Où le génie catalan du surréalisme s'est-il inspiré pour ses peintures inimitables : Joan Miró

2024 Auteur: Richard Flannagan | [email protected]. Dernière modifié: 2023-12-16 00:05

Joan Miró est devenu l'un des artistes d'avant-garde les plus influents du XXe siècle en Europe. Il s'est inspiré des mouvements surréalistes et cubistes qui ont émergé à travers l'Europe au tournant du siècle et a continué à développer son propre style distinctif, créant des pièces inhabituelles et parfois fantaisistes.

Joan Miró était un peintre, sculpteur, céramiste et graveur influent du XXe siècle né en 1893 dans la région catalane d'Espagne, près de Barcelone. Il a commencé à peindre dès son enfance et a ensuite fréquenté une école de commerce ainsi que l'école des beaux-arts de La Longja.

Dans sa jeunesse, il s'est familiarisé avec le riche folklore de la Catalogne, qui a ensuite influencé son imagerie, dans laquelle il considérait toutes les formes naturelles comme des créatures, y compris les cailloux et les arbres. Lors d'une visite au Musée de Catalogne à Barcelone, il s'est également familiarisé avec les intérieurs achevés d'églises à fresques des IXe-XIIe siècles, avec leur exécution relativement grossière et leurs images simples, plates et caricaturales.

Tous ces éléments peuvent être vus dans le travail de l'artiste, ainsi que l'utilisation de différences d'échelle, où une forme est disproportionnellement plus grande que d'autres, une technique souvent utilisée par les enfants lorsqu'ils font des objets les plus importants pour eux les plus grands objets de la image.

Après trois ans d'école de commerce, Joan obtient un emploi de comptable dans une pharmacie que ses parents lui ont choisie. Là, il a surmené et est tombé gravement malade, au bord d'une « dépression nerveuse », qui a été suivie d'une attaque de fièvre typhoïde. Puis ses parents l'ont emmené dans leur nouvelle ferme de campagne Montroig, située dans un village catalan isolé. Son état de santé a forcé ses parents à lui permettre de faire ce qu'il voulait le plus faire - peindre. Il a fréquenté l'Académie Gali à Barcelone (une académie épris de liberté influencée par des artistes étrangers contemporains, où il s'intéressait également à la littérature et à la musique). Il a également appris à peindre avec juste le toucher, pas la vue.

Durant la période Dada, Ferrat commence à lire des poètes surréalistes d'avant-garde comme Apollinaire et Pierre Reverdi. Il rencontre Josep Llorens y Artigas, qui devient son ami de toujours et avec qui il va collaborer sur des projets de poterie les années suivantes. Joan a également été influencée par le fauvisme (en particulier, Henri Matisse) et le cubisme, qui ont commencé dans les premières années du 20e siècle, donnant d'abord sa préférence à la peinture de natures mortes.

De 1915 à 1918, il peint la nudité, puis des portraits et des paysages. Et puis il a commencé à géométriser les formes et à utiliser des couleurs indépendamment de leur existence dans la nature (comme les Fauves, qui utilisaient des couleurs vives qui ne sont pas visibles dans la nature). Il a également commencé à rechercher des signes et des symboles représentant des personnes et des animaux en tension ou en mouvement. Dans sa jeunesse, il a été surtout influencé par Paul Cézanne, Manet, Claude Monet et Vincent Van Gogh. La galerie Dalmau à Barcelone était un lieu de rassemblement pour les visiteurs étrangers. C'est là que Joan a rencontré Francis Picabia, un peintre dadaïste.

Tout au long de sa vie, il a été influencé par son héritage catalan, comme les céramiques catalanes décorées et les fresques catalanes, qui ont été restaurées dans les années 1920 et peintes avec des motifs plats de style folklorique. Au fil du temps, il a commencé à graviter vers le surréalisme.

Miró a exposé son travail dans des expositions surréalistes et a été particulièrement influencé par les poètes surréalistes qui, dans leur quête de pénétration du subconscient, ont joué à des jeux tels que Exquisite Corpse pour composer de la poésie. Exquisite Corpse (Consequences) est une technique par laquelle un vocabulaire est transmis à un groupe de poètes, dont chacun a choisi un mot au hasard. Quels que soient les mots qui apparaissent, ils s'alignent dans un poème. C'est ainsi qu'est née l'expression « Cadavre exquis ». Ils ont également utilisé les techniques de l'automatisme mental (par exemple, l'association libre) et du « trouble systémique des sentiments ».

En conséquence, Joan et d'autres artistes ont développé un moyen de transférer ces techniques dans leur environnement visuel, en utilisant leurs rêves et leurs associations visuelles libres. A cette époque, Ferrat peint une centaine de tableaux de ses rêves et c'est sa période la plus surréaliste. Il a également illustré la poésie surréaliste en collaboration avec des poètes.

Après avoir déménagé à Paris, l'art de Joan a subi de grands changements: il est passé à des formes plus symboliques (par exemple, les hiéroglyphes), des formes géométriques et le rythme général. Ses formes comprenaient des chats, des papillons, des mannequins et des paysans catalans, et il y avait un mouvement visuel dans son imagerie.

Plus tard, il a commencé à peindre des figures empruntées à l'art populaire catalan et des peintures basées sur des cartes postales de certains intérieurs hollandais qu'il a vus en Hollande, par des artistes tels que Jan Steen. Les images avec lesquelles il travaillait regorgeaient de formes. Joan a progressivement simplifié les formes et découpé fortement l'image, en utilisant des divisions géométriques et des mouvements de flexion dans les compositions.

Il achève alors la première phase de sa créativité et commence à s'interroger et à réévaluer son travail au cours des dix années suivantes, qui sont pour lui des luttes financières et artistiques. Il a commencé à expérimenter avec des matériaux - il a fait des collages de papier et des collages en utilisant des images d'objets courants tels que des ustensiles ménagers, des voitures, ainsi que de vrais clous, des cordes, etc. Cette période d'expérimentation l'a aidé à se débarrasser de toutes les pratiques traditionnelles et à se débarrasser de des détails familiers et un technicien au travail.

En utilisant des objets qui n'ont aucune signification, les artistes peuvent se concentrer sur les qualités abstraites des objets plutôt que sur les significations ou émotions associées, ce qui permet une plus grande liberté formelle. Ces objets neutres, n'ayant aucune valeur ou signification esthétique particulière, détournent l'attention du sujet et l'orientent vers la forme et le contenu de l'image. Après avoir créé de tels collages, Miro a transféré l'image du collage sur la toile.

Bien que Miro soit souvent décrit comme un artiste abstrait, il croyait lui-même que ce n'était pas le cas - il considérait même comme une insulte d'appeler son travail abstrait, car il affirmait que chaque forme de ses images est basée sur quelque chose dans le monde extérieur, simplement simplifié dans ses formes biomorphiques caractéristiques et ses lignes courbes.

Pendant la guerre civile espagnole, de nombreuses atrocités ont été commises par les troupes fascistes de Franco, telles que décrites par Picasso dans son célèbre Guernica. Malgré le fait que Miro n'était pas un artiste politique, ses formes à cette époque dépeignent une certaine brutalité, avec des distorsions et des couleurs flashy. Il réalise une fresque pour le pavillon espagnol de l'exposition parisienne "La Faucheuse".

En 40-41, il commence sa célèbre série de vingt-deux constellations, constituées de points noirs représentant des étoiles sur fond blanc, à l'aide de gouache et d'huile diluée sur papier. Pendant la Seconde Guerre mondiale, l'artiste séjourne en Espagne et son travail commence à être influencé par la nuit, la musique et les stars. Ses formes sont devenues encore plus abstraites et il a utilisé un certain nombre de techniques dans son travail, par exemple, lorsque les lignes se croisaient, il y avait une éclaboussure de la couleur principale, lorsque le rouge et le noir se chevauchaient, le jaune apparaissait.

Quelques années plus tard, il revient à la peinture, ajoutant maintenant des qualités calligraphiques à ses images, et à 44 ans, il commence à acquérir une renommée internationale grâce à son exposition rétrospective au Museum of Modern Art de New York et sa présence à l'Exposition internationale surréaliste de Paris, organisé par Marcel Duchamp et André Breton.

Après les expositions, il a été invité à commander une peinture murale pour un hôtel à Cincinnati, Ohio. Et puis il a fait une autre fresque pour l'école doctorale de Harvard. Tout au long des années 40, il a également peint des "figures de bâton", et dans les années 50, ses images contenaient des formes qui ressemblaient presque à des pictogrammes primitifs. Il peint des poteries et sculpte dans de l'argile de petites figurines comme des déesses primitives de la fertilité, et de simples vases avec des oiseaux et des têtes. Son style et ses techniques changeaient constamment, apportant des traits et des directions nouveaux et plus intéressants dans son travail.

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