A qui Klimt a-t-il dédié ses portraits méconnus, autour desquels subsistent encore des conjectures et des controverses

2024 Auteur: Richard Flannagan | [email protected]. Dernière modifié: 2023-12-16 00:05

Certains des portraits de Klimt ont déjà acquis un statut iconique, par exemple son portrait d'Adèle Bloch-Bauer, réalisé avec des éléments en or. Cependant, avant que Klimt ne devienne le chef du mouvement de la Sécession viennoise en 1897, il écrivait dans un style très conventionnel, comme l'exigeaient ses clients. La plupart des œuvres présentées ci-dessous sont des portraits inconnus de Klimt, ou, du moins, beaucoup moins célèbres que ceux qui sont incontestablement reconnus même par des personnes éloignées de l'art.

La vie de Gustav était brillante et mouvementée. Il ne restait jamais inactif et améliorait constamment ses compétences et son savoir-faire, expérimentant l'une ou l'autre direction et forme. Sans surprise, dans ses premières années, il a reçu une bourse de la Vienna School of Art, où il a suivi une formation de peintre d'architecture.

Bientôt, Gustav et son frère Enrst, qui rêvait de suivre les traces de son père et de se lancer dans la gravure, ainsi que son ami Franz Machszm, décident de travailler ensemble. Grâce à cela, dès 1880, les jeunes reçoivent de nombreuses commandes, qui consistent à créer des fresques spécialement pour le Kunsthistorisches Museum de Vienne.

Après un tel succès, ils ont ouvert un studio spécialisé dans la décoration d'intérieur, en particulier les théâtres, les décorant dans tout l'empire austro-hongrois. Et beaucoup de leurs œuvres y sont encore visibles.

Cinq ans plus tard, ils se voient confier la décoration de la résidence de campagne de l'impératrice Elisabeth, Villa Hermès près de Vienne (Le Songe d'une nuit d'été). Et un an plus tard, les artistes ont été invités à décorer le Burgtheater de Vienne, en les reconnaissant comme les plus grands décorateurs d'Autriche.

Une fois les travaux terminés, les artistes ont reçu la croix d'or du service Verdienstkreuz et Klimt a été chargé de peindre l'auditorium de l'ancien Burgtheater - une œuvre qui l'a rendu célèbre dans le monde entier.

Cette peinture, d'une précision quasi photographique, est considérée comme l'une des plus grandes réalisations de la peinture naturaliste. En conséquence, Gustav a reçu le prix impérial et est devenu un portraitiste à la mode ainsi qu'un des principaux peintres de son temps. Paradoxalement, c'est à ce moment, alors que se déroule devant lui la fabuleuse carrière d'un artiste classique, qu'il commence à se tourner vers des styles d'art radicalement nouveaux.

Au cours des années suivantes, le trio artistique s'est dissous. Franz voulait se lancer dans le portrait, ce qu'il fit avec un certain succès. Pendant ce temps, le changement de style de Gustav ne leur a pas permis de travailler ensemble sur un projet. De plus, Ernst mourut en 1892, peu de temps après la mort de leur père.

Frappé par cette double tragédie, Gustav se retire de la vie publique, se concentrant sur l'expérimentation et l'étude des styles d'art contemporain ainsi que des styles historiques ignorés au sein de l'establishment, tels que l'art japonais, chinois, égyptien antique et mycénienne.

Mais bientôt il a commencé à travailler sur sa dernière commande publique: des peintures "Philosophie, Médecine et Jurisprudence" pour l'Université de Vienne. Trois d'entre eux ne seront achevés qu'au début des années 1900, et ils seront sévèrement critiqués pour leur style radical et ce qui était, selon les mœurs de l'époque, de l'obscénité. Malheureusement, les peintures ont été détruites pendant la Seconde Guerre mondiale, n'en laissant que des reproductions en noir et blanc.

L'artiste n'était pas le seul à s'opposer à l'establishment artistique autrichien de l'époque. En 1897, avec quarante autres artistes viennois célèbres, il quitte l'Académie des Arts et fonde l'"Union des artistes autrichiens", mieux connue sous le nom de Sécession, dont il est immédiatement élu à la tête. Bien que l'Union n'ait pas d'objectifs clairement définis ou de soutien à certains styles, elle s'opposait à l'establishment classique.

Au début des années 1900, l'artiste a terminé la frise de Beethoven, qui a été présentée à la suite de la quatorzième exposition séparatiste à Vienne. C'était censé être une célébration spéciale en l'honneur du célèbre compositeur, et comprenait donc de nombreuses œuvres inspirées de lui, dont une sculpture polychrome créée par Max Klinger.

Malgré sa popularité, l'artiste préfère passer du temps seul avec lui-même, ses pensées et son travail, et il aime aussi passer l'été avec la famille Flege sur les rives de l'Attersee, où, se livrant à l'inspiration, il peint de magnifiques paysages.

Les peintures de Gustav à Uttersee méritent une évaluation distincte et sont vraiment admirables, car il a peint la plupart d'entre elles en regardant à travers un télescope.

La « phase dorée » de l'artiste a été accueillie avec fracas, tant par le public que par la critique. Beaucoup de ses peintures de cette période ont été créées à la feuille d'or, ce qui rend chaque œuvre unique à sa manière.

Malgré le fait que l'artiste n'ait pas beaucoup voyagé, ce sont ses visites dans des endroits comme Venise et Ravenne qui l'ont inspiré pour créer sa technique dorée unique avec une touche de style byzantin.

De plus, il s'est beaucoup investi dans un travail commun sur la création du design du Palais Stoclet, qui sera à terme reconnu comme le bien et l'une des principales valeurs historiques du modernisme.

En plus de tout cela, Gustav a peint cinq tableaux représentant des dames du monde vêtues de fourrure. Ces œuvres montraient son enthousiasme et sa soif de détails, ce qui est particulièrement clairement démontré dans la représentation des vêtements et des costumes. Certains d'entre eux, les soi-disant vêtements de modélisation, qu'il a créés spécialement pour sa bien-aimée Emilia Flöge.

Sa renommée lui a permis d'être pointilleux et sélectif, il a donc sélectionné très soigneusement ses modèles, travaillant avec diligence et minutie sur chaque portrait, exigeant un maximum de concentration ou de décontraction de la part de ses clients.

Plus près de 1910, Gustav a finalement abandonné son style doré, créant enfin le tableau final "La mort et la vie", qui a été présenté lors d'une exposition internationale à Rome, où il a remporté la première place. Cependant, malgré cela, l'artiste n'était pas satisfait de cette œuvre d'art et exactement un an plus tard, il a changé le fond de l'or au bleu.

Ayant subi un accident vasculaire cérébral et une pneumonie, Gustav est décédé exactement trois ans après la mort de sa mère bien-aimée. Il a été enterré sur le terrain du cimetière Hetzing dans la ville de Vienne, respectivement, il n'a pas eu le temps de terminer la plupart de ses peintures. Ses œuvres se distinguent souvent par d'élégants décors dorés ou colorés, des spirales et des boucles, ainsi que des formes phalliques utilisées pour masquer les positions plus érotiques des dessins sur lesquels sont basées plusieurs de ses peintures.

Les historiens de l'art notent une gamme éclectique d'influences contribuant au style distinctif de Klimt, notamment d'inspiration égyptienne, minoenne, grecque classique et byzantine. Il s'est également inspiré des gravures d'Albrecht Dürer et ses œuvres ultérieures se caractérisent par un rejet des premiers styles naturalistes et utilisent des symboles ou des éléments symboliques pour transmettre des idées psychologiques et souligner la liberté de l'art par rapport à la culture traditionnelle. Cependant, chaque peinture qu'il a créée est considérée comme unique, même celles que peu de gens connaissent.

Portraits d'Emilia Flege

En 1891, lorsque ce tableau fut achevé, une alliance fut conclue entre les familles Klimt et Flege. Le frère de Gustav, Ernst, a épousé la sœur d'Emily, Hélène. Emily avait alors dix-sept ans, Gustav avait douze ans de plus, et c'était leur première rencontre, qui a ensuite conduit à une amitié de longue date. Trois ans plus tard, il la repeint, cette fois dans un endroit précis. Il convient également de noter que cette œuvre était destinée au Burgtheater de Vienne, et non au salon familial.

Portrait de Marie Breinig

Marie Breinig est née dans des conditions modestes, mais a épousé un homme d'affaires prospère. Cela lui a permis de visiter souvent la société viennoise. Elle se lie d'amitié avec les sœurs Flege et devient cliente de leur salon à la mode.

Malgré le fait que de nombreux critiques d'art et historiens connaissaient ce portrait, il n'est toujours pas accessible au public, car les propriétaires souhaitent conserver leur anonymat. De plus, c'est le seul portrait laissé en possession de la famille d'origine, qui est toujours accroché à l'endroit prévu.

Portrait d'une femme inconnue

La peinture a été décrite comme "Portrait d'une femme inconnue", mais certains interprètent cette dame comme Frau Heyman, puisque le musée a acquis la peinture du collectionneur Dr. August Heyman par legs. Si vous regardez le fond du portrait, vous remarquerez des motifs floraux simples et plutôt stéréotypés qui annoncent les changements stylistiques que le séparatiste Ver Sacrum introduira dans trois ans.

Portrait d'une jeune fille assise

Malgré la taille de la reproduction, ce portrait est en réalité très petit: 14 par 9 cm et peint sur bois, pas sur toile. La composition ressemble à un portrait de Marie (ci-dessus). Une fille inconnue est vêtue d'une robe à la mode et regarde directement le spectateur. Une idée de qui ça peut être ?

Portrait d'Hélène Klimt

Helen n'avait que deux mois lorsque son père, le frère de Gustav, est décédé. Gustav a pris la garde de la fille et a promis de l'aide à sa mère. La jeune fille est devenue la fierté de la famille, et en grandissant, elle a rejoint la maison de couture Floge, aidant à l'administration, la comptabilité et conseillant les clients. Ce portrait est dominé par la coupe de cheveux nette de la jeune fille, qui est ensuite complétée par la représentation impressionniste de Klimt de son chemisier blanc en quelques coups.

Depuis des temps immémoriaux, la vie et l'œuvre des artistes étaient sur toutes les lèvres et dans tous les esprits. Certains sont idolâtrés, élèvent vers le ciel, d'autres sont condamnés, les accusant de tous les péchés mortels, et d'autres sont discutés, attribuant quelque chose qui souvent n'existait pas réellement. n'était pas une exception et Modigliani, autour de qui les passions incessantes faisaient rage de la part du public, qui veut savoir ce qui le liait réellement à Akhmatova, et ce qui a causé la mort de Jeanne Hébuterne.