Que sait-on du premier tableau du grand Léonard : "Madonna of the Carnation"

2024 Auteur: Richard Flannagan | [email protected]. Dernière modifié: 2023-12-16 00:05

La Vierge à l'œillet est une peinture de Léonard de Vinci et est exposée en permanence à l'Alte Pinakothek (Alte Pinakothek), Munich. On pense que cet ouvrage a été écrit à la fin du XVe siècle, entre 1472 et 1480. Il s'agit de la première création indépendante de l'artiste.

Motif dans les œuvres d'autres artistes

La Vierge à l'œillet était un motif commun pour les artistes médiévaux et de la Renaissance. D'autres tableaux célèbres avec ce sujet appartiennent au pinceau de Raphaël et Bernardino. L'image de la Vierge à l'œillet de Vinci, à première vue, est relativement conditionnelle. L'Enfant Jésus est un peu plus réaliste que d'autres exemples du motif. Si da Vinci avait créé cette œuvre en 1472, comme certains l'ont suggéré, il l'aurait peinte dans l'atelier d'Andrea del Verrocchio, auquel il a rejoint à l'âge de 14 ans. En arrière-plan, nous voyons des arcs à travers lesquels le paysage est traditionnel pour l'Italie. L'artiste a réussi à créer une toile magnifique, frappante par sa pureté et sa tendresse. Dans l'œuvre du jeune Léonard, une passion pour les textures douces et les matériaux durs est déjà visible (comme cela se pratique dans l'atelier d'un artiste florentin).

Terrain

Ce tableau représente la Vierge Marie assise avec un bébé Jésus extrêmement dodu et quelque peu disproportionné sur ses genoux. Dans sa main gauche, elle tient un œillet, symbole de guérison. A droite - tient le bébé. Da Vinci illumine les visages de Marie et du bébé, mais ombrage le fond en utilisant la technique du clair-obscur. A noter que les personnages n'ont pas de contact visuel: l'enfant lève les yeux, la mère regarde. Il semble que l'objet de leur regard soit le symbole principal de l'image - l'œillet. L'intérieur du portrait est représenté par une pièce avec deux fenêtres encadrant la Vierge Marie. Les contemporains ont remarqué un détail expressif: da Vinci représente une carafe d'eau, dans laquelle le maître a réussi à acheminer l'eau de la manière la plus réaliste possible. L'artiste utilise également habilement la palette de couleurs.

La peinture est dominée par des tons bruns, rouges et or. Il semble que toute la toile soit inondée d'une lumière particulière (c'est aussi un hommage au clair-obscur). Léonard crée une toile sur un thème religieux, comment est représentée sa Madone ? C'est une belle femme ordinaire qui tient son bébé dans ses bras. Et il s'amuse avec une fleur. Belle idylle familiale. Si le spectateur ne savait pas qu'il s'agit de la Vierge Marie et du Christ, il pourrait bien penser qu'il s'agit de gens ordinaires. Les héros de sa création prennent vie. Il semble que dans un autre moment, et ils parleront. Les détails sont tout aussi magistralement rendus. C'est peut-être l'image même à propos de laquelle Vasari a écrit: « Madonna est une belle œuvre qui est entrée en possession du pape Clément. Les détails de cette peinture étaient un vase d'eau et de fleurs, peint avec un réalisme étonnant, sur lequel il y avait des gouttes de rosée qui semblaient plus convaincantes que les vraies. » Cette œuvre est souvent comparée à la Madone Benois de l'Hermitage. Bien sûr, le tableau que nous examinons est plus complexe dans sa composition et son agencement spatial, bien que peut-être moins spontané. Nous ne savons pas comment l'œuvre est entrée dans la « Vieille Pinacothèque » de Munich après son acquisition par un collectionneur privé allemand. Au début, en raison de la forte influence de l'atelier de Verrocchio, le tableau lui a été attribué, mais aujourd'hui il est absolument certain qu'il s'agit du pinceau du jeune Léonard.

La Sainte Vierge

Devant nous se trouve la Vierge Marie. Elle est simplement et incroyablement belle. Ses traits sont vraiment parfaits. Les cheveux bruns ondulés sont élégamment coiffés. La Vierge Marie dans l'œuvre de Léonard est vêtue de beaux vêtements et de bijoux précieux. Les vêtements faits de tissus coûteux frappent par leur splendeur. Il est intéressant de noter que les couleurs et même la forme de sa robe complexe sont en harmonie avec le style des montagnes en arrière-plan de l'image. Son visage n'exprime aucun sentiment. Rien ne trouble la tranquillité de ses traits parfaits, et le demi-sourire de Madonna crée une impression encore plus grande d'isolement du monde.

Jésus

Dans les bras de la Vierge Marie, nous voyons le Christ. Le bébé tend les mains vers la fleur que tient sa mère. Ce geste est très important. Il souligne que l'enfant est complètement innocent, et en même temps prédit la crucifixion qui l'attend à l'avenir. Contrairement à la madone calme, le bébé est représenté avec une spontanéité enfantine et en train de faire preuve de curiosité active avec un œillet. Il atteint délibérément l'œillet qui a piqué son intérêt. Jésus est représenté comme un bébé ordinaire, qui cherche un peu maladroitement le symbole de la passion dans la main de Marie. La décision de représenter Jésus comme un simple enfant plutôt qu'une divinité rend la peinture de Da Vinci reconnaissable et familière au grand public.

Symbolisme

L'œillet est interprété comme un symbole de guérison ou un symbole de passion. Un vase en cristal aux fleurs délicates évoque la pureté de l'héroïne. C'est elle qui exprime l'innocence et le charme de la Vierge Marie. A la Renaissance, l'œillet symbolisait soit la crucifixion, soit le pur amour de la Vierge. Ainsi, l'image suggère que le Christ, même en tant que bébé, a accepté son futur sacrifice sur la croix, et l'expression maussade de sa mère implique sa compréhension des événements futurs et son amour inconditionnel.

En effet, la richesse de la draperie, l'immensité du paysage montagnard aux teintes violettes et dorées, la vitalité des fleurs coupées dans un vase de cristal et la douceur de la chair de l'Enfant sont des éléments qui témoignent d'une rupture avec le style plus caractéristique de Verrocchio. Le style prend les traits formels qui caractérisent le Léonard mûr. De plus, il ne faut pas perdre de vue les similitudes frappantes - dans les traits du visage et d'autres détails - avec la Madone Benois déjà mentionnée (le bijou qui tient la robe de la Vierge sur sa poitrine) et avec l'Annonciation des Offices. Ce sont des œuvres qui, dans leur invention figurative et expressive, démontrent assez clairement l'évolution du style de Léonard.