Comment l'artiste qui admirait Goethe lui-même interprétait les sujets religieux : Paolo Veronese

2024 Auteur: Richard Flannagan | [email protected]. Dernière modifié: 2023-12-16 00:05

Paolo Veronese était l'un des peintres les plus éminents de son temps. Son travail est apprécié non seulement au pays, mais aussi à l'étranger dans le monde entier. Il avait certains des mécènes les plus influents, et même Goethe lui-même admirait son travail. Il a peint des portraits de noblesse et de motifs religieux, décoré des villas et des monastères, joué avec la lumière, l'ombre et les couleurs, créant des chefs-d'œuvre étonnants qui sont encore admirés à ce jour.

Le plus jeune de cinq frères et sœurs, Paolo Cagliari, surnommé Véronèse pour son lieu de naissance, est né en 1528 dans la ville italienne de Vérone, alors province continentale de la République de Venise. Son père, Gabriele, était tailleur de pierre et sa mère, Caterina, était la fille illégitime d'un noble nommé Antonio Cagliari.

Paolo a d'abord étudié avec son père et pendant un certain temps, comme son père, a été maçon. Cependant, alors qu'il travaillait avec son père, le talent développé de Paolo pour le dessin était évident, et à l'âge de quatorze ans, son apprentissage a été transféré à l'atelier d'un maître local nommé Antonio Bandile (il épousa plus tard sa fille). Certaines sources non confirmées suggèrent qu'il a peut-être étudié en même temps dans les ateliers de Giovanni Francesco Caroto, dont il a probablement hérité sa passion pour l'utilisation de la couleur.

Bientôt, son talent dépassa toutes les exigences habituellement imposées aux disciples de Bandila. Il s'était déjà éloigné des tons naturalistes de la Haute Renaissance et a commencé à développer sa propre préférence pour une palette plus colorée et expressive. Il a aidé Antonio avec les autels, et certaines parties de ces œuvres avaient déjà son identité d'entreprise. En voyant les œuvres de Véronèse sur les autels, Michele Sanmicheli, l'architecte de nombreux bâtiments importants à Vérone, a donné à Paolo sa première opportunité importante - de travailler sur les fresques du Palazzo Canossa. Véronèse s'installe brièvement à Mantoue, où il rencontre Giulio Romano, le principal élève et assistant de Raphaël et l'un des pionniers du style maniériste.

Paolo a peint des fresques dans le Duomo de la ville (cathédrale catholique romaine) avant de partir pour Venise en 1552. 1553 est une année très importante pour Paolo. Il revint à Venise dès qu'il apprit la mort de son père. Paolo prit plus tard le nom de famille Cagliari de sa mère dans l'espoir que cela lui donnerait plus d'accès à l'aristocratie vénitienne, tandis qu'il utilisait Véronèse principalement dans le but de signer et d'attirer l'attention sur son lieu de naissance.

Travailler à Venise lui a permis de profiter de la nouvelle demande pour la peinture vénitienne générée par des artistes tels que Giorgione, Titien et Tintoret. Suivant leurs traces respectées, Paolo a rapidement reçu des ordres des organes directeurs, dont le Conseil des Dix et la fraternité de San Sebastiano.

Bientôt, Veronese a commencé à recevoir le patronage de familles aristocratiques influentes, comme la famille Barbaro, pour laquelle il a décoré une villa (leur demeure seigneuriale près de Mather). Dans la seconde moitié des années 1550, Paolo a décoré la villa du plus célèbre architecte vénitien Andrea Palladio. La collaboration entre l'artiste et l'architecte était largement considérée comme un triomphe de l'art et du design, et Palladio décrivit plus tard Véronèse dans ses quatre livres sur l'architecture comme « le plus excellent artiste ». Pour sa part, Paolo a fait référence à leurs relations professionnelles en incluant les bâtiments palladiens dans son grand chef-d'œuvre Les Noces de Cana. Pendant ce temps, Véronèse a continué à travailler (comme le Tintoret) à la restauration du Palazzo Ducale dans les années 1560 et 70 après une série d'incendies graves. Paolo épousa Elena (la fille de Bandila) en 1566, et deux ans plus tard, ils eurent le premier de cinq enfants (quatre fils et une fille). La mère de Véronèse, Caterina, avait également déménagé à Venise à cette époque.

Malgré une décennie de grande incertitude pour Venise, Véronèse a solidifié son statut et ses liens familiaux solides au cours des années 1570. Un an plus tard, dans le cadre de la Sainte Ligue (c'est-à-dire la Ligue des grandes puissances maritimes catholiques), Venise bat l'Empire ottoman et Véronèse nomme sa fille unique Vittoria en l'honneur de cette victoire en 1572.

La Contre-Réforme qui en résulta, qui vit un grand renouveau de la culture catholique, commença à exercer son influence sur Venise. Désormais, la demande d'œuvres érotiques ou mythologiques diminua et Paolo dut créer de petits tableaux dédiés au culte. Entre 1574 et 1577, des incendies majeurs et des épidémies de peste ont frappé Venise (la peste a emporté Titien en 1576), et Véronèse a commencé à investir sa richesse considérable dans la terre et la propriété. Dans les années 1580, il fonde un atelier avec ses fils et son frère Benedetto. Véronèse, qui est d'ailleurs revenu à son vrai nom Paolo Cagliari en 1575, est mort d'une pneumonie en 1588 et a été enterré dans l'église de San Sebastiano, entouré de ses contributions artistiques à l'église.

Pendant au moins dix ans après sa mort, la famille Véronèse a utilisé des croquis et des dessins pour achever de nouvelles œuvres de l'atelier, signées sous le titre « Descendants de Paul », tandis que les eaux-fortes des œuvres de Véronèse étaient très demandées même de son vivant, ce qui était extrêmement inhabituel pour un artiste vivant à l'époque. Cela a permis à son style maniériste d'être porté bien au-delà de son époque et de son lieu d'origine. La critique d'art Claire Robertson associe Véronèse, par exemple, au célèbre peintre français Eugène Delacroix, dont La Liberté guidant le peuple (1830) utilise des éclairages dramatiques et renvoie à l'architecture moderne à la manière de la peinture de Véronèse Les Noces de Cana.

Xavier F. Solomon, auteur du catalogue de Véronèse de la National Gallery, l'a quant à lui lié au peintre baroque flamand Peter Paul Rubens par l'accent mis sur la narration et la couleur lumineuse, comme on le voit dans des œuvres telles que Descente de Croix.

On sait également que Diego Velazquez a acquis "Vénus et Adonis" de Véronèse (vers 1580) à un moment donné lors de son voyage en Italie entre 1649 et 1651, et grâce à la composition complexe de figures placées dans un cadre architectural sévère, l'influence de Véronèse peut être retrouvé dans des œuvres telles que Las Meninas (1656). On sait aussi qu'en 1797 Napoléon avait une si haute opinion des Noces de Cana (1563) qu'il ordonna à ses troupes de plier la toile et de la transporter à Paris. Finalement, le tableau a pris place au Louvre face à la Joconde, où il a été admiré non seulement par Delacroix, mais aussi par le poète Charles Baudelaire, qui a été assez ému pour écrire sur les « couleurs célestes de l'après-midi » de Véronèse.

Quant à ses autres tableaux et œuvres, il s'agit d'une toute autre histoire, racontant des intrigues, souvent basées sur des événements réels et pas seulement. Prenez, par exemple, L'histoire d'Esther. Peu après son arrivée à Venise, Véronèse, vingt-cinq ans, a reçu une commande prestigieuse du prélat Bernardo Torlioni pour travailler sur le plafond de San Sebastiano. Sa peinture montre un moment précoce de l'histoire biblique d'Esther, lorsqu'elle fut couronnée reine par le roi perse Assuérus. Esther a continué à sauver le peuple juif (du mal Haman représenté dans le coin inférieur droit de l'image), et cette délivrance de la destruction est devenue la fête religieuse juive de Pourim.

Les peintures murales au plafond comme celles-ci, dont la fonction était de fournir à l'église des récits historiques, des images iconographiques et des motifs décoratifs, n'étaient pas destinées à être vues à hauteur des yeux. De Sotto in su (de bas en haut) décrit une technique de peinture de la Renaissance qui nécessite un raccourcissement des figures avec pour effet (vu de la Terre) que les figures sont suspendues dans les airs. Les figures "flottantes" ici sont complétées par les couleurs vives de Véronèse, qui contribuent à rehausser le caractère sacré du tableau et son effet décoratif. Le critique d'art Carlos Ridolfi considérait cette première œuvre comme un symbole du style de Véronèse dans la façon dont elle représentait des rois richement décorés, une variété de draperies sur fond de scène architecturale. Le contrat de Véronèse avec Saint-Sébastien a été prolongé à plusieurs reprises entre 1558 et 1561, ce qui en fait le bâtiment le plus approprié pour son propre monument funéraire.

Quant à l'œuvre "Les Noces de Cana", elle a été commandée par les moines bénédictins de San Giorgio Maggiore à Venise pour accrocher dans leur nouveau réfectoire, conçu par Andrea Palladio. Les termes de la commande de Véronèse stipulaient qu'il ferait une image du festin de mariage assez grande pour remplir tout le mur du réfectoire. Il a fallu quinze mois à Paolo pour terminer le travail, probablement avec l'aide de son frère Benedetto Cagliari. Le chef-d'œuvre est basé sur l'histoire biblique du premier miracle du Christ, bien que le spectateur devra faire un effort pour trouver cette parabole dans l'agitation d'une image à plusieurs niveaux et assez moderne. Comme Deanna MacDonald l'a décrit:.

Avec Marie et plusieurs apôtres, le Christ a été invité à un mariage à Cana, dans la ville de Galilée. Pendant les festivités, la réserve de vin est épuisée, et, en réponse à la demande de Marie, le Christ a demandé aux serviteurs de remplir d'eau les cruches de pierre (représentées ici au premier plan à droite) et de les offrir au propriétaire de la maison (assis le premier plan à gauche), qui découvre, à son étonnement (et à sa joie) que l'eau s'est transformée en vin. Cette histoire est aussi le précurseur de l'Eucharistie, évoquée par un serviteur sacrifiant « l'agneau de Dieu » sur l'étage supérieur directement au-dessus du Christ (qui est assis à côté de Marie au centre d'une immense table de banquet).

Véronèse mélange librement le biblique avec le moderne. Comme vous pouvez vous y attendre, Jésus et Marie sont entourés d'auras rougeoyantes. Cependant, ils sont rejoints par au moins cent trente personnages, et tandis que certains d'entre eux sont vêtus de robes bibliques, d'autres, selon MacDonald, semblent venir de la place Saint-Marc. En effet, parmi les personnages secondaires se trouvent des aristocrates vénitiens et des étrangers de premier plan, reconnaissables à leurs tenues exotiques. Parmi les invités figurent des personnalités telles que Marie Ire d'Angleterre, Soliman le Magnifique (dixième sultan de l'Empire ottoman) et l'empereur Charles V. La volonté de Véronèse de promouvoir ces conventions indique le sens de l'insolence qui découle de son désir de souligner le sacré avec profane.

Il y a aussi une histoire qui, malheureusement, ne peut pas être vérifiée, mais néanmoins, elle est devenue une partie de la légende de l'image. La légende veut que le musicien au premier plan n'est autre que Véronèse. Il est entouré de deux autres maîtres vénitiens, Titien et Bassano, et la figure contemplant un verre de vin (à sa gauche) est le poète et écrivain Pietro Aretino.

Les portraits n'étaient qu'une petite partie du travail de Paolo, et pour cette raison ils ont leur propre sens. Dans le tableau "Portrait de Daniele Barbaro" se trouve le chef d'une famille aristocratique et l'un des principaux mécènes de Véronèse. Ses vêtements témoignent de son statut élevé dans les institutions religieuses locales, et les textes sur sa table à écrire témoignent de son érudition. Cependant, Barbaro se situe à un angle historiquement réservé aux cardinaux et aux papes.

Le livre vertical est son œuvre La Practica della Perspettiva (1568), dont le sens est déterminé par les différents plans du tableau. Le volume qu'il tient dans sa main gauche est son manuscrit du De Architectura de Vitruve (vers 30 av. J.-C.), avec des illustrations de palladium, soulignant le lien étroit entre les trois personnes. L'interaction entre la lumière et les textiles est éclairée par un fond sombre. Le portrait peint par Véronèse marque un progrès vers un type de portrait plus complexe, dans lequel des costumes magnifiques et des effets picturaux sont équilibrés par une représentation psychologique plus profonde.

Ce tableau historique, intitulé « La famille de Darius avant Alexandre », représente Alexandre le Grand recevant la famille du roi perse Darius III, qui venait de le vaincre au combat. La mère du tsar Darius, Sizigambis, agenouillée au centre du tableau, prend à tort l'ami et assistant d'Alexandre Hephaestion (il était probablement fasciné par la tenue du conseiller) pour le monarque victorieux. Cette insulte potentiellement grave est négligée par Alexandre dans sa démonstration de bienveillance et de noblesse. Véronèse interprète cette scène de manière quelque peu ambiguë, et le spectateur peut être pardonné de penser qu'Hephaestion est vraiment Alexandre. Cependant, la plupart des personnages sont élégamment vêtus à la mode vénitienne moderne, et le vainqueur Alexandre, vêtu plutôt d'une armure héroïque, appartient aux origines de la peinture historique classique.

Comme beaucoup de peintures de Véronèse, le cadre architectural est conçu pour créer une peinture à horizon bas qui aide à reproduire l'expérience visuelle d'une production théâtrale populaire. En effet, Paolo a exagéré le drame de cette scène, décrivant des événements sur le terrain du palais (et non dans la tente militaire). De plus, il renonce à toute obligation au naturalisme, habillant ses figures ou personnages de vêtements ostentatoires. Johann Wolfgang von Goethe lui-même a défendu l'extravagance du tailleur de l'image:.

Le fait que Venise était à cette époque un centre majeur du commerce mondial signifiait qu'elle importait une large gamme de matières premières utilisées dans la production de peinture. Ainsi, les historiens et les historiens de l'art peuvent dire que le fait que Véronèse soit considéré comme un coloriste aussi exceptionnel peut s'expliquer, au moins en partie, par son environnement.

Cependant, aucune de ses œuvres mérite une attention et une admiration particulières. Et il n'est pas du tout surprenant que son travail soit si apprécié dans le monde entier, provoquant beaucoup de raisonnements, de réflexions et même de controverses.

Ils ont parlé et parlent d'eux, leur travail est admiré à ce jour. Mais pratiquement personne ne sait comment et comment les artistes expressionnistes ont réussi à conquérir le monde.