Ce que Jan Vermeer a crypté dans son tableau préféré : Les symboles cachés de l'allégorie de la peinture

2024 Auteur: Richard Flannagan | [email protected]. Dernière modifié: 2023-12-16 00:05

Au XVIIe siècle, les autoportraits d'artistes étaient monnaie courante. Les artisans peignaient souvent leurs propres images et reflétaient l'intérieur de leurs ateliers. Le célèbre Jan Vermeer, une figure importante de l'âge d'or néerlandais de l'art, n'a pas fait exception. Cependant, son autoportrait est très particulier et cache beaucoup de choses intéressantes !

Autoportrait

"Allégorie de la peinture" (ou "Atelier d'artiste") est une célèbre peinture de genre de l'artiste de Delft Jan Vermeer, qui est une allégorie à grande échelle de l'art de la peinture, ainsi qu'un autoportrait de l'artiste lui-même. On pense que c'est le plus grand exemple du réalisme néerlandais. Dans "Allégorie de la peinture", l'artiste s'est montré de dos. Et comme il n'y a pas d'autres portraits authentiques de Vermeer, on ne sait jamais à quoi ressemblait l'un des meilleurs peintres du monde. L'artiste a sûrement caché son visage pour une raison. Ainsi, Vermeer se concentre directement sur son atelier, son intérieur et les éléments connexes. Et eux, d'ailleurs, sont extrêmement curieux. Avec sa peinture, Vermeer a décidé de nous transmettre l'allégorie de son métier.

L'intérieur préféré de Vermeer

Le local est un salon. En effet, hormis la machine avec la toile, le pinceau dans la main droite et la toile, on n'aurait pas tout de suite deviné que cette pièce est l'atelier de l'artiste. Le salon est beaucoup plus élégant qu'un atelier d'artiste typique, avec un lustre en or, un mobilier exquis, des carreaux de marbre coûteux, etc. Bien sûr, il s'agit de la propre demeure de l'artiste - une grande maison à Delft, que Vermeer a représentée à plusieurs reprises dans ses toiles. Il s'y installa vers 1657 lorsqu'il épousa Katharina Bolnes. Vermeer continue de préserver ses détails intérieurs préférés dans cette image: la pièce elle-même est très similaire aux pièces sur d'autres toiles. Tous les mêmes carreaux, cartes au mur, tissus tissés, etc. La décoration du lustre doré est l'aigle à deux têtes, symbole officiel de la dynastie autrichienne des Habsbourg, les anciens souverains de Hollande. Le lustre est censé représenter le catholicisme, et l'absence de bougies à l'intérieur est une référence à sa suppression dans l'environnement protestant. Le reste du mobilier et des éléments luxueux du studio symbolise la prospérité matérielle. La qualité « théâtrale » de l'intrigue est volontairement accentuée par un rideau lumineux qui se déploie à gauche, comme pour montrer une scène. À l'extérieur du rideau entrouvert se trouve un atelier très éclairé dans lequel l'artiste peint un portrait du modèle.

L'héroïne de l'atelier

Le personnage principal est bien sûr une femme. Le tableau représente le moment où l'artiste est sur le point d'appliquer la couronne de l'héroïne sur la toile. La couronne, la corne et le livre sont des attributs de la muse de l'histoire, Clio, l'une des neuf personnifications des plus hauts standards de l'art et de la philosophie dans la mythologie grecque.

La carte est une partie importante de l'intérieur

Il y a une grande carte sur le mur au fond de la pièce. Les reliefs, les plis et même les imperfections de la toile géographique sont magistralement rendus. À propos, la carte montre le territoire des anciens Pays-Bas. L'image exacte ne devrait pas être surprenante, l'artiste a peint d'après nature. Une copie de ce tableau de 1635 a été retrouvée à la Bibliothèque nationale. Ainsi, la carte géographique témoigne à la fois de la richesse du propriétaire, ainsi que des sentiments patriotiques de l'artiste. Et à en juger par l'échelle de la carte par rapport à la taille du tableau, il était important pour Vermeer de transmettre l'idée de lui-même en tant qu'artiste néerlandais.

Palette de couleurs et lumière magique

Faites attention aux points lumineux de l'image - jaune (livre) et bleu (tenue de l'héroïne). Ce sont les couleurs préférées de Vermeer ! Sur presque toutes les toiles, vous pouvez voir des vestes jaunes, des livres et des toiles bleues, des tapis, des vêtements. À propos, comme l'ont prouvé les chercheurs des peintures de Vermeer, il utilisait le pigment bleu coûteux à l'époque - l'outremer, qui était (et reste) l'un des pigments de couleur les plus chers au monde. Comment l'artiste a réussi à financer l'utilisation somptueuse de l'outremer - surtout après la crise de 1672 - reste un mystère. L'année 1672 dans l'histoire des Pays-Bas est une année de malheur. Cette année, la République des Provinces-Unies a été attaquée par l'Angleterre, la France, Münster et Cologne. Les envahisseurs ont vaincu l'armée hollandaise et ont conquis la majeure partie de la république. Retournons dans la pièce et faisons attention à la lumière. La pièce est éclairée de la gauche à travers une fenêtre qui n'est pas visible pour le spectateur. La lumière tombe profondément sur le visage de l'héroïne, le coin de la table, une partie du mur et le livre jaune dans les mains de la jeune fille. La lumière de Vermeer inonde presque toutes les peintures de l'artiste, rendant les intérieurs incroyablement calmes et sereins. Ce n'est pas pour rien que l'artiste a été surnommé le "magicien de la lumière".

Nature morte et idée principale de Vermeer

Les objets sur la table, comme c'est souvent le cas chez Vermeer, véhiculent le message de l'artiste. Un cahier avec des croquis est l'art de la peinture, un buste en plâtre est une sculpture, un livre nous transmet la valeur d'une intrigue et son sens, les tissus sont un décor important pour la réussite d'un tableau. Un certain nombre de critiques d'art voient dans cette nature morte un sens plus profond, par exemple, un rappel de la guilde de Saint-Luc. Il s'agit d'une communauté d'artistes, sculpteurs, fabricants de tapis, imprimeurs de livres, etc. Ainsi, l'autoportrait de Vermeer peut bien être considéré comme une allégorie des métiers d'art. En fait, la peinture peut également être considérée comme la réponse de Vermeer à l'éternelle question continue d'être discutée par les artistes, les sculpteurs et les écrivains. Quel est le rôle de l'artiste dans la société moderne ? Est-il un maître égal aux charpentiers, maçons et bijoutiers, ou aux penseurs créatifs, poètes, architectes, ingénieurs et philosophes ? La réponse de Vermeer à travers le prisme de sa célèbre peinture est que la peinture est égale à tout autre art, car elle est capable de représenter toutes les idées visuelles et illusions possibles ce qu'elle voit avec profondeur et couleur.

Pourquoi la toile est-elle considérée comme exceptionnelle dans l'œuvre de Vermeer ?

L'Allégorie de la peinture est l'un des rares tableaux qui sont restés en possession de la famille Vermeer jusqu'à la mort de l'artiste. Et même dans les années de crise de difficultés économiques et de manque d'argent, la famille a essayé de préserver cette toile, ce qui indique sa valeur particulière. En novembre 1940, la toile est achetée par Adolf Hitler à son propriétaire le comte Jaromir Chernin au prix de 1,65 million de Reichsmarks (la monnaie du Troisième Reich). Après la guerre, les troupes américaines ont trouvé les trésors d'Hitler, qui ont donné la toile au gouvernement autrichien. Actuellement, la peinture de Vermeer est au Kunsthistorisches Museum de Vienne. "Allégorie de la peinture" - le plus grand tableau de Vermeer (120 × 100 cm) est considéré, entre autres, comme l'œuvre la plus préférée de l'artiste.