Faits peu connus sur la peinture numérique qui prouvent que ce genre est du grand art

2024 Auteur: Richard Flannagan | [email protected]. Dernière modifié: 2023-12-16 00:05

La peinture numérique est une fine ligne d'opposés, combinant une touche de couleurs vives avec la haute technologie. C'est un monde de l'art étonnant, où chaque image créée est si multiforme qu'il est parfois difficile de la comprendre et de l'apprécier. Quelqu'un préfère un style mixte, et quelqu'un de zéro utilise exclusivement une tablette pour dessiner et une douzaine de programmes adaptés pour le traitement. Mais d'une manière ou d'une autre, cet art est très populaire dans le monde entier et peut se vanter d'une histoire tout aussi vivante et fascinante de sa création.

1. Histoire de la peinture numérique

Depuis l'invention de la photographie à la fin du 19e siècle, la peinture s'estompe peu à peu, et une véritable confrontation s'engage entre photographes et artistes, car chacun essaie de défendre et de prouver son point de vue. Ce n'est que dans les années 1960, avec l'émergence du pop art et du photoréalisme, que les artistes ont commencé à explorer le concept de peinture numérique. L'un des premiers à adopter l'esthétique numérique a été l'artiste pop Roy Lichtenstein, qui a introduit des points d'encre dans son art, qu'il a minutieusement peints à la main avec une peinture spéciale à l'aide d'un pochoir en métal.

Dans le tableau Brushstrokes de 1965, Liechtenstein agrandit une bande dessinée intitulée Peinture de Dick Giordano. Le design abstrait de sa composition rappelle celui des expressionnistes abstraits new-yorkais des années 1950, mais Liechtenstein parodie délibérément leur supposée originalité en rendant sa composition abstraite et ses gouttes de peinture complètement synthétiques.

Dans le sillage du pop art américain, un groupe alternatif d'artistes a émergé à Berlin-Ouest qui se sont dits réalistes capitalistes, se proclamant « les premiers artistes pop allemands ».

L'un des membres les plus éminents du groupe était Sigmar Polke, qui a étudié les mondes des médias, de la publicité et de la culture populaire. Mais contrairement à la culture pop américaine, les réalistes capitalistes ont adopté une approche plus brute et désordonnée, combinant l'expressionnisme du passé allemand avec des éléments d'imagerie médiatique pour créer leur propre style de peinture numérique.

Comme le Liechtenstein, Polke aimait les points. Il a inséré, imprimé et peint ces points dans plusieurs de ses peintures, les transformant en son propre style de signature audacieux, comme le montre le tableau Untitled de 1963.

L'artiste allemand Gerhard Richter était étroitement associé à Polke et au mouvement réaliste capitaliste, partageant avec Polke une fascination mutuelle pour la manière dont la surface imprimée pouvait être incorporée dans la peinture. Richter est peut-être mieux connu pour ses peintures photoréalistes floues qui imitent si bien le flou artistique de la photographie qu'on se demande souvent si elles ont vraiment été peintes. Son travail était étroitement associé aux photoréalistes américains des années 1960 et 1970, qui cherchaient des moyens de transmettre minutieusement le réalisme aigu de la photographie dans la peinture.

Mais Richter a adopté une approche plus expérimentale, mélangeant des effets photographiques et picturaux, exprimant son admiration pour la nouvelle vague artistique. Dans les années 1970, Gerhard a commencé à photographier ses propres peintures abstraites et expressives et à en créer de nouvelles à partir de ces photographies. Comme on peut le voir dans Abstract Painting #439, 1978, la fluidité liquide de la peinture se confond avec la surface brillante et intacte de la photographie, créant une peinture numérique. Richter et Polke ont eu une influence particulièrement profonde sur les artistes contemporains, qui continuent à développer leurs compétences et leurs approches expérimentales pour la création d'une œuvre particulière.

2. Collage

De nombreux artistes contemporains tirent leurs histoires de sources photographiques trouvées plutôt que d'observations directes, reflétant la pénétration des médias imprimés dans la vie quotidienne. Certains des artistes contemporains les plus aventureux mettent délibérément l'accent sur la nature numérique du matériau original, en mettant l'accent sur les textures et les surfaces de l'impression originale et ses bords coupés ou déchirés.

L'artiste britannique Dexter Dalwood crée des peintures basées sur ses propres petits collages, reproduisant délibérément des lignes nettes ou des écarts de peinture inégaux sur la toile, créant ainsi des lieux étranges et illusoires, comme on le voit dans l'une de ses œuvres en 2004. Comme Dalwood, l'artiste britannique Neil Gull aime se plonger dans les éphémères visuels de la vie quotidienne, s'efforçant de les incorporer le plus original possible dans la peinture.

3. Ordinateurs, imprimantes et copieurs

Le temps ne s'arrête pas et les artistes continuent d'expérimenter la dichotomie ludique entre l'impression numérique et la peinture. L'artiste américain Wade Guyton réalise des œuvres qui caractérisent le terme peinture numérique en imprimant sur des feuilles de toile à l'aide d'une imprimante à jet d'encre grand format Epson Stylus Pro 9600. Ses motifs géométriques caractéristiques de carrés, de croix et de grilles sont créés sur ordinateur avant d'être imprimés sur toile, mais par-dessus tout, il aime les défaillances techniques qui surviennent à l'imprimante au-delà de son contrôle, lorsque la toile se coince et doit être retirée, et que l'encre commence simplement à couler, se mélangeant les unes aux autres.

L'artiste allemande contemporaine Charlene von Hale travaille à partir des images trouvées, qu'elle assombrit ensuite et abstrait au cours du processus de peinture. Depuis 2001, elle expérimente avec des photocopieurs et comment ils peuvent déformer et transformer des images existantes et lui fournir une gamme infinie de nouveaux matériaux avec lesquels travailler pour créer son propre style de peinture numérique. Parfois, elle crée de nouvelles images en peignant sur des photocopies, comme on le voit dans une peinture de 2003.

4. Images flottantes

L'une des artistes de peinture numérique les plus passionnantes d'aujourd'hui est l'artiste américaine Jacqueline Humphries, dont les peintures illustrent les langages numériques des codes captcha, des emojis et des programmes informatiques. Ses motifs répétitifs complexes de points, de tirets, de croix et d'emojis sont dessinés à l'aide d'un cutter industriel, qu'elle tisse ensuite avec des bandes de peinture expressionnistes, combinant la peinture numérique avec les traits imprévisibles de sa main. Elle compare ce processus de superposition à une activité informatique multi-écrans, où le spectateur peut afficher plusieurs pages à la fois, l'une sur l'autre.

Sa célèbre série de peintures Black Light imite davantage l'esthétique d'écrans d'ordinateur brillants peints avec de la peinture ultraviolette sur d'énormes toiles qui ne peuvent être vues que dans une pièce sombre éclairée par des lampes ultraviolettes, donnant à ses peintures ce qu'elle appelle une "qualité cinématographique".

L'artiste abstraite américaine Amy Sillman est peut-être mieux connue pour ses toiles improvisées en vrac constituées de réseaux de lignes superposées, de formes et de couleurs vives, mais elle a également réalisé des animations émouvantes qui donnent vie à son langage visuel. Le travail d'animation "Thirteen Possible Futures: Cartoon for a Painting", 2012, a été réalisé à l'aide de l'application de dessin iPad. Sillman a ensuite imprimé chaque image de l'animation et les a transformées en une immense installation, permettant au spectateur de jeter un coup d'œil dans les coulisses du processus décisionnel plus large qui permet de créer une seule œuvre d'art.

5. L'avenir de la peinture numérique

Alors que nous entrons dans un avenir de développement technologique en plein essor, il ne fait aucun doute que la portée de la peinture numérique continuera de s'étendre dans des directions nouvelles et passionnantes. L'artiste britannique Glenn Brown voit le rôle futur de la peinture dans le remaniement et la réinvention de l'histoire de l'art du passé, en la transformant en quelque chose de nouveau. Ses peintures copient et refont des peintures précédentes, anciennes et nouvelles, de Rembrandt van Rijn à Frank Auerbach, à l'aide de divers types de filtres, il les perfectionne, leur insufflant une vie et un sens complètement nouveaux.

La fantaisie humaine ne connaît pas de frontières, surtout en matière de créativité et d'art. Artistes, photographes et sculpteurs du monde entier ne cessent d'émerveiller le public avec leurs œuvres qui, soulevant de nombreuses questions, restent souvent sans réponse. Les illusions d'art vertigineuses ne faisaient pas exception., en regardant que la terre sort littéralement de sous nos pieds.