10 tableaux de peintres réalistes célèbres qui ont transformé l'idée de la beauté

2024 Auteur: Richard Flannagan | [email protected]. Dernière modifié: 2023-12-16 00:05

Rejetant une insistance excessive sur l'émotivité, si inhérente au romantisme, et une glorification enthousiaste du passé, les réalistes, dirigés par Gustave Courbet et Jean-François Millet, ont commencé à dessiner non seulement des gens ordinaires, mais aussi divers moments avec une précision incroyablement fiable.. Et malgré le fait que la plupart des peintures réalistes actuellement connues ont souvent été critiquées, provoquant une controverse en raison du fait qu'elles auraient montré de telles situations que de nombreux artistes ont essayé d'éviter dans leurs œuvres, les considérant comme inappropriées, néanmoins, beaucoup ont réussi à conquérir le monde, solidement ancré dans l'histoire du monde de l'art.

1. Rosa Bonneur

Rosa Bonneur était considérée comme l'une des artistes les plus populaires du XIXe siècle, devenue célèbre dans le monde entier grâce à ses œuvres représentant des animaux. Mais son immense succès ne lui est venu que lorsque le monde a vu son œuvre étonnante intitulée "Foire aux chevaux", qui capture le marché équestre, se déroulant sur le boulevard L'Hôpital à Paris. Et aussi drôle que cela puisse paraître, afin de rendre le plus fidèlement possible tout ce qu'elle voyait, la femme s'est rendue sur la place presque tous les jours pendant une heure et demie pour faire plusieurs croquis, qui ont ensuite constitué la base de sa peinture.

En 1853, la première exposition de sa peinture a eu lieu au Salon de Paris, après quoi l'œuvre a fait le tour du monde, conquérant non seulement les habitants d'Europe, mais aussi d'Amérique. Et il n'est pas du tout surprenant que même la reine d'Angleterre ait à une époque apprécié cette œuvre très fortement et à sa juste valeur, et le Metropolitan Museum a même qualifié la "Foire aux chevaux" de création la plus célèbre et la plus remarquable.

2. Ilya Répine

Ilya Repin est bien connu pour des travaux tels que "Barge Haulers on the Volga", qu'il a écrit sous l'impression de se détendre sur la rivière en 1870. Cette œuvre est un étrange mélange de force humaine, de stratification sociale et de toutes les difficultés auxquelles le commun des mortels doit faire face. Il a magistralement capturé onze ouvriers qui traînent inlassablement la péniche le long de la Volga, représentant un tout, ce que l'on peut appeler en toute sécurité un moment ininterrompu. Et il n'est pas du tout surprenant que ce soit cette image qui ait reçu une reconnaissance internationale pour avoir rendu le plus fidèlement et le plus fidèlement les vicissitudes auxquelles les gens ordinaires, descendants de la classe ouvrière, ont dû faire face.

Un tel succès à grande échelle et colossal est devenu une impulsion aimable, très agréable et non infructueuse au début de la carrière de l'artiste, faisant de lui un véritable maître, capable de documenter l'inégalité sociale notoire. En fin de compte, le prince Vladimir Alexandrovitch est devenu le propriétaire du tableau, avec l'aide duquel il a été exposé sur le territoire de ce qui était alors l'Europe, devenant un symbole du vrai réalisme russe de l'époque.

3. Thomas Eakins

Thomas Eakins est le principal réaliste américain qui s'est démarqué de la foule des autres maîtres en ce que dans ses œuvres, il a habilement dépeint l'essence humaine et l'individualité de chaque modèle, ce qui en fait l'accent principal. Le tableau le plus populaire du maître est peut-être l'œuvre intitulée "The Gross Clinic", qui représente un chirurgien exceptionnel des États-Unis - Samuel D. Gross. Sur la photo, il effectue une opération complexe au cours de laquelle il a retiré l'os endommagé au niveau de la cuisse. Loué pour son réalisme sans compromis, The Gross Clinic est considéré par de nombreux critiques comme le plus beau tableau réaliste de l'histoire de l'art américain. Il est salué comme la grande histoire de la médecine du XIXe siècle et est considéré comme un portrait américain incroyablement réaliste et détaillé.

4. Jean-François Millet

Jean-François Millet est l'une des figures les plus marquantes du réalisme français. Et aussi il est volontiers mis sur un pied d'égalité avec Gustave Courbet, car il est, comme ce géant de la peinture, devenu célèbre dans le monde entier pour des peintures avec des images de villageois ordinaires. Son travail, intitulé "Angelus", était le dernier mais le plus célèbre travail de l'auteur, qui incarne la dévotion au catholicisme et à la prière. Elle affiche une image de deux paysans s'inclinant devant Angélus à la fin de la journée pour le remercier.

Il convient de noter que dans la région de l'horizon, l'église est clairement visible et, très probablement, c'est la sonnerie de la cloche de l'église qui a alerté l'homme et la femme de la fin de la journée de travail, de sorte qu'après avoir terminé leur travail, ils disaient une prière. Initialement, l'image portait un nom très original "Prière pour un champ de pommes de terre", car le croquis représenté montre que tout ce qui se passe se déroule à Barbizon, en France, sur l'un des champs de pommes de terre.

5. Gustave Courbet

Que dire, et Gustave Courbet est encore appelé le maître par excellence du réalisme français, son principal inspirateur et militant. À l'époque où il décida de créer son tableau le plus controversé "L'Origine du monde", les motifs érotiques et un corps humain nu n'étaient autorisés que dans les œuvres qui portaient des motifs mythologiques ou de conte de fées. Il n'est donc pas du tout surprenant que l'approche réaliste de Courbet ait simplement bouleversé le monde de l'art, changeant l'idée de ce qui est correct et présentable.

L'artiste dépeint une femme nue et ses parties génitales en détail et avec précision, ce qui est clairement visible, car sa position avec ses jambes écartées permet de tout voir de ses propres yeux. Cette peinture a toujours la capacité de choquer même le spectateur moderne par sa franchise, cependant, cette œuvre a quand même réussi à créer une controverse, ce qui a conduit à sa censure et à son interdiction dans de nombreux cas.

6. Andrew Wyeth

"Christina's World" est une peinture d'un artiste américain de premier plan de l'époque, qui est l'une des œuvres américaines les plus importantes et les plus célèbres du siècle dernier. Elle représente une femme allongée sur un champ. La femme regarde la maison grise à l'horizon. Le personnage principal de cette œuvre est loin d'être un personnage fictif, mais une personne réelle qui a inspiré l'artiste pour l'écrire. Anna Christina Olson était une voisine de l'artiste qui souffrait d'un trouble musculaire dégénératif qui l'empêchait de marcher normalement. Un jour, debout près de la fenêtre, Andrew la vit ramper de toutes ses forces à travers le champ. C'est ce moment qui l'a poussé à créer "Christina's World". Même en dépit du fait qu'au premier spectacle, l'image a été laissée sans attention, elle a progressivement, au fil du temps, commencé à gagner de plus en plus en popularité, devenant un véritable symbole du style américain.

7. Jean-François Millet

En plus du légendaire "Angélus", Millet avait trois autres peintures exceptionnelles qui représentaient des gens humbles et ordinaires. "Les épis de blé" est la plus célèbre de toutes les œuvres de ce génie. C'est cette œuvre qui a influencé les œuvres d'autres artistes qui ont vécu et travaillé après Millet, par exemple, tels que Van Gogh, Renoir, Seur, Pissarro. Elle représente trois paysannes errant dans le champ, ramassant les oreilles laissées après la récolte.

Dans son travail, Millet a dépeint le rang inférieur de la société rurale dans un style sombre et sympathique, provoquant ainsi de sévères critiques de la part des aristocrates français et des membres de la haute société lors de la première démonstration de la peinture. De plus, l'indignation du public a été provoquée par les dimensions loin d'être standard de la toile de 33 par 44 pouces, qui étaient souvent utilisées pour des peintures à motifs mythologiques et religieux.

8. Gustave Courbet

Le tableau "L'enterrement à Ornans" fit sensation, provoquant un énorme tourbillon d'émotions et de commérages dans le grand public en 1850-51. Il représente les funérailles du grand-oncle de l'artiste, célébrées dans la petite agglomération d'Ornand en France. Gustave a dépeint avec un réalisme incroyable ces citoyens venus assister à la cérémonie d'enterrement. Mais ce n'était pas cela qui provoquait le mécontentement du spectateur, mais le fait que la toile était incroyablement énorme (10 par 22 pieds) pour une peinture de ce genre, car un tel format était réservé exclusivement aux scènes héroïques et religieuses de la peinture historique.

En plus de tout cela, l'indignation tournait autour du fait que la procession était représentée sans aucun motif sentimental et émotionnel, ébranlant ainsi le monde des beaux-arts. Malgré tout, après avoir traversé les critiques et les commérages, cette œuvre est devenue la principale, grâce à laquelle le public a cessé d'apprécier la direction romantique, s'intéressant à une nouvelle approche plus réaliste et vitale de la créativité, qui est devenue un tournant en France en le 19ème siècle.

9. Edward Hopper

Une personne comme Edward Hopper est devenue célèbre en raison du fait que dans ses œuvres, il a réussi à révéler la solitude de la vie, obligeant tous ceux qui regardent l'image à activer l'imagination afin de compléter la narration artistique. Cette peinture a été inspirée par des souvenirs d'un restaurant sur Greenwich Avenue. L'artiste y dépeint des personnes assises dans un restaurant situé dans le centre-ville tard dans la nuit. À leur grand étonnement, ce complot a été interprété par beaucoup comme une illustration des conséquences horribles de la Seconde Guerre mondiale, ainsi que comme une représentation de l'isolement complet d'un individu au milieu de l'agitation de New York.

10. Edouard Manet

Edouard Manet est un homme qu'on appelait dans la société des artistes rien de plus qu'impressionniste, mais il se disait lui-même un vrai réaliste. En témoigne l'une de ses œuvres les plus célèbres, à savoir le tableau "Olympia", qui représente une femme nue allongée sur un lit luxueux, accompagnée d'une femme de chambre. En 1865, cette œuvre a été exposée au public, provoquant l'indignation non seulement du public, mais aussi de la part des critiques. Non, pas parce qu'une fille nue a été capturée sur elle, mais à cause d'un certain nombre de détails qui indiquaient clairement qu'elle était confuse, à savoir: une orchidée qui ornait ses cheveux, un bracelet porté sur son bras, des boucles d'oreilles en perles et un fin châle oriental sur laquelle elle repose.

En plus de tout cela, il y a un chat noir sur la photo, qui à cette époque était également considéré comme un symbole traditionnel de la prostitution. La principale caractéristique de cette image, selon les critiques du monde, n'est pas du tout qu'elle a été inspirée par l'image de "Titien Vénus" d'Urbino, mais précisément dans le fait que cette toile ne représente pas une femme magnifique, pas une déesse, et même pas un aristocrate, mais le plus qui n'est pas non plus une prostituée d'élite. L'aspect clé de l'image est le regard conflictuel de cette femme, que beaucoup interprètent comme rien de plus que le summum de la désobéissance au patriarche.

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