Comment l'Amazone de l'avant-garde russe a conquis Paris et au-delà : Natalia Goncharova

2024 Auteur: Richard Flannagan | [email protected]. Dernière modifié: 2023-12-16 00:05

Natalia Goncharova est une artiste, designer et écrivain russe exceptionnelle. Elle est devenue célèbre dans le monde entier grâce à ses œuvres lumineuses, juteuses et extraordinaires qui combinent plusieurs styles: du fauvisme et du cubisme au futurisme et à l'Art nouveau. Elle était également connue pour ses costumes et décors de ballet et de théâtre, qui frappent par leur polyvalence et leur design inhabituel pour l'époque.

Au cours des deux premières décennies du XXe siècle, l'art russe a absorbé de nouveaux styles et une nouvelle philosophie de l'art d'Europe occidentale et est passé au premier plan de la culture. Goncharova et son mari Mikhail Larionov, avec leur travail et leurs efforts pour organiser des expositions et des équipes créatives, se sont retrouvés au centre de cette révolution artistique, qui a précédé et accompagné les bouleversements politiques dans le pays.

Natalia est née à Nagaevo en Russie centrale. La famille Gontcharov a perdu sa fortune basée sur la production de lin à la fin du XVIIIe siècle. La célèbre poétesse Pouchkine a épousé l'une de ses ancêtres, Natalia Gontcharova, d'après laquelle elle a été nommée. Son père était architecte. La famille de la mère de Natalia, la famille Belyaev, a donné naissance à plusieurs prêtres et était connue comme mécène de la musique.

Dans ses premières années, Natalya a fréquenté un gymnase à Moscou. Et à un âge plus conscient, ayant décidé de devenir artiste, elle entre à l'École de peinture, de sculpture et d'architecture (Moscou), où elle étudie la sculpture avec Pavel Trubetskoy, qui travaille dans le style d'Auguste Rodin. Elle a quitté l'université trois ans plus tard, bien qu'elle ait remporté une médaille d'argent et qu'elle n'ait pas terminé une période d'études de dix ans pour le programme. Cela a coïncidé avec son acceptation de la peinture comme moyen d'expression préféré.

1. Carrière et mari

En 1900, Gontcharova a rencontré son futur mari, Mikhail Larionov. Il est également allé au collège, mais le département de peinture. Sa décision de se lancer dans la peinture a été soutenue par Mikhail, sa passion pour le jeu de la lumière et l'harmonie des couleurs à l'avenir est devenue la marque de fabrique de l'artiste.

Comme beaucoup d'artistes russes de son époque, les premières années du XXe siècle ont été une période de connaissance et d'acceptation des styles qui se sont développés dans les capitales d'Europe occidentale. À l'époque, elle est attirée par l'impressionnisme et le divisionnisme, styles associés respectivement à Monet et Seurat. Les deux styles ne mettaient pas l'accent sur l'image d'objets solides, mais sur la capture de la lumière (couleur) réfléchie de l'objet à l'œil. En conséquence, le dessin était généralement lâche et l'accent était mis sur la couleur ainsi que sur les traits de peinture. Cela a conduit à une prise de conscience de la peinture, des coups de pinceau, de la texture et de la peinture sur toile. Ces deux styles étaient essentiels pour libérer l'art d'un caractère purement représentatif. Les artistes ont commencé à réaliser que l'art est une expression esthétique, inspirée par l'apparence du monde physique, mais n'en dépend pas.

Autrefois, le grand impresario du ballet russe Diaghilev organisa l'inclusion de la collection de peintures de Gontcharova et Larionov dans la section russe du Salon d'automne à Paris. Leur inclusion dans cette nouvelle exposition annuelle d'art radical nouveau (la même année 1906, le premier groupe de Fauves y fut présenté) témoigne du fait que les deux artistes étaient considérés comme des modèles des tendances avant-gardistes de leur pays. Au cours des neuf années suivantes, avant son émigration de Russie, Natalia a participé à un certain nombre d'expositions importantes, dont elle et Mikhail ont organisé beaucoup. Durant cette période, elle est également présentée à l'exposition postimpressionniste de 1912 organisée par Roger Fry à la Grafton Gallery de Londres, ainsi qu'à des expositions personnelles à Moscou et à Saint-Pétersbourg, et à une exposition à la galerie Paul Guillaume à Paris. avec le catalogue du célèbre critique Apollinaire.

2. Style de districtisme

Le demi-siècle qui précède le début de la guerre est une période de développement rapide des beaux-arts en Russie. Natalia était à l'avant-garde de ce mouvement.

Étonnamment, trois directions différentes se sont manifestées simultanément dans son travail: le régionalisme, le néo-primitivisme et le cubo-futurisme.

Le premier d'entre eux est le style original conçu par Mikhail et largement étudié par Natalia.

Le districtisme était à cette époque l'un des styles complètement abstraits de l'art occidental. Comme l'impressionnisme, le régionalisme se concentre sur les rayons de lumière réfléchis par les objets. L'espace dans l'image d'un radiant n'est pas mesurable, mais c'est une atmosphère chargée de l'énergie d'un nombre infini de rayons lumineux, soit directement du soleil, soit, plus probablement, des rayons réfléchis par les objets physiques qui l'entourent. Le principe directeur est purement esthétique dans la mesure où les couleurs sont choisies pour leur harmonie ou leur effet visuel.

Depuis plus de trois décennies, les artistes sont fascinés par l'idée de créer un art non figuratif basé sur l'orchestration de la couleur. Si la musique est complètement abstraite et, en même temps, infiniment expressive, alors ne peut-il pas y avoir un art utilisant la couleur (au lieu du son) qui serait tout aussi abstrait et expressif.

Au lieu des formes fragmentées et interconnectées trouvées dans le cubisme, la série Cats est basée sur de longs traits de couleur tranchants. Le districtisme était un style éphémère qui a pris fin en 1914. Franz Marc, associé au Blaue Reiter de Munich (avec qui Natalia avait exposé deux ans plus tôt), admirait son travail et écrivait d'une manière inspirée par le districtisme, peut-être en raison de son influence.

3. Style de primitivisme

Débridée et agitée, à la recherche d'une nouvelle inspiration, elle s'est aussi beaucoup appuyée sur les premiers peintres cubistes tels que Pablo Picasso pendant un certain temps. Cette étape de son travail dura plusieurs années et couvrit sa peinture, inspirée de la tradition russe.

Mais ses illustrations pour plusieurs livres de poésie de Velimir Khlebnikov et Alexei Kruchenykh ont montré sa dévotion aux anciennes formes d'art russes telles que les icônes, les fresques religieuses et les gravures sur bois. En 1913, elle déclara de façon dramatique qu'elle se détournait de l'Occident, témoignant de sa sympathie pour l'Orient.

Lors d'une de ses premières expositions, des peintures primitivistes et cubistes ont été présentées, et lors d'une exposition ultérieure, organisée par son mari, plus de cinquante œuvres de Natalia ont été exposées. Elle s'est inspirée du primitivisme des icônes russes et de l'art populaire, autrement connu sous le nom d'estampes populaires. La seconde exposition, plus tardive, a été conçue comme une rupture délibérée avec l'influence artistique européenne et la création d'une école russe indépendante d'art contemporain. L'événement s'est avéré controversé et la censure a confisqué l'œuvre thématique religieuse de Natalia « Evangelists », considérant qu'il était blasphématoire de l'afficher lors d'une exposition intitulée « La queue de l'âne ». Natalia et Mikhail ont longtemps été persécutés pour leurs œuvres et la façon dont ils s'exprimaient. Mais même dans les œuvres ultérieures de Natalia, l'influence du futurisme russe est perceptible. Initialement fascinée par la peinture d'icônes et le primitivisme de l'art populaire ethnique russe, Natalia est devenue célèbre en Russie pour son travail futuriste (dont l'un était un tableau intitulé Le cycliste).

Natalia et Mikhail, se peignant le visage de hiéroglyphes et de fleurs, ont parcouru les rues dans le cadre d'un mouvement artistique primitiviste. Natalia elle-même n'avait pas peur de temps en temps d'apparaître en public à moitié nue avec des symboles sur sa poitrine. En tant que leaders des futuristes moscovites, ils ont organisé des soirées de conférences provocantes dans la même veine que leurs homologues italiens. De plus, Natalia a écrit et illustré plusieurs livres d'avant-garde.

Natalia est membre du groupe d'avant-garde Blue Rider dès le premier jour de sa fondation (1911). Quatre ans plus tard, elle entreprend le développement des costumes et décors de ballet à Genève. Et bientôt, elle a commencé à travailler sur une série de croquis pour le ballet de Diaghilev, mais, malheureusement, le ballet n'a jamais été réalisé.

Quelques années plus tard, elle s'installe à Paris, où elle crée plusieurs décors pour les ballets russes de Diaghilev. Elle expose également au Salon d'Automne et participe régulièrement au Salon des Tuileries et au Salon des Indépendants.

Natalia et Mikhail ont collaboré à quatre événements caritatifs à Moscou. Ils ont tous deux développé la plupart du matériel promotionnel pour l'événement.

4. Style de néo-primitivisme

Parallèlement au rayonnisme, Natalia écrivait dans un style qu'on appelle aujourd'hui le néo-primitivisme. C'était un phénomène qui s'était déjà produit en France et ailleurs et qui semble lié à une évolution des aspirations politiques, sociales et culturelles. Combiné avec la démocratisation de la pensée politique et sociale, il y a souvent eu une tendance à essayer de découvrir le caractère plus profond des cultures nationales en s'inspirant de l'art populaire ou paysan traditionnel. En raison de l'origine ecclésiastique de sa famille et du fait qu'elle a passé sa jeunesse à vivre dans une propriété de campagne, Natalia serait attirée par l'art religieux et populaire traditionnel dans le cadre de son expérience de formation et des arts visuels de ses compatriotes. C'est à cette époque que l'intelligentsia commence à considérer les icônes (images liturgiques russes) comme un important patrimoine culturel national. La grande exposition d'icônes de Romanov a excité de nombreuses personnes sensibles à l'esthétique.

Natalia écrit sur des thèmes religieux depuis un certain nombre d'années, estimant que la signification et la signification intensément religieuses des icônes sont l'un des objectifs les plus importants qu'une artiste doit saisir dans son travail. Les couleurs riches, les effets décoratifs éblouissants et la nature hautement formalisée et stylisée des icônes l'ont déjà inspirée à travailler.

Cela l'a amenée à recourir à une manière sans rapport avec la pratique académique. En plus de souligner les qualités décoratives plates, la peinture semblait parfois éclabousser la surface ou était appliquée rapidement pour un effet spontané. Le charme et la naïveté, qui étaient auparavant chantés dans la peinture d'Henri Rousseau, sont apparus dans l'œuvre de l'artiste russe et, ce qui est très important pour elle, ont été empruntés à des sources locales.

5. Style de cubo-futurisme

Entre 1913 et 1914, le Cubo-Futurisme, aspects des styles alors modernes du Cubisme et du Futurisme, est apparu dans la peinture de Natalia. Le cubisme était connu des artistes russes à travers des publications, des expositions et des collections telles que les collections Morozov et Shchukin. Le cubisme était ambivalent envers la couleur en faveur d'un nouveau sens de la fragmentation de la structure et de la cohésion de la forme, résultant en une composition uniformément animée dans laquelle la relation figure/fond est éliminée.

Le futurisme italien a également eu des adeptes en Russie dans les années qui ont immédiatement précédé la Première Guerre mondiale.

Son futurisme, comme celui des Italiens, était plein de couleurs. Les sensations de mouvement étaient provoquées par des répétitions rythmiques de figures ou de lignes. L'inclusion de mots colorés ou de fragments de mots comme s'ils provenaient de signes et d'une partie de l'environnement dans lequel la personne est passée, a contribué davantage à cette perception. Les ondes sonores étaient également impliquées par des effets rythmiques et parfois par l'utilisation de la notation musicale.

6. Les dernières années de la vie

Natalia a passé le reste de sa vie à Paris, reconnue comme un membre important de la communauté artistique de la ville. Elle a continué à peindre, mais son travail le plus notable était dans le domaine de la scénographie. Dans ce domaine, elle et Michael sont devenus des stars mondiales. Natalia a de plus en plus identifié son travail avec la France. En 1936, elle et Mikhail participent à un important concours international d'art théâtral organisé à Milan. Ils préféraient exposer leur travail dans la section française plutôt que dans la section soviétique, et lorsqu'ils remportèrent la médaille d'argent, c'est la France qui les rejoignit.

Après l'invasion de la France par Adolf Hitler au printemps 1940, Natalia et Mikhail se retrouvent sous occupation allemande. Dans les années difficiles qui ont suivi, ils ont tous deux réussi à poursuivre leur carrière au théâtre. Puis, une exposition de leurs peintures biaisées à Paris a rappelé au public leur rôle prépondérant dans le développement de l'art contemporain au tournant du siècle. Comme certains l'ont soutenu, les deux artistes ont délibérément devancé une partie de leur travail, parfois de plus d'une décennie, afin de solidifier leur réputation d'artistes pionniers.

Mikhail a subi un accident vasculaire cérébral et la situation financière des époux, qui n'avait jamais été particulièrement confortable, est devenue encore plus précaire. Ils ont survécu en partie en vendant leurs premières peintures. Natalia souffrait également de nombreux maux physiques, dont une forme sévère d'arthrite, qui rendait impossible de dessiner sur un chevalet. Continuant à démontrer son dévouement au travail, elle a placé la toile devant elle dans une position horizontale pour continuer à manipuler le pinceau.

Natalia a fait sa dernière tentative de conception de théâtre en 57. Il s'agissait de costumes et de décors pour une série de ballets à Monte-Carlo. Un an plus tard, elle organise la dernière exposition de sa peinture à Paris, présentant une vingtaine de toiles inspirées du lancement russe du satellite spatial Spoutnik.

Le couple était toujours en proie à des problèmes financiers. Seule la vente d'une partie importante de la bibliothèque et des œuvres des époux au Victoria and Albert Museum de Londres a permis de maintenir leur solvabilité.

Natalia est décédée d'un cancer à Paris. Sur sa pierre tombale, il était simplement écrit qu'elle était artiste et peintre. La mort de Mikhail est survenue peu de temps après. Il a été enterré à côté d'elle avec la même inscription sur sa pierre tombale.

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