Pourquoi le public a-t-il ridiculisé le travail des impressionnistes et comment tout cela s'est-il terminé (partie 1)

2024 Auteur: Richard Flannagan | [email protected]. Dernière modifié: 2023-12-16 00:05

Le mouvement, qui cherchait à capturer la vie moderne, la lumière et l'instant, est devenu l'un des genres préférés du 21e siècle. Mais les impressionnistes ont été fortement rejetés par l'establishment artistique et le public dans les années 1860 et 1870. Beaucoup d'entre eux ont eu du mal à joindre les deux bouts. Et parfois, certains d'entre eux ont même provoqué une tempête d'indignation, montrant au monde leurs œuvres, qui sont toujours condamnées et rejetées par la société.

1. Edouard Manet: Petit déjeuner sur l'herbe

Présenté par Edouard Manet au Salon des Beaux-Arts (exposition annuelle organisée par l'influente et conservatrice Académie des Beaux-Arts), Petit-déjeuner sur l'herbe a été rejeté par le jury. Au lieu de cela, la peinture a été exposée dans une autre exposition, tenue en 1863 sous le titre "Salon des refus" (ou exposition des refus), ouverte à plus de trois mille œuvres, qui ont été rejetées par le jury du Salon, où il a reçu des réactions hostiles de à la fois du public et du côté des examinateurs. Les gens ont visité l'exposition en masse pour se moquer et rire du travail à l'air libre.

Les critiques ont dit que Breakfast on the Grass était si dépourvu de finesse qu'il pouvait être peint avec une vadrouille, et les gens dans le tableau ressemblaient à un critique de marionnettes. Le problème était que ce tableau n'était pas de l'art comme les Français le savaient. lui. Après tout, Manet n'a pas représenté la mythologie grecque, l'histoire romaine ou une scène religieuse. En plus de cela, la peinture n'a pas été peinte avec de fins coups de pinceau mélangés qui ont produit un effet presque photographique. Au lieu de cela, il a utilisé des couleurs vives, des coups de pinceau larges et sans mélange et a dépeint une scène moderne risquée à l'époque. En conséquence, les Français ne pouvaient pas apprécier de telles peintures pendant encore deux ou trois décennies.

Quant à l'œuvre elle-même, au premier plan, elle représente une jolie femme nue discutant avec deux jeunes hommes bien habillés, tandis que la seconde femme se baigne un peu plus loin d'eux. Le regard est immédiatement attiré par le nu, mais à y regarder de plus près, un certain nombre de questions se posent. Pourquoi les hommes sont-ils entièrement habillés quand une femme est nue ? Est-elle confuse ? Pourquoi la figure féminine au bain est-elle habillée ? Que fait-elle (se laver les pieds, pêcher…) ? Le tableau a-t-il un réel problème de perspective ? Bien qu'intéressant, ce débat passe à côté de l'essentiel. Manet a fait une déclaration controversée avec ce travail. Il a défié l'orthodoxie et a démontré ses nouvelles méthodes. Et ça a marché: tout Paris a commencé à parler de lui. Le Dejuner Sur l'herbe fait partie de la collection permanente du musée d'Orsay à Paris. Il existe une version plus petite de cette œuvre à la Courtauld Gallery de Londres.

2. Claude Monet, Soleil Levant, 1872

En 1873, le groupe, connu sous le nom des Impressionnistes, finit par se désenchanter du Salon et décide d'organiser sa propre exposition. Et malgré le fait que la plupart d'entre eux l'aient fait, Manet a refusé de rejoindre l'exposition indépendante, craignant que cela ne l'évince davantage de l'establishment artistique français. La première exposition du groupe, organisée en 1874, comprenait des œuvres de Monet, Cézanne, Renior, Degas et Pissarro et était organisée rue des Capucins.

Le groupe a constitué une société dans laquelle chacun possédait des actions et facturait un droit d'entrée d'un franc. La fréquentation a été bonne (environ trois mille cinq cent personnes sont venues), mais les mauvaises impressions du Salon se sont répétées, car le public est venu se moquer et les critiques étaient hostiles. joker qui s'amusait du fait que, "trempant des pinceaux dans de la peinture, l'étalait sur les mètres de la toile, les signant de différents noms. "Mais la critique la plus célèbre et la plus longuement discutée a été laissée par Louis Leroy, qui a parlé de La peinture de Monet « Lever du soleil »:.

Malheureusement, le public n'a pas compris et n'a pas accepté pendant longtemps que les impressionnistes essayaient quelque chose de nouveau; des peintures qui reflètent ce qu'ils ressentent à propos de la scène, et non des peintures proches de l'image photographique. Alors, qu'est-ce que "Sunrise" exactement et pourquoi a-t-il été reçu avec hostilité ? Sunrise est en fait une peinture du port du Havre, la ville natale de Monet, au lever du soleil. Le regard est attiré par deux petites barques au premier plan et le soleil rouge se reflétant dans l'eau. Derrière eux se trouvent les cheminées et les mâts de tondeuse qui structurent le travail. Il reste encore un mystère pourquoi une œuvre aussi inoffensive a longtemps succombé à la critique sévère et au ridicule. Du coup, malgré les critiques peu flatteuses, en 1985 ce tableau fut volé par cinq bandits masqués et ne revint pas avant cinq ans (après avoir été caché dans une petite villa corse). Aujourd'hui, Sunrise est hébergé au Musée Marmottan-Monet à Paris, un petit musée présentant plus de trois cents œuvres du grand peintre impressionniste.

3. Edgar Degas, cours de danse

Edgar Degas, fils d'un riche banquier, était un homme complexe. Le père de Degas (contrairement au père de Manet) ne se souciait pas des ambitions artistiques de son fils. Mais Degas a commencé comme un peintre classique, copiant des tableaux de maîtres anciens au Louvre et en Italie, Hollande et Espagne. Ce n'est qu'au début des années 1870 qu'il se tourne vers l'impressionnisme. Edgar a exposé dans un certain nombre de huit expositions impressionnistes en 1874 et après. En effet, il a joué un rôle clé dans leur organisation. Mais son implication a toujours été controversée: il était exigeant, dur et n'aimait pas qu'on le traite d'impressionniste. Degas était difficile à d'autres égards également. De temps en temps il acceptait des invitations à dîner, mais seulement si une longue liste de conditions était remplie: ne pas cuisiner à l'huile, ne pas mettre de fleurs sur la table, ne pas sentir le parfum, ne pas garder d'animaux dans la chambre, dîner aurait dû être servi exactement à 7h30 et les lumières devaient être tamisées. L'artiste refusait de peindre dans la rue et n'aimait vraiment pas beaucoup les paysages. C'est ce qui a fait l'idéal de l'opéra et de ses pratiques de ballet.

La série Dance Classes de Degas coche toutes les œuvres impressionnistes: ce sont des scènes contemporaines qui utilisent des couleurs vibrantes pour donner au spectateur une impression de mouvement. En plus de cela, comme la personnalité d'Edgar, ils sont dépourvus de toute sentimentalité. Intéressant est le moment où les peintures ne sont pas capturées par les enfants de l'élite riche. Les danseurs représentés sont la progéniture des pauvres et des pénombres parisiens, s'efforçant de gagner leur vie. Ils se sont entraînés de longues heures sous la tutelle austère du célèbre et dominateur danseur Jules Perrot, souvent représenté debout, appuyé sur un gros bâton.

Le motif principal de Degas dans la peinture des danseurs de ballet était la finance, car un tel plan se vendait bien. Et dans les années 1870, l'artiste avait besoin d'argent parce que son frère a lancé une entreprise familiale. Des versions de la classe de danse de Degas sont disponibles au Metropolitan Museum of Art de New York et au musée d'Orsay à Paris.

4. Claude Monet, Gare Saint-Lazare

En 1877, Monet a eu une très bonne idée - il a décidé de peindre du brouillard. Mais il ne voulait pas attendre le bon moment et la météo. Puis il eut une autre très bonne idée: dessiner la vapeur et la fumée de la gare. Mais c'était aussi un peu délicat: il avait besoin d'accéder au quai et il allait devoir lutter contre les trains qui allaient et venaient. En conséquence, l'artiste s'est rendu à la gare chez le chef de gare et, comme Renoir l'a expliqué plus tard, cela ressemblait à ceci:

Monet a déclaré au chef de gare qu'il pesait les mérites concurrents de la gare du Nord et de Saint-Lazare, optant pour Saint-Lazare. Pour sa part, le chef de gare connaissait peu l'art et n'a donc pas osé contester les références de Monet. Et, pensant avoir pris l'avantage sur la gare du Nord, il donne tout ce qu'il veut à Monet: les quais sont fermés, les trains sont pleins de charbon, les départs sont retardés. Après quelques jours de peinture, Monet repart avec la moitié une dizaine de toiles. Et puis… ce fut un succès colossal: le spectateur ressent presque physiquement la chaleur, le bruit et l'odeur de la station. Comme l'a noté un critique, les peintures recréent l'impression faite aux voyageurs par le bruit des trains qui s'approchent et partent.

Même Albert Wolff, l'un des commentateurs les plus conservateurs de l'époque, a complimenté dans le sens inverse: la peinture a produit « une impression désagréable de plusieurs locomotives à vapeur sifflant en même temps ». Paul Durand-Ruel, le galeriste impressionniste le plus fiable, a acheté ce lot à Monet et a donné de petites sommes au reste du groupe. Au total, Monet a peint douze tableaux "Gare Saint-Lazare", qui se trouvent dans le monde entier, notamment dans les musées de Londres et de Paris.