés à taille réelle. Le contraste entre la lumière et l'obscurité, en plus de l'utilisation du rouge et du jaune, donne un aspect vibrant et réaliste à l'ensemble de l'œuvre d'art.

7. Corbeille de fruits, 1596

C'est peut-être l'une des natures mortes les plus pittoresques de l'artiste, qui représente un panier en osier rempli de fruits d'été, debout au bord d'un rebord. Caravaggio présente délibérément des détails si complexes qu'une pomme vermoulue, une feuille séchée et des raisins poussiéreux attirent immédiatement l'attention, se concentrant sur eux.

8. David et Goliath, 1599

Montré ici est l'une des premières peintures du Caravage - le thème biblique de David et Goliath. David, le jeune, a apparemment attrapé Goliath par les cheveux. L'interaction entre la lumière et l'obscurité a été fabuleusement représentée ici. Il suffit de regarder comment l'artiste a magistralement créé le contraste, mettant en valeur les jambes, les épaules et les bras de David avec des reflets brillants, tandis que l'obscurité prévaut partout. Initialement, l'image était surchargée de mélodrame, où le visage terrifiant et paniqué de Goliath était projeté. Il a changé cela plus tard, se concentrant sur David, dont le visage était caché dans l'obscurité.

9. Position en Christ, 1603-1604

C'est l'un des plus beaux retables du Caravage réalisés pour la chapelle de Chiesa Nuova. Un groupe de six est visible dans le cadre avec Jean l'Evangéliste tenant la moitié supérieure du corps du Christ. Et saint Nicodème, qui a arraché les clous de ses pieds, soutient la partie inférieure du corps du Christ. La forme et le mouvement de l'image sont en diagonale et son réalisme suscite un réel intérêt chez le spectateur. En bas à gauche se trouve une plante appelée molène, qui aurait des propriétés curatives et protégerait également contre les mauvais esprits, symbolisant ainsi la victoire sur la mort et la résurrection. Cette œuvre d'art a inspiré Rubens, Gericault, Cézanne et Fragonard.

10. Souper à Emmaüs, 1601

Un autre tableau fascinant du Caravage se concentre sur le moment où, après la Résurrection, Jésus devient visible pour ses disciples Cléopas et Luc, à Emmaüs (la ville mentionnée dans le Nouveau Testament), mais disparaît de leur place en un rien de temps. Des personnages grandeur nature sur fond sombre créent une aura inhabituelle.

11. David avec la tête de Goliath, 1607

L'artiste donne à cette œuvre une touche de réalisme en représentant la tête de Goliath suspendue à la main de David, avec du sang dégoulinant de partout.

12. Judith et Holopherne, 1598-1599

Cet ouvrage met en lumière l'événement biblique de Judith, une jeune et charmante veuve qui décapita le général assyrien Holopherne par tromperie. Le modèle dans le rôle de Judith est considéré comme Phyllida Melandroni, qui a même posé pour la plupart des autres œuvres du Caravage. Il se murmure que l'artiste a réalisé une seconde version de ce tableau, découvert en 2014 à Toulouse, bien que son authenticité soit toujours remise en question.

13. Diseuse de bonne aventure, 1594

Il existe deux versions de ce tableau, réalisées respectivement en 1594 et 1595, bien que les dates aient été contestées dans les deux cas. Un garçon mal habillé occupe le cadre central, avec une gitane qui lit dans sa paume. Il y a un sentiment de plaisir quand les deux se regardent en face. En examinant de plus près la photo, il a été remarqué que la fille enlevait sournoisement la bague du garçon en lui caressant doucement la main. Giovanni Petro Bellori, qui a écrit la biographie du Caravage, mentionne que le modèle féminin est un passant que l'artiste a choisi de préserver l'originalité de son travail, plutôt que de s'inspirer de son maître.

14. Musiciens, 1595

Les peintures de musiciens au travail semblaient être un sujet populaire à une époque où l'Église commençait à encourager un renouveau dans le domaine de la musique. Le groupe aurait été jusqu'à présent le plus complexe et le plus ambitieux des œuvres du Caravage, car il lui était difficile de visualiser clairement les quatre personnages, ce qui lui donnait un effet maladroit. Actuellement, le tableau est dans un état déplorable, bien que son originalité ait été préservée.

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