Pourquoi l'inégalable Diego Velazquez est appelé "l'artiste de la vérité"

2024 Auteur: Richard Flannagan | [email protected]. Dernière modifié: 2023-12-16 00:05

L'importance de son art dans le développement de la peinture mondiale est inestimable, et son héritage créatif a servi de source d'inspiration pour les grands maîtres français du XIXe siècle. Des critiques élogieuses à son sujet ont été chantées par Kramskoy, Surikov et Serov. Les amateurs d'art espagnol ont dû deviner qu'il s'agit de l'inégalable Diego Velazquez.

Biographie

Le plus grand peintre de l'école espagnole est né à Séville en 1599. Il a pu obtenir une bonne éducation. Dès son plus jeune âge, il a grandi comme un enfant curieux et bien formé, a rapidement appris à lire et dès son plus jeune âge a commencé à rassembler sa propre bibliothèque, qui à la fin de la vie de l'artiste s'est transformée en une collection monumentale. À en juger par les sujets des livres et des manuscrits de cette bibliothèque, Velazquez tout au long de sa vie s'est sérieusement intéressé à la littérature, l'architecture, l'histoire, la philosophie, les mathématiques et l'astronomie, lues en latin, en italien et en portugais. A 12 ans, Diego Velazquez décide enfin de devenir artiste. Il a commencé à travailler dans l'atelier de Séville de Francisco Herrera l'Ancien, puis dans l'atelier de l'artiste Francisco Pacheco. En 1623, l'artiste est invité à la cour du roi Philippe IV pour servir de peintre de cour.

Travail au palais

Bien que dans son activité principale Velazquez soit resté l'un des peintres de cour les plus célèbres du roi d'Espagne, il a acquis la plus grande renommée grâce à son portrait progressif et à sa peinture de sujet. C'est dans ce genre qu'il a acquis le statut d'« artiste de la vérité » en tant que maître d'une haute noblesse spirituelle et d'une intellectualité subtile. Travaillant à la cour, Velazquez a réussi à préserver la liberté intérieure et la dignité humaine. Il n'a pas subordonné son travail aux caprices et aux goûts des nobles clients. Travaillant sur les portraits, l'artiste s'est sincèrement intéressé à la fois à transmettre les traits d'un homme ordinaire et à le louer. Il a réussi à créer des œuvres extrêmement individualistes et impressionnantes. Velazquez reste l'un des artistes les plus importants de "l'âge d'or" espagnol et de la peinture mondiale en général.

Faits intéressants sur Vélasquez

Malgré l'abondance d'œuvres sur commandes royales, l'artiste a trouvé le temps de peindre des portraits d'intrigue de gens ordinaires et de scènes (qu'ils soient fileurs, bouffons, serviteurs, etc.). Ayant un statut élevé en tant qu'artiste de cour, Velazquez a réussi à supprimer les influences extérieures de l'opinion publique, qui considérait ce travail avilissant, inutile ou dénué de sens, et a créé des toiles vraiment irrésistibles.

La simplicité de l'artiste se reflétait dans ses œuvres: le style de peinture du maître espagnol était de nature photoréaliste et était très en avance sur son temps. Il a développé ses propres techniques pour représenter avec précision les détails et les nuances, y compris l'utilisation de dégradés de lumière, de couleur et de forme. Ce n'est pas pour rien qu'on l'appelle le premier ancêtre des impressionnistes et des réalistes.

Velazquez était un maître dans l'utilisation du clair-obscur (manipulation de la lumière et des ombres) pour créer un contraste élevé. Il a utilisé cette technique pour mettre en évidence des moments particulièrement importants pour le spectateur et établir une composition atmosphérique globale.

Soit dit en passant, la composition était pour Velazquez un outil stratégique pour gérer l'attention du spectateur du point de vue de sa propre idée. À cette fin, il a souvent utilisé des lignes diagonales et horizontales et des points focaux complexes pour diriger le regard de l'observateur vers la figure la plus importante.

Les Ménines

Le chef-d'œuvre de Velasquez "Meninas" est devenu l'une des œuvres les plus analysées de la peinture. Dans le tableau, le maître a représenté son propre autoportrait dans le rôle de lui-même. Se plaçant en tant qu'artiste dans la scène privée quotidienne aux côtés de la famille royale, il a noté non seulement la position de l'artiste en tant que personne autorisée à voir des moments d'intimité même dans la famille du roi, mais également d'élever le rôle de ce profession en ces temps difficiles.

Porteur d'eau

Vers 1620, Velazquez peint Le porteur d'eau, un portrait d'un homme pauvre âgé vêtu d'une robe marron en lambeaux servant un verre d'eau cristalline à un garçon dans la rue. Des gouttes d'eau scintillent sur la surface crémeuse d'un immense récipient en terre rempli d'eau. Velazquez a peint la toile très jeune (20 ans), mais il a réussi à transmettre avec génie l'idée la plus importante: malgré sa pauvreté, le porteur d'eau a une âme cristalline, comme l'eau grâce à laquelle il gagne un sou pour un vie. Les couleurs brutes et la douce humanité de la peinture traduisent parfaitement la profondeur de la compassion de l'artiste.

Autoportrait

L'autoportrait a été peint par l'artiste à l'âge de quarante ans, à l'apogée de son talent et dans les années mêmes où ses contemporains ont commencé à appeler Velázquez "l'artiste de la vérité".

Portrait de Juan de Pareja

Juan de Pareja était un Séville d'origine mauresque et le serviteur d'un artiste. Il a travaillé dans l'atelier de Velázquez à partir des années 1630. Parekha lui-même était un artiste talentueux. Le portrait démontre la force, l'équilibre et la fierté du héros malgré son statut d'esclave. La palette est étonnamment choisie - les tons gris généraux des vêtements contrastent avec les tons plus chauds du visage. Le regard est fort, décisif et expressif. Le portrait exprime un sentiment irrésistible de dignité humaine. Le col est ici particulièrement important: luxueux et cher, c'est une composition crémeuse d'une richesse éblouissante. Ceci, bien sûr, n'est pas un attribut des vêtements de la classe inférieure, et ici c'est un symbole de liberté. Velazquez a traité Pareja avec la même solennité et le même respect que celui représenté dans le portrait. La peinture est un témoignage significatif de l'amour de Velazquez pour l'image de la grandeur et de la pureté d'une personne ordinaire. Ce qui est significatif - immédiatement après l'achèvement du portrait, l'artiste a accordé la liberté à son ami.

Portrait du Pape Innocent X

Velazquez a étudié les portraits antérieurs des papes par Raphaël et Titien, mais il a peint l'image du pape Innocent X exactement comme il le voyait: un vieil homme méfiant et méfiant qui garde le monde. L'écriture magistrale de Velazquez des détails et des décorations est étonnante: soie, lin, velours, or, textures. L'utilisation de la lumière avec différentes nuances de rouge et de blanc crée une atmosphère de puissance et de puissance du souverain. Dans le portrait, le pape Innocent X est représenté si sévère et cruel que les connaissances de Velazquez craignaient que le pape ne soit mécontent du travail. En voyant son portrait, il dit à l'artiste: « Trop vrai », mais il finit par approuver le résultat.

Comme d'autres grands maîtres, Velazquez était le créateur de son époque, et quel que soit le sujet de son œuvre - qu'il s'agisse d'une représentation de dieux, de rois ou d'aristocrates, de nains ou d'artistes - son œuvre continue de vivre après sa mort. En fait, Velazquez a été considéré par certains des artistes les plus éminents de l'histoire comme leur idole. Ces artistes comprenaient Paul Cézanne, Edouard Manet et Pablo Picasso, et d'autres. C'est le talent et la passion de l'artiste pour l'introduction de nouvelles techniques de peinture qui ont fait de Velazquez l'un des meilleurs artistes au monde.

La créativité des grands artistes est intemporelle. La preuve en est l'histoire comment Velazquez et Goya ont inspiré le couturier le plus audacieux du 20ème siècle pour créer la haute couture.