11 des œuvres d'art américaines les plus chères vendues aux enchères au cours des 10 dernières années

2024 Auteur: Richard Flannagan | [email protected]. Dernière modifié: 2023-12-16 00:05

La première décennie du XXIe siècle s'est avérée favorable à l'industrie de l'art: le tableau le plus cher du monde a été vendu aux enchères pour une somme fabuleuse, l'intérêt toujours croissant pour l'art des peuples autochtones et des minorités, ainsi que car l'influence durable des réseaux sociaux sur la perspective esthétique a fait son travail, jouant l'un des rôles principaux. L'art américain n'a pas fait exception et certains des chefs-d'œuvre les plus précieux des États-Unis sont passés de main en main, établissant de nouveaux records du monde aux enchères.

Le vingtième siècle a vu une explosion de créativité et d'innovation dans l'art américain, reflétée dans les onze chefs-d'œuvre répertoriés ici. Si certains d'entre eux ont été hébergés dans les départements d'art contemporain de grandes maisons de ventes, chacun a contribué à la notoriété et au succès de l'art américain en général.

1. Norman Rockwell

Créée à l'origine comme couverture pour le Saturday Evening Post, la scène du vestiaire de Norman Rockwell est rapidement devenue une icône culte. Tout au long du milieu du 20e siècle, les illustrations prolifiques de Norman ont contribué à façonner l'identité nationale, et en tant que l'une des équipes de baseball les plus anciennes et les plus appréciées du pays, les Red Sox de Boston étaient un moyen infaillible de toucher le cœur des Américains les plus durs.

Cette peinture représentant des joueurs de baseball reconnaissables et publiée pendant la retraite de la légende du baseball Ted Williams est toujours d'actualité aujourd'hui, étant considérée comme une peinture intemporelle. La peinture représente la recrue évoquant des émotions contradictoires, car l'attirail des Red Sox représente un sentiment de triomphe et de gloire, tandis que le nouveau venu maladroit ne peut s'empêcher de provoquer des sentiments d'anxiété et même d'embarras. La réponse émotionnelle profonde générée par l'image apparemment simple est sans aucun doute la raison pour laquelle cette peinture a été vendue aux enchères en 2014 pour un montant stupéfiant de 22 millions de dollars.

2. Edward Hopper

L'un des artistes les plus importants et les plus influents du XXe siècle, Edward Hopper s'est distingué de ses contemporains en capturant des scènes de la vie américaine quotidienne avec une honnêteté émotionnelle mais flagrante. Ceci est incarné dans The East Wind Over Weehawken.

Malgré l'absence de drame ou de beauté évidente, la peinture est chargée de tension et d'émotion, notamment à cause du signe «À vendre», qui peut signifier un mouvement en avant et une progression, mais implique également des difficultés et des luttes, provoquant des sentiments ambigus. En 2013, cette œuvre a été vendue chez Christie's pour quarante et un millions de dollars.

3. Georgia O'Keeffe

S'inspirant constamment du monde végétal, Georgia O'Keeffe a fait prendre une nouvelle dimension à la nature américaine. Au lieu de vastes paysages et de larges panoramas, elle a choisi de petits bourgeons ou des feuilles individuelles comme sujet de ses peintures, espérant que même les New-Yorkais occupés auraient l'occasion d'apprécier la beauté du monde naturel.

Une fleur qui figure dans de nombreuses peintures d'O'Keeffe est l'herbe de Jimson (dope commune), une plante toxique qu'elle a découverte près de sa maison au Nouveau-Mexique. Ses peintures en gros plan, représentant une fleur délicate mais vénéneuse, transforment le dangereux en beauté et figent l'éphémère, le rendant immortel.

Malgré le sous-texte intime souvent attribué à ses peintures florales, O'Keeffe a insisté sur le fait qu'il s'agissait d'hommages à la beauté de la nature et que de telles interprétations étaient le résultat des propres projections de la critique, et non de ses intentions. surprise et excitation du public au moment même où elle a été vendue pour près de quarante-cinq millions de dollars, ce qui en a fait l'œuvre la plus chère d'une femme artiste.

4. Mark Rothko

Bien qu'à première vue, cela semble si simple que n'importe qui avec un pinceau et une toile puisse peindre le n ° 10 - l'une des peintures les plus célèbres de Mark Rothko. En fait, cette œuvre représente l'habileté de l'artiste tant dans les instruments que dans la technique. Les huiles semblent briller d'une lueur surnaturelle qui donne à la peinture de l'énergie et du mouvement. La palette de couleurs évoque des associations directes avec la chaleur, le feu et la passion, et les zones où le jaune rencontre l'orange et le rouge se transforment en noir sont imprégnées d'un sens obsessionnel de l'inconnu.

Qui sait ce qui a motivé l'un des enchérisseurs anonymes de Christie's, qui s'est séparé sans regret d'une somme impressionnante de quatre-vingt-deux millions de dollars, ayant acquis le « n°10 » pour sa propre collection.

5. Andy Warhol

Après avoir représenté Marilyn Monroe, Elizabeth Taylor et Marlon Brando, il était presque inévitable que l'artiste pop se tourne vers le King of Rock pour compléter son panthéon d'icônes américaines. La fascination de Warhol pour la culture populaire a fait d'Elvis Presley le sujet idéal pour l'une de ses sérigraphies caractéristiques. La superposition d'images monochromes cinématographiques et l'idée d'un écran argenté reflété dans un fond poli emmènent le spectateur dans le monde de l'Hollywood des années 1950 pour une expérience inoubliable. Ce look est si puissant qu'il a été acheté chez Christie's en 2014 pour 82 millions de dollars.

6. Barnett Newman

Entre 1958 et 1966, Barnett Newman (Newman) a créé une série de pigments noirs sur des toiles ouvertes. Leur simplicité et leur interaction symbolique entre la lumière et l'obscurité incarnent le sentiment de solennité et d'immensité généré par la perte de son frère par l'artiste. Newman a traduit son chagrin et sa préoccupation pour la mortalité en œuvres d'art à la fois rugueuses et tendues, mais sophistiquées et harmonieuses à la fois.

La référence au feu dans le titre invite le spectateur à voir le mouvement et la passion même dans un éclair linéaire et une palette monochrome. La pièce a certainement allumé un feu dans le cœur d'un enchérisseur anonyme qui a acheté Black Fire I à Christie's en 2014 pour 84 millions de dollars.

7. Mark Rothko

"Orange, rouge, jaune" - des couleurs comme la peinture de Mark Rothko attirent l'œil et les émotions pour la plupart des mêmes raisons que le n ° 10. Sa palette de couleurs chaudes semble émettre de la lumière à partir de l'huile et des zones liminales dans lesquelles l'ombre devient différents, ils nécessitent une contemplation particulière. Cependant, contrairement au n°10, cette pièce respire la vitalité et ne porte aucune trace de noirceur, ce qui semble signifier la fin.

Une myriade de traits légers crée une variété de textures, allant de presque transparentes à une opalescence riche, ce qui donne à la peinture une impression de profondeur saisissante. Combiné à l'énorme envergure de la toile, qui mesure près de 8 pieds de haut, cela crée l'effet d'envelopper le spectateur dans une traînée intime de chaleur. C'est pourquoi cette œuvre de Rothko a été vendue aux enchères chez Christie's en 2012 pour près de quatre-vingt-sept millions de dollars.

8. Edward Hopper

Chop Suei est souvent considéré comme le tableau le plus parfait d'Edward Hopper en raison du fait qu'il fait appel à tous les sens et invite le spectateur à créer une histoire dans son esprit. Comme le vent d'Est sur Weehawken, Chop Suei se concentre sur les moments les plus tranquilles de la vie américaine, présentant une scène de tous les jours avec de larges coups de pinceau et des tons sourds.

Au lieu du réalisme photographique auquel aspiraient nombre de ses pairs, ce style évoque l'effet d'un souvenir ou d'un rêve. La scène enchanteresse et mystérieuse a établi le record de l'œuvre la plus chère de Hopper lorsqu'elle a été vendue chez Christie's en 2018 pour un peu moins de quatre-vingt-douze millions de dollars.

9. Roy Lichtenstein

Bien avant qu'elle ne soit vendue chez Christie's pour quatre-vingt-quinze millions de dollars en 2015, Nurse de Roy Lichtenstein est devenue une œuvre emblématique de l'art américain, incarnant le défi du pop art aux arts visuels traditionnels. Prenant exemple sur les campagnes publicitaires modernes, les bandes dessinées et le mercantilisme, le pop art a donné à son public une nouvelle lentille à travers laquelle il était possible d'interpréter le monde qui l'entourait et les messages qu'il recevait.

Le travail de l'infirmière conserve une impression de profondeur et d'énergie générée par le vaste champ de points dessinés à la main (plutôt que fabriqués à la machine) qui composent le visage, les manches et l'arrière-plan de la femme. Combiné avec des lignes et des couleurs audacieuses qui composent le reste de l'image, la peinture se situe quelque part entre la parodie, la sincérité et l'ironie.

10. Jean-Michel Basquiat

Après avoir reçu un exemplaire de Grey's Anatomy alors qu'il se remettait d'un accident de voiture, Jean-Michel Basquiat s'est intéressé au corps humain, comme en témoignent les peintures qu'il a réalisées à l'âge adulte. Le crâne est l'une des images les plus reconnaissables qui apparaît régulièrement dans son travail, un symbole qui construit un pont entre la vie et la mort.

Un exemple en est son œuvre "Untitled", dans laquelle des couleurs vives et des traits durs et chaotiques contrastent avec un crâne enfoncé et en sourdine. Alliant une base scientifique à un style urbain, la peinture incarne la nouvelle approche de l'art de Basquiat. Cela a été montré à l'exposition Basquiat, qui n'était pas nommée comme la seule pièce exposée, et à Sotheby's, où la peinture a été vendue pour cent dix millions de dollars en 2017.

11. Andy Warhol

Comme Triple Elvis, Silver Car Crash d'Andy Warhol utilise une combinaison de sérigraphie et de peinture argentée, mais l'effet est complètement différent. Le Silver Crash souligne que si la voiture est l'essence de la liberté, de l'industrie et du rêve américain, elle a également la capacité de causer la mort, la destruction et le désastre.

La représentation tentante et horrible d'une voiture accidentée, répétée maintes et maintes fois, et la toile vierge envoûtante à côté, ont attiré l'attention de trois collectionneurs d'art extrêmement célèbres: Gian Enzo Sperone, Charles Saatchi et Thomas Amman. Un commissaire-priseur anonyme de Sotheby's a acheté le tableau en 2013 pour cent cinq millions de dollars, le prix le plus élevé jamais payé pour Warhol.

Suite du sujet - 10 charmantes peintures de paysages, qui chargent le spectateur de la "sublime énergie" la plus réelle et donnent une mer d'émotions de toutes sortes.