Pourquoi 32 peintures d'Andy Warhol, qui ne présentaient que des boîtes de soupe, sont devenues une sensation artistique

2024 Auteur: Richard Flannagan | [email protected]. Dernière modifié: 2023-12-16 00:05

9 juillet 1962 artiste méconnu Andy Warhol a ouvert une petite exposition à la Ferus Gallery de Los Angeles. Le thème de l'exposition était tout simplement hallucinant: c'était des boîtes de soupe ! Chacune des trente-deux peintures représente différentes saveurs et arômes des soupes Campbell, allant de la tomate au poivron en passant par la crème de céleri. Quel sens l'artiste a-t-il donné à ces œuvres ? Quel est le secret d'un succès sensationnel et d'une reconnaissance universelle ?

Pour Warhol, alors âgé de trente-quatre ans, il s'agissait de la première exposition personnelle de peinture. À ce moment-là, il était un artiste commercial de premier plan depuis près d'une décennie, travaillant avec des empires commerciaux tels que Tiffany & Co. et Dior. Andy était déterminé à devenir un « vrai » artiste, reconnu par les musées et les critiques. Son arme secrète ? Le style émergent du "pop art".

Que signifient les images de soupe ?

Le pop art a bouleversé l'art traditionnel. Au lieu de portraits, de paysages, de scènes de bataille ou d'autres objets que les experts considéraient comme « de l'art », des artistes tels que Warhol ont pris des images de publicités, de bandes dessinées et d'autres éléments de la culture populaire. Ils ont utilisé l'humour et l'ironie pour expliquer comment la production de masse et le consumérisme ont fini par dominer la vie et la culture américaines (et non américaines).

Les artistes abstraits des années 1950 tels que Jackson Pollock pouvaient se glorifier comme des génies créatifs et individualistes. Les artistes des années 1960 ont adopté la démarche inverse. Ils ont essayé de lisser ou d'éliminer toutes les traces de leurs propres processus artistiques - par exemple, les coups de pinceau. Ils ont toujours essayé de rendre leur travail presque mécanique, comme l'objet produit en série qu'elle a représenté. Presque.

Pour peindre la boîte de soupe Campbell's, Warhol a projeté la boîte de soupe sur sa toile vierge, en a souligné le contour et les détails, puis l'a soigneusement remplie à l'aide de pinceaux et de peintures. Par souci de cohérence, il a utilisé un tampon à main pour dessiner un motif héraldique autour du bord inférieur de chaque étiquette, mais cela n'a pas toujours fonctionné correctement. De petits détails - de minuscules taches rouges dans la peinture Soupe aux tomates, le lys héraldique irrégulièrement estampé sur d'autres - trahissaient l'origine artisanale des peintures. En utilisant des techniques d'art visuel pour représenter des objets du quotidien, Warhol a suscité une importante controverse dans le pop art. Alors qu'ils étaient censés avoir l'air d'avoir été fabriqués mécaniquement, chaque peinture était légèrement différente - et pas seulement l'étiquette.

Il y a une chose en commun que les trente-deux tableaux ont en commun. Plutôt que de détailler le médaillon complexe au centre de l'étiquette de chaque boîte, représentant la "médaille d'or de la qualité" que la soupe Campbell's a remportée à l'Exposition de Paris de 1900, Warhol l'a remplacé par un simple cercle d'or. Le biographe de Warhol, Blake Gopnik, l'a pensé de cette façon: « Est-ce simplement parce que d'autres peintures ne tiennent pas bien sur l'or ? Ou est-ce parce qu'il faut trop d'efforts pour obtenir de vraies médailles ? Ou peut-être aimait-il simplement le cachet graphique du cercle d'or ?"

L'effet graphique et l'atmosphère de nostalgie peuvent être deux raisons pour lesquelles Warhol a choisi la ligne de produits Campbell comme icône pop. Le design classique de la marque a peu changé depuis ses débuts au tournant du 20e siècle. Y compris la cursive chaleureuse "Campbell", qui, selon l'archiviste de la société, était très similaire à la signature du fondateur Joseph Campbell. Et Warhol lui-même a grandi avec la soupe de Campbell. "Je l'ai mangé. Le même déjeuner depuis vingt ans », a-t-il déclaré.

Comment les peintures ont vu le jour pour la première fois

Lors de l'ouverture de l'exposition Warhol en 1962, la culture pop en était à ses balbutiements. Les gens ne savaient pas quoi faire de l'art, qui était si différent de tout ce que l'art était censé être.

Tout d'abord, Irving Blum, l'un des propriétaires de la galerie Ferus, a décidé d'exposer les peintures sur des étagères étroites le long de la galerie, comme dans une allée de supermarché. « Les banques sont sur les étagères », a-t-il déclaré plus tard à propos de son installation. Pourquoi pas?

Le spectacle n'a pas fait le buzz que Blum et Warhol avaient espéré. En fait, le peu de réactions reçues du public ou des critiques d'art a été assez dure. "Ce jeune 'artiste' est soit un imbécile têtu, soit un charlatan têtu", a écrit un critique. Un dessin du Los Angeles Times se moque des peintures et de leur public cible. « Franchement, la crème d'asperges ne me convient pas », dit un amateur d'art à un autre, debout dans une galerie. "Mais l'horrible richesse des nouilles au poulet me donne un véritable sentiment de zen." Le marchand d'art à côté de la galerie Ferus était encore plus pointu. Il a disposé de vraies boîtes de soupe Campbell dans sa vitrine, avec la légende: « Ne vous laissez pas berner. Obtenez l'original. Notre prix le plus bas est de deux pour 33 cents. »

Malgré tout cela, Blum a réussi à vendre cinq tableaux - principalement à des amis, dont l'acteur Dennis Hopper. Mais avant même la fermeture du spectacle, il a soudainement changé d'avis. Réalisant que les tableaux convenaient mieux à un ensemble complet, Blum racheta ceux qu'il vendait. Il a accepté de payer 1 000 $ à Warhol pour tout. Warhol était ravi – il considérait toujours les boîtes de soupe Campbell's comme un ensemble. Pour l'artiste comme pour le marchand, cette décision était une décision « délicate » qui s'est avérée payante à l'avenir.

Pourquoi les peintures sont-elles devenues une telle sensation ?

Une fois le choc surmonté par le public et les critiques, ils ont commencé à mûrir jusqu'aux canettes de Warhol. D'abord, c'était une idée nouvelle dans l'art. Est-il difficile de comprendre une peinture si l'original se trouve probablement sur l'étagère de la cuisine ? Les critiques ont commencé à remarquer l'humour sournois et ironique dans les "portraits" de Warhol de Scotch Broth et Chicken Gumbo. Et la décision de Blum de garder les peintures ensemble a augmenté leur influence.

L'exposition à la Ferus Gallery marque un tournant dans la carrière de Warhol. Après Campbell's Soup Cans, Warhol est passé du dessin à la sérigraphie, un processus qui a produit des résultats plus mécaniques et lui a permis de créer plusieurs versions du même travail. Sa réputation ne cesse de grandir. En 1964, le prix demandé pour une peinture de boîte de soupe qui manquait à l'ensemble de Blum était passé à 1 500 $, et les mondains de New York portaient des robes en papier imprimées sur mesure par Warhol lui-même.

Campbell's Soups s'est rapidement joint à la fête. À la fin des années 1960, la société a saisi la fantaisie alors populaire des robes en papier avec une robe de soupe et un petit sac à main recouvert d'étiquettes de soupe de style Warhol. Chaque robe avait trois rayures dorées en bas, de sorte que le porteur pouvait couper la robe à la longueur parfaite sans couper le motif de la boîte de conserve. Prix : 1$ et deux étiquettes Campbell's Soup.

Aujourd'hui, les boîtes de soupe de Warhol restent une icône de la culture pop, des assiettes et tasses aux cravates, t-shirts, planches de surf et planches à roulettes. L'une des photographies les plus frappantes impliquait Warhol lui-même: sur la couverture d'Esquire en mai 1969, il se noyait dans une boîte de soupe aux tomates Campbell's.

En fin de compte, les canettes de Warhol ont été reconnues par le Museum of Modern Art comme dignes d'être appelées art. En 1996, le musée a acheté les trente-deux tableaux d'Irving Blum pour un montant cosmique de 15 millions de dollars - un retour étonnant sur son investissement de 1 000 dollars en 1962. Même la Souper Dress a été déclarée classique. En 1995, un an avant l'arrivée des peintures au Museum of Modern Art, elles entrent dans la collection du Metropolitan Museum of Art.

L'art nous fait réfléchir, mais que voulait vraiment dire l'artiste ? Il arrive souvent qu'il nous frappe simplement en plein cœur, suscitant l'admiration pour l'habileté du créateur du chef-d'œuvre. Lire notre article quel est le secret des fresques « rusées » du XVIIe siècle dans l'église romane Saint-Ignace: les technologies 3D du passé.