Pourquoi est-il si difficile de regarder David dans les yeux et d'autres secrets d'œuvres d'art célèbres

2024 Auteur: Richard Flannagan | [email protected]. Dernière modifié: 2023-12-16 00:05

L'art est unique car il « touche les cordes de l'âme » de chaque personne d'une manière différente. Quelle que soit la signification d'une œuvre d'art pour quelqu'un, elle ne signifiera pas nécessairement la même chose pour une autre personne, et les points de vue peuvent être complètement différents (et même radicalement différents de ce que l'artiste lui-même voulait dire). De plus, chaque œuvre d'art a de nombreuses histoires intéressantes qui s'accumulent au fil des décennies et même des siècles. Vous n'avez qu'à regarder de plus près.

1. Portrait du couple Arnolfini

Le portrait du couple Arnolfini, peint en 1434 par l'artiste néerlandais Jan van Eyck, est considéré par les historiens de l'art comme l'un des tableaux les plus importants de l'histoire, mais est également une source constante de controverse. Commençons par le fait que le tableau est peint à l'huile. Aujourd'hui, c'est une pratique assez courante, mais c'était assez rare dans l'art d'Europe occidentale du début du XVe siècle. Cela a permis à Van Eyck de libérer pleinement son talent pour le détail d'une manière rarement vue dans d'autres peintures de l'époque. Si vous regardez attentivement, il est facile de voir que le miroir sur le mur du fond reflète toute la pièce, y compris deux autres personnes debout dans l'embrasure de la porte. Curieusement, le chien qui se tient entre le couple ne se reflète pas dans le reflet. L'artiste a même pris en compte la distorsion du reflet dans le miroir convexe.

Incroyablement, même de petits médaillons sur le cadre du miroir représentent des scènes de la Passion du Christ. Cependant, la partie la plus controversée de l'image n'est pas le miroir, mais le couple lui-même. À l'époque, il était très inhabituel de dessiner des personnes simplement debout dans une pièce, alors les historiens soutiennent que la peinture peut avoir une signification plus profonde. En particulier, certains soutiennent que le tableau représente des jeunes mariés et que les personnages mystérieux à la porte en sont des témoins. Tout le monde n'est pas d'accord avec cette affirmation et les experts tentent depuis longtemps d'analyser tous les détails de la photo: de la façon dont le couple se tient la main, à la façon dont la femme se coiffe, pour tenter d'établir une relation entre les deux personnes.

2. "Manneken Pis"

Ceux qui sont déjà allés à Bruxelles ont probablement vu l'un des sites les plus remarquables de Belgique - la sculpture du Manneken Pis. Comme vous pouvez le deviner d'après le titre, il représente un petit garçon faisant pipi dans une fontaine. Les archives montrent que la sculpture originale a été installée en 1388. Ensuite, c'était une statue de pierre qui servait de fontaine publique, mais elle a été soit détruite, soit volée à un moment donné.

Le Manneken Pis dans sa forme actuelle a été créé et installé par le sculpteur flamand Jérôme Duquesnoy en 1619. Il existe de nombreuses légendes sur l'origine de la sculpture. Le plus célèbre d'entre eux raconte l'histoire d'un petit garçon qui sauva Bruxelles alors que la ville était assiégée. Il l'a fait en urinant sur une mèche allumée alors que l'ennemi tentait de faire sauter les murs de la ville. Une autre légende raconte que la statue représente en réalité le duc Gottfried III, comte de Louvain, à l'âge de deux ans.

Selon l'histoire, pendant la bataille, ses soldats ont mis le garçon dans un panier, qu'ils ont suspendu à un arbre. De là, Gottfried a uriné sur l'ennemi, qui a finalement perdu la bataille. De nos jours, la statue est l'une des principales attractions touristiques de la ville, et vous pouvez souvent voir le Manneken Pis en costume. C'est parce qu'il y a une tradition depuis le 18ème siècle d'habiller la statue avec des vêtements à la mode. Sa garde-robe se compose actuellement de plus de 900 costumes.

3. "Jardin des délices terrestres"

Le Jardin des délices est l'une des peintures les plus complexes et les plus ambitieuses de l'histoire. Techniquement, il s'agit d'un triptyque (trois panneaux séparés) peint par le maître hollandais Hieronymus Bosch entre 1490 et 1510. Le panneau de gauche montre Adam et Eve dans le jardin d'Eden. Le panneau du milieu montre un riche panorama rempli de nombreux personnages, humains et animaux. Le panneau de droite représente un monde infernal sombre. À première vue, Bosch dépeint assez clairement le ciel, la terre et l'enfer, peut-être même comme un avertissement contre toutes les tentations de la vie. C'est du moins ce que pensent la plupart des critiques d'art, mais le travail de Bosch est tellement rempli d'images complexes et abstraites que même 600 ans plus tard, les gens découvrent encore quelque chose de nouveau dans sa peinture. Par exemple, le triptyque joue un grand rôle dans la musique, et il représente de nombreux personnages jouant des instruments de musique de manière non conventionnelle (par exemple, sur des flûtes insérées entre les fesses).

Les musicologues d'Oxford ont recréé certains des instruments de la peinture et ont essayé de les jouer, mais ont trouvé qu'ils sonnaient terriblement. Tout récemment, des chercheurs ont découvert que l'un des personnages du panneau de l'enfer avait des notes imprimées sur son cinquième point. Ils ont été déchiffrés et enregistrés en tant que "chanson de cul de l'enfer de 600 ans".

4. Tapisserie de Bayeux

La Tapisserie de Bayeux est l'un des objets les plus importants ayant survécu au Moyen Âge. Il s'agit d'une toile de 230 mètres de long brodée de 50 scènes représentant la bataille entre Guillaume le Conquérant et le roi Harold lors de l'invasion normande. Bien qu'elle ait plus de 900 ans, la tapisserie est toujours dans un état remarquable, bien que la dernière partie soit manifestement manquante. Pour être pédante, la tapisserie de Bayeux n'est techniquement pas une tapisserie. Il s'agit d'une broderie qui, bien que similaire à la tapisserie, utilise une technique différente. Les fils sont cousus dans le tissu de base pour former des motifs plutôt que tissés sur un métier à tisser. La vieille histoire selon laquelle la tapisserie a été réalisée par des religieuses dans toute l'Angleterre puis cousue ensemble semble également peu probable.

Les experts modernes pensent que bien que les personnages soient différents dans de nombreuses scènes, la technique de broderie reste la même. Cela les a amenés à conclure que la tapisserie avait probablement été réalisée par une équipe de couturières expérimentées. Le plus grand mystère entourant la tapisserie reste son origine. Le frère de William, l'évêque Odo, a longtemps été considéré comme le "candidat" le plus probable pour la tapisserie. Cependant, selon une théorie récente, il est possible qu'Edith Godwinson, la sœur d'Harold vaincu, ait également tenté de gagner les faveurs du nouveau roi.

5. Persée avec la tête de Méduse

Si vous visitez la Piazza della Signoria à Florence, vous pouvez voir une superbe "exposition" d'art de la Renaissance. La place abrite une importante collection de statues inestimables, dont Hercule et Cacus de Bandinelli, L'Enlèvement des Sabines de Giambologna et les Lions des Médicis. Cependant, la statue qui attire le plus l'attention est sans aucun doute le chef-d'œuvre de Cellini Persée avec la tête de Méduse. Le titre de la pièce est assez évident. Cellini a dépeint un Persée triomphant soulevant la tête coupée de Méduse dans les airs, avec son corps sans vie à ses pieds. Cette histoire est populaire dans la mythologie grecque et résonne encore aujourd'hui auprès du public.

La statue a été commandée par Cosme Ier de Médicis lorsqu'il est devenu grand-duc, et a été ouverte au public en 1554. Puis "Persée" a été installé sur la place avec la statue susmentionnée d'Hercule, "David" de Michel-Ange et "Judith et Holopherne" de Donatello. Néanmoins, alors que les statues de Michel-Ange et de Donatello ont été emmenées dans des musées et que des copies ont été installées sur la place, le Persée original est resté sur la place pendant près de 500 ans, ne subissant qu'occasionnellement une restauration. Cellini a trouvé une façon étrange de signer son travail (autre que de mettre son nom sur la ceinture de Persée). Si vous regardez la tête de Persée de dos, vous pouvez voir que son casque et ses cheveux forment son visage et sa barbe. Bien qu'il ne s'agisse pas d'une ressemblance parfaite, beaucoup s'accordent à dire qu'il s'est représenté à l'arrière de la tête du héros.

6. Buste de Lénine

Le buste de Lénine n'est pas si surprenant. Au siècle dernier, un grand nombre d'entre eux ont été installés dans le monde entier. Ce qui rend ce buste spécial, c'est l'endroit où il est installé - l'Antarctique. Pour être plus précis, il est situé au "Pôle d'Inaccessibilité", l'endroit le plus éloigné du Pôle Sud. Pendant la guerre froide, les Américains ont construit une station de recherche au pôle Sud. Dans un effort pour suivre le rythme, l'URSS a également construit sa propre station en 1958, et ils l'ont fait dans l'endroit le plus inaccessible qu'ils pouvaient trouver. Les scientifiques n'y sont restés que quelques semaines, puis ont quitté la station, installant un buste de Lénine près de la sortie. Au cours de la décennie suivante, plusieurs nouvelles expéditions sont arrivées à la station de recherche, la dernière en 1967. Après cela, la gare et le buste ont été oubliés pendant 40 ans. En 2007, une équipe de recherche canado-britannique en Antarctique a voulu établir le record en étant la première à atteindre le pôle d'inaccessibilité à pied. Après 49 jours de marche, ils ont atteint leur destination, où ils ont été accueillis par la seule chose qui restait de la gare - un buste de Lénine. Tout le reste était recouvert de neige.

7. "Adoration des mages"

L'"Adoration des Mages" est communément appelée la célèbre scène biblique où les trois sages ont suivi l'étoile pour apporter des cadeaux à l'enfant Jésus. La scène a été largement utilisée dans l'art et de nombreux grands artistes ont écrit leurs propres versions, notamment Botticelli, Rembrandt, Leonardo et Rubens. Mais maintenant, nous parlons de Giotto, un artiste italien du 13ème siècle, dont la propre version de "L'Adoration des Mages" est considérée comme l'un de ses plus grands chefs-d'œuvre. On notera en particulier l'étoile de Bethléem, que, selon certains experts, Giotto aurait dessinée sur le modèle de la comète de Halley, qu'il aurait pu voir la veille. Le moment est venu. Giotto a terminé la peinture en 1305 et l'a commencé vers 1303.

La comète de Halley a dépassé la Terre en 1301, il est donc possible que Giotto puisse la voir et s'en inspirer. Cependant, même si c'est le cas, Giotto n'a pas été le premier à représenter la comète. La tapisserie de Bayeux susmentionnée montre également le passage d'une comète en 1066 quelques mois avant la conquête normande. Il semble que les gens de l'ESA soient tellement convaincus de la crédibilité scientifique de la peinture qu'ils ont nommé leur mission d'exploration de la comète de Halley "Giotto" d'après l'artiste.

8. "Déclaration d'indépendance"

La déclaration d'indépendance de John Trumbull est l'une des peintures les plus emblématiques de l'histoire des États-Unis. Créé en 1817, le tableau se trouve dans le Capitole des États-Unis depuis près de 200 ans et est même représenté sur un billet de 2 dollars. En raison du titre et de l'importance de la peinture, de nombreuses personnes croient à tort que l'œuvre représente la signature de la Déclaration d'indépendance. En fait, la toile représente un comité éditorial de cinq membres dirigé par Thomas Jefferson (dont Ben Franklin, John Adams, Roger Sherman et Robert Livingston) présentant le premier projet de la déclaration au président du Congrès continental, John Hancock. Le tableau représente 42 des 56 personnes qui finiront par signer la déclaration. Trumbull voulait inclure les 56 autres, mais il n'a pas pu trouver d'images fiables des 14 autres.

D'autres éléments architecturaux de l'Independence Hall, où l'événement a eu lieu, étaient imprécis car ils étaient basés sur un croquis que Thomas Jefferson a fait de mémoire. Dans le tableau, à première vue, il peut sembler que Thomas Jefferson marche sur le pied de John Adams, et certains pensent que cela devrait symboliser les tensions politiques entre les deux. Cependant, en y regardant de plus près, il est révélé que leurs jambes sont côte à côte. L'image sur le billet de 2 $ a été modifiée pour créer plus d'espace entre leurs jambes.

9. "Vénus avec un miroir"

Diego Velazquez était l'un des principaux peintres de l'âge d'or espagnol, et Vénus au miroir est considérée comme l'une de ses plus belles œuvres, ainsi que la plus controversée. Le thème de l'image est extrêmement controversé - Vénus nue est assise dos à l'observateur, regardant le spectateur depuis le miroir. Quant à l'érotisme, jusqu'à présent, des choses beaucoup moins explicites étaient représentées dans l'art. Cependant, Velazquez a terminé la peinture en 1651, lorsque l'Inquisition espagnole a considéré que la nudité dans l'art était « inacceptable ». Les artistes qui ont franchi la ligne ont été condamnés à une amende ou excommuniés et leurs œuvres ont été confisquées.

Juste parce que Velazquez était sous les auspices du roi Philippe IV d'Espagne, il s'en est tiré avec un tel « hooliganisme », et c'est toujours sa seule image survivante d'une femme nue. Le tableau se trouve au Rockby Park Museum en Angleterre depuis près d'un siècle et, depuis 1906, il a déménagé à la National Gallery de Londres. Vénus au miroir a fait la une des journaux en 1914 lorsqu'elle a été victime d'une attaque brutale. L'auteur était la suffragette Mary Richardson, qui voulait détruire quelque chose de valeur pour protester contre l'arrestation d'Emmeline Pankhurst. Elle attaque le tableau avec un couteau, infligeant sept longues coupures, mais la toile est finalement complètement restaurée.

10. "David"

Le David de Michel-Ange est peut-être la statue la plus célèbre au monde. Cependant, peu de gens ont regardé David en face. Cela est dû à deux raisons. Premièrement, la hauteur de la statue est de plus de 5 mètres, et deuxièmement, elle est située en face d'une colonne de la Galleria dell'Accademia de Florence depuis 1873. De l'extérieur, David a l'air impressionnant et confiant. Cependant, à y regarder de plus près, son regard trahit la nervosité, l'agressivité et même la peur. Michel-Ange n'a évidemment pas accidentellement fait une telle expression sur son visage, alors les scientifiques pensent aujourd'hui que la statue représente David se préparant à combattre Goliath. Ceci est confirmé par la déclaration d'autres chercheurs selon laquelle David tient une arme dans sa main droite, très probablement une fronde.

Deux médecins florentins ont examiné David et ont été étonnés du niveau de détail de la statue. La tension dans les muscles de la jambe droite, les muscles tendus entre les sourcils et les narines enflées - tout cela correspond au fait que David s'apprête à jeter une pierre à l'ennemi. Cette constatation explique également une autre caractéristique de la statue - la taille des organes génitaux. La plupart des gens qui voient la statue se demandent pourquoi Michel-Ange les a peintes dans une taille si modeste, étant donné qu'il a rendu David si imposant à tous égards. Mais anatomiquement, l'organe ratatiné correspond parfaitement à la situation où une personne est sur le point de se battre jusqu'à la mort.